7 erreurs à ne pas commettre pour photographier un spectacle de danse en basse lumière

Quel objectif utiliser, quels réglages adopter, comment optimiser votre prise de vue pour photographier un spectacle de danse en intérieur et en basse lumière ?

Autant d’interrogations que l’on retrouve fréquemment dans les questions lecteurs. Voici un tutoriel photo qui vous présente 7 erreurs à ne pas commettre !

photographier un spectacle de danse

f/1.8, 1/800, Iso 3200, 50mm (Nikon 50mm 1.8 AFS G)

Un article proposé par Maïeva Voyage, nikoniste amateure et passionnée, auteure du blog photo féminin Photo-tuto.fr (blog d’astuces et de conseils photo au ton ludique et décalé).

Photographier un spectacle de danse

Ca y est, ils arrivent !

Quoi donc ? Les spectacles de danses de fin d’années de vos enfants, petits-enfants ou encore neveux, voyons !

Depuis que vous avez opté pour le format Reflex, dans la famille, tout le monde vous voit comme l’Expert-e ès-Photographie. On vous surnomme même “le/la Photographe” (c’est dire).

Aux mariages, aux anniversaires, on vous convie d’office et l’on vous glisse toujours avant de raccrocher : “et apporte ton appareil photo, on compte sur toi !

Dernier fait en date ? La petite dernière qui (sans vous en parler au préalable) a fièrement affirmé au Maître que vous étiez photographe et que, oui, vous étiez tout à fait disponible pour immortaliser cette année le spectacle de maternelle.

Situation quelque peu embarrassante certes mais il serait malvenu de faire mentir cette enfant qui vous perçoit de tout évidence comme un modèle.

Impensable de faire machine arrière, il va falloir assurer. Et pour que votre réputation n’en pâtisse pas au passage, sur Nikon Passion, on a pensé à vous : voici 7 erreurs à ne pas commettre pour photographier un spectacle de danse en basse lumière.

Pour illustrer ces conseils, nous nous envolons au Rajasthan en Inde, pour un voyage dans le temps au cœur historique d’Udaïpur, à l’occasion du magnifique spectacle de danses traditionnelles joué tous les soirs au Musée Bagore Ki Haveli.

Erreur n°1 : Vous placer au fond de la salle et penser photographier le spectacle au téléobjectif

Les spectacles d’école se font rarement sur une scène surélevée, ni même une estrade. En vous plaçant au fond de la salle, vous serez très certainement gêné par toutes les personnes devant vous. Or pour cadrer correctement, vous avez besoin d’un champ libre.

Sans oublier qu’il serait dommage de vous asseoir au milieu de l’assemblée et de vous retrouver bien ennuyé car le papa de Noémie s’est placé juste devant vous (le papa de Noémie mesure 1,90m).

Un téléobjectif ne vous sauvera d’ailleurs sans doute pas non plus, car qui dit téléobjectif dit vitesse d’obturation élevée, voire très élevée en intérieur et donc risque de flou…

photographier un spectacle de danse

f/1.8, 1/160, Iso 800, 50mm (Nikon 50mm 1.8 AFS G)

La solution ? Arriver bien en avance et vous placer clairement devant la scène. Après tout, vous avez été “désigné” comme photographe officiel, vous pouvez bien vous arroger quelques libertés.

Alors bien sûr, vous n’allez pas gêner la vue des personnes du premier rang (restez discret) mais simplement vous placer tout devant au milieu de l’allée (si la scène est en hauteur) ou bien sur les côtés de la scène. Et là, plus aucun obstacle entre vous et le spectacle !

photographier un spectacle de danse

f/2.5, 1/200, Iso 800, 50mm (Nikon 50mm 1.8 AFS G)

Erreur n°2 : Garder vos ISO au minimum sous prétexte que, au-delà, vous aurez du bruit. Résultat, votre vitesse d’obturation est trop lente… et vos photos sont floues !

On vous a toujours dit que c’était mieux de garder vos ISO à 100 sous peine d’obtenir du bruit ? Il est temps de mettre un terme à cette croyance.

