Les portraits de groupe sont des photos assez appréciées, par les proches, par les sociétés, par des mariés. Pour autant il n’est pas toujours facile d’être original, de sortir du lot, de trouver des idées créatives pour faire la différence.

Voici l’exemple de Calle Hoglund qui a trouvé l’idée et la méthode pour la réaliser : un portrait fait de portraits qui sortent du cadre, un résultat très créatif, tout en couleur et une bonne partie de rigolade pour créer l’image. C’est ce que l’on peut voir dans la vidéo ci-dessous qui détaille, en time-lapse, la réalisation de l’image !

Faire un portrait de groupe original consiste ici à construire une image collective à partir de portraits individuels, assemblés ensuite dans une composition unique.

Pourquoi les portraits de groupe manquent souvent d’originalité

Un portrait de groupe répond presque toujours à la même contrainte : faire poser plusieurs personnes en même temps, au même endroit, avec un rendu lisible et consensuel. Autant dire que c’est souvent peine perdue sinon un calvaire !

Si toutefois vous arrivez à réunir toutes les personnes en même temps, et à faire en sorte qu’elles collaborent, que ce soit en entreprise, lors d’un événement familial ou d’un mariage, le résultat sera correct, mais rarement incroyable.

Le portrait de groupe final va manquer d’originalité : pas en raison d’un manque de compétence technique de votre part, mais en raison d’une approche trop globale du groupe, considéré comme un bloc homogène.

Une idée simple : un portrait composé de portraits

L’idée développée ici consiste à inverser la logique habituelle.

Au lieu de photographier le groupe comme un tout, vous photographiez chaque personne individuellement, dans un cadre identique, avant de l’intégrer à une composition finale.

Le portrait de groupe devient alors une image construite, presque illustrée, qui valorise à la fois l’individu et le collectif.

Analyse de la méthode utilisée par Calle Hoglund

Dans la vidéo ci-dessus, le photographe montre l’ensemble du processus sous forme de time lapse. On y voit la préparation du cadre, la répétition du geste, la cohérence des poses et la construction progressive de l’image finale.

Ce qui frappe, ce n’est pas la complexité technique, mais la rigueur du protocole et la constance dans l’exécution. Cette méthode fonctionne parce qu’elle est pensée en amont, avant même la première prise de vue.

Ce qu’il faut verrouiller

Pour que l’assemblage tienne, vous devez verrouiller trois paramètres :

D’abord le cadrage : même focale, même distance, même hauteur d’appareil.

Ensuite la lumière : évitez les variations, sinon chaque portrait “dénonce” le montage.

Enfin l’exposition : en manuel, c’est plus simple, parce que la répétition exige de la stabilité.

Comment faire un portrait de groupe original ? Déroulement de chaque prise de vue

Un portrait de groupe original n’est pas forcément une pose extravagante. Ici, l’idée consiste à construire le groupe à partir de portraits individuels identiques, assemblés ensuite en une seule image. La vidéo montre surtout une chose : ce qui fait la réussite, c’est la constance du cadrage et du protocole.

Dans quels contextes cette approche fonctionne le mieux

Ce type de portrait de groupe est particulièrement adapté aux entreprises, aux équipes créatives, aux associations ou aux groupes qui souhaitent projeter une image dynamique et non conventionnelle.

Il est moins adapté aux contextes solennels ou très formels, mais peut parfaitement trouver sa place dans un cadre festif, événementiel ou éditorial. A vous de voir, c’est quand même vous qui savez qui vous allez photographier et dans quel but !

Ce que vous pouvez retenir pour vos propres portraits de groupe

L’intérêt de cet exemple n’est pas de reproduire l’image à l’identique, mais de comprendre le raisonnement.

• Travailler le portrait de groupe comme une construction graphique.
• Penser la répétition, le rythme et la cohérence visuelle.
• Accepter de sortir du cadre classique pour proposer une image qui raconte quelque chose du groupe photographié.

Questions fréquentes sur le portrait de groupe original

Qu’est-ce qu’un portrait de groupe original
C’est un portrait qui dépasse la simple représentation collective pour proposer une idée visuelle, narrative ou graphique forte, tout en restant lisible et cohérente.

Comment rendre un portrait de groupe plus créatif
En travaillant la composition en amont, en variant les poses individuelles, en jouant sur la répétition ou en construisant l’image comme un assemblage plutôt que comme une prise unique.

Cette méthode est-elle reproductible par un photographe amateur
Oui, car elle repose davantage sur une organisation rigoureuse et une idée claire que sur un matériel ou une technique complexe.

Source : fstoppers

Ou comment passer une soirée en compagnie de mes camarades de l’Atelier Photo, pour réaliser les images de la toute première collection de vêtements d’une jeune créatrice.

Un studio équipé, des éclairages LED, un fond blanc, la créatrice et ses vêtements originaux, un photographe. Deux heures plus tard, les images étaient dans la boîte.

Parfois, le studio photo, ce n’est pas plus compliqué que ça !

Vous aimez le portrait photo, mais vous ne savez pas toujours comment guider vos modèles ? Découvrez Le guide de pose du photographe de portrait, de Pauline Petit, un ouvrage indispensable pour ne jamais être à court d’idées et mettre en valeur vos sujets !

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Le guide de pose du photographe de portrait : qui est Pauline Petit ?

J’ai eu le plaisir de rencontrer Pauline Petit au dernier Salon de la Photographie à Paris. Nous avons échangé sur son premier livre consacré au portrait d’art. Depuis, elle a publié un second ouvrage, qui prolonge naturellement le premier avec un guide de pose.

Pauline est une photographe portraitiste professionnelle. Vous pouvez d’ailleurs la retrouver sur son blog et sa chaîne YouTube pour apprendre la photo de portrait. En complément de sa pratique photographique, elle se consacre également à la formation. Ses images ont déjà été publiées à l’international et exposées dans des festivals photo.

Pose, direction, mise en valeur : ce que vous allez découvrir

Le posing et la direction de modèles sont deux pratiques complémentaires. Chacune demande des compétences spécifiques essentielles pour se lancer en photographie de portrait.

Le posing permet d’identifier les points forts et les contraintes liés à une morphologie.
La direction de modèle, en revanche, consiste à guider vos modèles durant la séance photo, qu’ils soient amateurs ou professionnels. C’est essentiel pour les modèles amateurs, souvent inexpérimentés et en attente de directives claires.

Après avoir détaillé le posing et la direction de modèle, Pauline Petit propose un guide de pose spécifique aux femmes. En effet, vous ne demanderez pas les mêmes poses à un modèle féminin qu’à un modèle masculin.

Dans le cas des modèles féminins, il s’agit de mettre en valeur la féminité. Vous trouverez donc, dans ce premier chapitre