Il y a de fortes chances pour que les professeurs de l’école soient plutôt néophytes en matière de photographie, par conséquent le bruit ils ne le remarqueront sans doute pas, alors que des photos floues tout le monde les remarque et ça fait très très novice (souvenez-vous, votre enfant a dit que vous étiez pro).

photographier un spectacle de danse

f/1.8, 1/800, Iso 3200, 50mm (Nikon 50mm 1.8 AFS G)

Dans un spectacle d’école, il est important de figer le mouvement des danseurs. Si votre vitesse d’obturation est trop faible, ouvrez votre diaphragme au maximum, pour obtenir une vitesse plus rapide (au moins 1/125, idéalement 1/500 voire plus). Pour cela, n’hésitez pas à faire monter vos ISO.

Si, alors que le diaphragme est ouvert au maximum et que vos ISO sont au maximum, la vitesse est encore trop lente, utilisez la fonction “Correction d’Exposition” et diminuez la Correction d’Exposition (EV) d’un stop, soit -1 : vous gagnerez encore un peu en vitesse.

Vos photos seront sans doute un peu sombres mais vous pourrez toujours retoucher un peu l’exposition par la suite en post-traitement. Mieux vaut une photo nette mais un peu sombre (que vous pourrez retoucher par la suite), qu’une photo parfaitement exposée où le mouvement est flou de façon involontaire.

Et puis un beau mouvement de danse figé, ça fait vraiment pro pour des néophytes (c’est votre enfant qui sera contente).

photographier un spectacle de danse

f/1.8, 1/800, Iso 3200, 50mm (Nikon 50mm 1.8 AFS G)

Erreur n°3 : Utiliser le flash sous prétexte que vous manquez de lumière

Pour Henri Cartier Bresson, utiliser un flash équivalait à “tirer un coup de feu dans une salle de concert”, c’est dire comme le maître n’appréciait pas l’outil.

Il faut dire que pour ce genre de spectacle, des éclairs de flash incessants c’est pénible pour les danseurs en herbe comme pour les téléspectateurs.

En cas de très faible luminosité, privilégiez l’utilisation d’objectifs lumineux qui ouvrent à 2.8 voire 1.8 ou encore 1.4 (souvenez vous, nous en parlions déjà dans les 7 conseils pour allier légèreté et efficacité lors d’une virée photo de quelques jours)

photographier un spectacle de danse

f/1.8, 1/800, Iso 3200, 50mm (Nikon 50mm 1.8 AFS G)

Erreur n°4 : Faire des photos qui vous font plaisir, voire qui épateront les copains du Club Photo, mais qui laisseront le corps enseignant perplexe

Ce que souhaitent les professeurs ce sont des photos d’ensemble, quelques portraits et surtout des visages bien éclairés. Photographier un spectacle de danse ce n’est pas photographier un seul enfant en gros plan non plus.

photographier un spectacle de danse
f/2, 1/320, Iso 3200, 50mm (Nikon 50mm 1.8 AFS G)

N’allez pas vous amuser avec du contre-jour… Et ce ne sera pas non plus forcément le bon moment pour tenter le claroscuro ou même pour se focaliser sur des détails…

Bon à la rigueur prenez un ou deux clichés pour vous, puis remettez-vous au travail !

photographier un spectacle de danse

f/1.8, 1/320, Iso 3200, 50mm (Nikon 50mm 1.8 AFS G)

photographier un spectacle de danse

f/1.8, 1/800, Iso 3200, 50mm (Nikon 50mm 1.8 AFS G)

Erreur n°5 : Prendre une (seule) photo par action

Nous sommes à l’heure du numérique, votre carte mémoire supportera la charge alors shootez en rafale et ramenez tout plein de photos, quitte à n’en garder que quelques dizaines à la fin !

Prendre une seule photo par action c’est diviser par 3/4/5 vos chances de photos réussies (on n’est jamais à l’abri des yeux fermés).

photographier un spectacle de danse

f/2.2, 1/800, Iso 3200, 50mm (Nikon 50mm 1.8 AFS G)

En rafale, la probabilité d’obtenir le bon geste, la bonne pose, le bon regard … la bonne photo est bien plus grande, mettez donc toutes les chances de votre côté !

Et il n’y a aucune honte à prendre 100 photos pour au final en conserver 5 de bonnes, personne ne vous jugera, seul le résultat final compte.

photographier un spectacle de danse

f/1.8, 1/800, Iso 3200, 50mm (Nikon 50mm 1.8 AFS G)

Erreur n°6 : Oublier de régler votre Balance des Blancs

Votre balance des blancs vous pouvez la régler en 2 minutes avec une simple feuille de papier A4, cela vous évitera de pester sur les teintes quelques peu aléatoires de vos photos une fois de retour chez vous.

Cependant, si le metteur en scène bénévole du spectacle a fait preuve d’un peu trop de créativité (entendez par là que vous avez droit aux spots verts, rouges, bleus et jaunes… et tout cela pour une même scène) prenez vos photos au format RAW et armez-vous de patience pour la retouche une fois de retour à la maison (évidemment, ne retouchez que les bonnes photos).

photographier un spectacle de danse

f/1.8, 1/800, Iso 3200, 50mm (Nikon 50mm 1.8 AFS G)

Erreur n°7 : Découvrir une fois sur place de quoi il s’agit et ne pas savoir où donner de la tête

Pour réussir au mieux cette épreuve, il va vous falloir anticiper au maximum. Renseignez-vous auparavant auprès de votre enfant ou du corps enseignant :

  • combien d’élèves seront présents ?
  • quelles seront les dimensions de la scène ?
  • combien de minutes durera le spectacle ?
  • la luminosité sera-t-elle faible ou importante ?
  • De quel type de danse s’agira-t-il ?
  • Etc.

Et vous savez quoi ? Le mieux pour vous préparer comme il se doit avant de photographier un spectacle de danse, c’est encore de regarder votre enfant répéter les pas de danse, encore et encore, avant le jour J !

photographier un spectacle de danse

f/1.8, 1/800, Iso 3200, 50mm (Nikon 50mm 1.8 AFS G)

A présent, la parole est à vous :

  • Avez-vous déjà été désigné-e d’office comme photographe de spectacle d’enfants ?
  • Quelles sont les erreurs que vous avez commises dans la même situation ?
  • Quels précieux conseils aimeriez-vous donner aux autres photographes ?
  • Vous porterez-vous volontaire pour le spectacle de l’école cette année ?

Ce tutoriel photo a été rédigé par Maïeva Voyage, auteure du blog photographie Photo Tuto.
Maïeva Voyage a découvert la photographie en 2009 après avoir reçu en cadeau un Nikon D40X.
C’est au contact des photographes professionnels et amateurs du Club Photo d’Hà N?i (où elle a résidé de 2009 à 2012) qu’elle a développé sa pratique de la photographie.

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26 Commentaires sur "7 erreurs à ne pas commettre pour photographier un spectacle de danse en basse lumière"

  1. Bonjour,
    Je me reconnais dans cet article. Papa de petites filles et photographe amateur depuis pas mal de temps, j’avais pris pour mon seul usage personnel des photos de leur premier spectacle de danse il y a quelques années. Content du résultat j’ai donné les photos au club de danse. Épatés ils m’ont demandé, depuis, de revenir tous les ans pour couvrir leur gala. Je leur ai même créé un site web illustré par ces photos.
    Je ne suis pas équipé en matériel Nikon mais ce n’est pas important, ces conseils sont valables pour tous les boitiers. J’utilise un reflex APS-C avec des objectifs lumineux et un autofocus très rapide (85mm 1.8, 17-55mm 2.8) mais j’essaye autant que possible de ne jamais les utiliser à pleine ouverture pour maitriser la profondeur de champ. Je passe en priorité vitesse pour assurer au moins 1/200s histoire de figer les mouvements. J’autorise le boitier à monter à 6400 ISO et à légèrement sur-exposer si possible. En post traitement, baisser l’exposition et les hautes lumières permet de réduire le bruit numérique. Je n’utilise que les collimateurs centraux de mon appareils, ceux capables de verrouiller l’autofocus en basse lumière.
    Si la scène est surélevée, je me place au ras de la scène (un monopode peut être utile). Shooter au ras du sol permet alors d’obtenir un effet miroir. Sinon je suis assis par terre pour ne surtout pas photographier en plongée les petits danseurs. Dans les grandes salles de type théâtre c’est assez facile, dans les petites salles comme les salles des fêtes c’est difficile, rien n’a été prévu pour faciliter le travail d’un photographe.
    Autre point important, ne jamais cadrer serré. Il faut prendre de l’espace autour du sujet puis, en post traitement, recadrer, désincliner si besoin et appliquer les règles de composition. Avec le temps je me permet maintenant d’influencer les organisateurs pour le choix du fond de scène et des lumières (marre du devant de scène mal éclairé) et s’ils peuvent éviter les éclairages à LEDs c’est tant mieux. Un bonne préparation et d’assister à la répétition générale. Inutile de prendre des notes, dans le feu de l’action et dans une salle sombre vous ne pourrez pas les relire. C’est incroyable comme en ayant déjà vu le spectacle vous arriverez à anticiper les moments clés à immortaliser.
    Pour le reste tout est déjà dit dans l’article. Merci.

  2. Bonjour,
    Je ne comprends pas cette phrase : « Un téléobjectif ne vous sauvera d’ailleurs sans doute pas non plus, car qui dit téléobjectif dit vitesse d’obturation élevée, voire très élevée en intérieur et donc risque de flou… »
    Si on a une vitesse d’obturation élevée, on aura justement pas de flou, si ??

  3. 1/ Super le tuto. Merci, il est très clair et bien écrit.
    2/ Wow les photos. La première est un tableau !

  4. Merci pour tous ces petits conseils ! J’ai justement un shooting de Gala de danse ce jeudi, et à vrai dire ce sera une première pour moi, alors toutes ces astuces mon bien aidées ! Je suis débutantes photographe, alors n’hésite pas à critiquer mon site, j’adore progresser.
    http://karoline-camlay-photography.com

  5. Bonjour,

    excellent post, j’ai bien aimé le cote sens de l’humour et explication technique, c’est tres claire !!
    juste dommage qu’on parle de « Correction d’Exposition » et pas du mode de mesure : Matricielle, pondérée, spot, ici en faible lumière on peut utiliser la mesure « Spot »
    autrement excellent boulot ! Merci photo-tuto 😉

    Yoann

  6. Merci pour ces explications très claires. L’introduction est tout à fait géniale, et je pense que nous sommes nombreux à nous y reconnaître. 🙂

    • StG,
      Merci pour votre gentil commentaire 🙂
      Avez-vous déjà photographié un spectacle de danse ?
      Maïeva Voyage

      • De rien.
        Pas des spectacles de danse, mais des conteurs pour enfants, chanteurs, et divers spectacles populaires dans des salles qui ne sont la plupart du temps pas correctement équipées au niveau lumières. Le tout de manière totalement amateur (la prise de photo, pas le spectacle). Je me sens nettement plus à l’aise pour la photographie en bonnes conditions lumineuse, ou sur pied quand c’est sombre, car je n’apprécie que modérément la montée en ISO.

  7. Ah, une dernière chose pour améliorer vos images, ayez la fameuse règle des tiers en tête et laissez toujours l’espace majeur devant le comédien aussi minime qu’il soit 😉

    Mes 1ères armes, je les ai faites avec des groupes comme les Rolling Stones, David Bowie, Franck Zappa et le Greatfull Dead. Mon pire cauchemar a été Rod Stewart équipés d’un tromblon 2.8 alors qu’un 35 ou un 50 auraient largement suffit. A cette époque on poussait les films 400 à 1600 et au final il ne restait pas beaucoup de grains pour faire une image.

    Rod, c’était différent, on n’avait pas eu de places et à la dernière minute un concert supplémentaire a été organisé dans le 15ème diffusé sur FIP. Sérieusement on n’y croyait pas.

    On s’attendait à remplir un stade comme les 2 ou 3 concerts précédents et au final si on était 2000 c’était bien le maximum. Au 1er rang et sans forcer. Avec un RS en forme, un peu déçu mais pas démonté pour autant. Ce mec nous a fait un super concert intime, un vrai « pro » et peut-être plus long et plus « franc » que les autres. Même si je n’étais pas « fan », ce gars mérite la légende qui le suit. Il en avait et des sérieuses lol !!!

    Avoir du cran, c’est ça aussi. Mais à bien y réfléchir, on était mal équipés avec peu de notions d’images de spectacle mais personne n’avait de solution non plus. La couleur n’était pas de mise. Après avec Jean Dieuzaide, j’ai compris qu’il fallait en fait faire le contraire, exposer la 400 à 320, la 3200 à 1600 pour obtenir un grain comestible.

    En octobre, je vais exposer 20 ans d’images en mixant des tirages argentiques et des tirages numériques à l’aide de DxO Fimpack pour mettre du grain argentique. On ne voit pas ma différence, c’est l’essentiel et du N&B sans grain, ce n’est pas envisageable pour moi qui ait commencé la photo à l’âge de 5 ans avec le Kodak à soufflet de mon grand-père.

    Une rude école que celle-ci !!! Mais voilà, dès 5 ans, j’étais doué et je suis devenu le photographe familial avant de passer à autre chose (Rolleiflex) puis Canon AE-1.

    Nikon ? Question de baïonnette, passer du FD au EF ça m’a vraiment mis les b….

    Est-ce que je regrette ce choix ? Non mais j’ai attendu 3 ans la sortie du D200, le seul à pouvoir utiliser les objectifs AI avec des restrictions acceptables.

    Je viens d’acheter un soufflet Nikon PB-4 pour remplacer mes Soligor mais j’ai déjà toutes les bagues depuis très longtemps et ça fonctionne. Là, je dis Nikon, je t’ai attendu mais un jour tu y es arrivé en numérique et j’ai suivi l’aventure.

    Personnellement, cette aventure Nikon, je vous la conseille avec le boitier qui sera capable d’utiliser tous les objectifs depuis les AI de 1986.

    Il m’en faut une nouveau et j’hésite entre un D7000 ou D700 d’occasion et le D7100 qui vient de sortir. Les D600 avec poussières et le D800 sont hors de budget.

    En pesant le pour et le contre, je me rends compte que j’ai très peu d’optiques DX mais que le D7100 offre un mode x1.3 qui évite le recours au multiplicateur de focale x1.4 qui fait perdre 1 IL. Le D700 muni du multiplicateur à 6400 ISO fait à peu près un peu mieux que le D7000 à 3200.

    A méditer sérieusement.

    La chance n’a pas sa place dans ce domaine bien qu’une place spécifique pour les photographes, ça existe et ce n’est que du bonheur alors une nouvelle fois bon courage.

    Fab

    Ca n’a l’air de rien mais quand il y a peu de lumière, ça compte énormément.

  8. Hello,

    C’est intéressant et fort vrai à plus d’un titre. Effectivement, la 1ère chose à faire c’est de voir la salle et si possible l’éclairagiste pour avoir une idée des différents éclairages prévus.

    Pour une représentation de fin d’année c’est assez basique mais parfois on peut tomber sur un éclairage « sépia », « Or » ou autre et là… La balance des blancs correcte se situe vers 4300 °K.

    Par contre, se limiter au 50/1.8 (objectif à posséder DANS son sac systématiquement), c’est un peu limité. En effet, en tant que photographe de théâtre pro et de concerts, les zooms 24-70/2.8 sont un excellent compromis mais je me suis souvent retrouvé au 18-105 ou 18-200.

    Idéalement, une ouverture de f:4 est excellente pour pallier aux défauts de la mise au point sans assistance AF (le bidule qui éclaire à 3m) mais il faut accrocher une vitesse cohérente de 1/80è minimum. C’est le sujet qui bouge le plus en fait.

    L’utilisation d’un monopode s’avère peu chère et très intéressante. Pas de matériel à porter en permanence et une facilité de mouvement et de stabilité facile à obtenir. Je conseille de désactiver le VR mais chacun voit selon sa chapelle.

    Personnellement, je fais tout en mode manuel sauf l’AFS que je cale en mode AF-S (single) avec mise au point sur les yeux et en vue par vue ou rafale très lente.

    L’idéal est de savoir paramétrer son boitier (D200 & D7000 pour moi) de tête sans rien regarder. Les 2 molettes sont un pas nécessaire ce qui exclut les D3xxx et D5xxx. Il reste donc le D200/300/7000/7100 en DX.

    Dites-vous quand-même que les 18-55 et 18-105 sont les meilleurs rapports qualité/prix de chez Nikon et que s’en séparer est une erreur.

    Les focales fixes imposent de se déplacer pour cadrer ce qui est la meilleure des écoles mais malheureusement lors d’une représentation vous ne pourrez pas vous déplacer.

    Enfin, le point de vue central est LA place à avoir avec une possibilité de sortie sans déranger. Ca ne s’invente pas, si vous ne connaissez-pas la salle, c’est mission impossible.

    Enfin, si la scène est surélevée il faut être au niveau du torse des comédiens, plus élevé et isolé si possible mais pas en dessous.

    La grosse crainte c’est de ne pas cadrer correctement avec les bords noirs d’une scène. On ne voit pas le bas, rien ne vous indique dans le viseur que vous êtes avec une assiette horizontale correcte (demande faite auprès de Nikon il y a déjà plus de 4 ans) et vous risquez soit d’avoir le bas de la scène bancale dans le cadre, soit d’avoir des pieds coupés.

    Pour simplifier et terminer, faites des essais avant sur d’autres représentations avant de vous lancer. 3200 ISO avec un D7000, ça passe sans souci mais dès 4000 ISO c’est un massacre. Quitte à massacrer, passez à 6400.

    Pour le coup du -1, j’utilise -2, ça se rattrape facilement en raw et c’est vrai que ça permet de sortir des images impossibles.

    Voilà, l’exercice est très difficile, ces conseils sont excellents mais un petit plus pour vos optiques courantes ne vous rendra pas ridicule, loin de là.

    J’ai pris les images de l’avant 1ère d’une pièce présentée à Avignon avec mon 18-200 à 3200 ISO, perché le plus loin possible du public. 670 images sur 989 livrées et le choix était difficile. Le 28-300 aurait été une solution plus intéressante dans ce cas précis car j’étais entre 35 et 200. J’ai choisi ma place, et de cette place découlait ce que j’allais utiliser en évitant de démonter & remonter des objectifs. C’est long et ça fait du bruit. Le format DX m’avantage beaucoup dans ces cas.

    Malgré tout, un 50/1.8 peut être une solution mais à f:2 la profondeur de champ est minimale. Je lui préfère largement un 35/1.8 fermé à 2.8.

    J’ai un 17-35 que j’utilise peu mais quand il s’avère nécessaire, ça fait toute la différence.

    Suis-je contre les focales fixes ? Non bien sûr mais quand on ne peut pas se déplacer, le zoom lumineux est un passage obligé. Moins lumineux, pas de problèmes mais ne descendez-pas en dessous de 1/80è. Mieux vaut une image granuleuse que pas d’images du tout.

    Bonne chance,

    Fab

  9. Frédéric Brebant | 4 juin 2013 à 11 h 36 min | Répondre

    Article très intéressant 😉 Merci.
    Une question concernant le mode auto focus … Af-A, S ou C ?

    • Frédéric,

      De mémoire, je crois que j’étais en AF-S.
      Néanmoins, utiliser le AF-C permet de descendre encore en vitesse.

      Maïeva Voyage

  10. Erreur 1 bis : ne pas bouger (du fond de la salle, d’un côté, son cadrage…)
    Erreur 1 ter : s’encombrer d’accessoires inutiles (filtres, objectifs, chargeur de batterie) et oublier l’essentiel (mémoires/pellicules, batteries chargées, 2ème objectif + filtre UV propres)
    Erreur 7 bis : découvrir la salle
    Un conseil : demander à assister à une répétition (même partielle) dans la salle et/ou en costume. Cela habitue les enfants à votre présence et vous pouvez faire quelques portraits des instits et intervenants, voir même de groupe, sur un mode interview. Cela complète les photos souvenir de scène.

    • Pat888,

      Tout à fait d’accord avec l’Erreur 1 ter en particulier ! => en photographie comme ailleurs, le mieux peut être l’ennemi du bien

      Et pour le dernier conseil, c’est une excellent idée, ça permet de compléter la série de photos (et ça me fait penser à un tutoriel qui paraîtra très bientôt sur NikonPassion…).

      Maïeva Voyage

  11. J’ai fait des photos au même Bagore Ki Haveli le mois dernier mais possédant seulement un 24/120 à f4, j’ai dû pousser à Iso 6400 et elles ont plus de grain!! Un 35 mm à 1.4 ou 1.8 aurait sans doute été en effet plus approprié mais quid de la profondeur de champ à si peu de distance?

    • Bonjour Vidaling,

      Tu veux dire que tu souhaites une grande ou une faible profondeur de champs ?

      Maïeva Voyage

      PS : pour le grain, j’ai un peu post-traité pour le diminuer (même s’il
      restait raisonnable, grâce à l’utilisation d’un objectif lumineux)

  12. Merci ! Et j’ai eu le plaisir de revoir les danseurs de Udaipur, dans ce petit théâtre sympa 😉

    • Albert,

      N’était-il pas magnifique ce spectacle ?

      J’avais l’impression d’être dans le désert, un soir autour du feu avec une famille de nomade qui assurait le spectacle…

      Maïeva Voyage

  13. Un très bon article. Certains conseils (hautes ISO, objectif à grande ouverture si possible) s’appliquent à d’autres types de spectacle, comme la photo de concert. Je me suis permis d’en reprendre dans un de mes articles, d’ailleurs (https://elpadawan.wordpress.com/2013/05/14/10-tips-for-concert-photography/) ;). Par contre, avoir une vue d’ensemble qui inclue le public (au moins une) peut avoir son interêt, du coup ça peut valoir la peine de se reculer un peu pour une ou deux photos, je pense.

  14. Bonjour MLH,
    Merci pour votre retour 🙂
    Et vous avez tout à fait raison pour la mesure Spot (je pense d’ailleurs que je l’avais utilisée pour la toute première image).
    Faites-vous souvent de la photographie de spectacle ?
    Maïeva Voyage

    • Bonjour,

      Très rarement.

      L’an dernier j’étais exactement dans le cas que vous citez : le spectacle de danse de ma fille. J’avais commencé au 80-200 f2;8 depuis le 4e rang et ai terminé au 16-85 stabilisé. Bêtement, je n’ai pas pensé au 50 mm et sa grande ouverture. Avec le capteur APS-C il aurait été bien adapté comme petit télé.

      • MLH,
        Oui c’était le but de ce tutoriel : il y a des astuces auxquelles les photographes finissent par arriver avec la pratique. Le hic, c’est que ça se fait souvent au détriment du temps passé sur place (le temps qu’on s’en rende compte, une bonne partie du spectacle est passé). Voilà pourquoi l’idée était de donner des cartes AVANT le prochain spectacle, comme ça les personnes qui n’ont pas l’habitude seront mieux armées.
        Sinon, avec le recul, je pense que mon 35mm 1.8 AFS G aurait été plus adapté car j’étais très près de la scène et parfois un peu trop juste (j’ai plein d’autres jolies photos de ce spectacle où une main ou un pied sont coupés…).
        Maïeva Voyage

  15. Bonjour,
    Excellent tutoriel. Merci !
    Eventuellement aussi jouer du correcteur d’exposition en matricielle ou utiliser la mesure spot pour éviter le fond gris et les danseurs surexposés.

    • Bonjour MLH,
      Merci pour votre retour 🙂
      Faites-vous souvent de la photographie de spectacle ?
      Maïeva Voyage
      PS : Et bien sûr, vous avez tout à fait raison pour la mesure Spot (sur la toute première photo, cela m’a bien aidé).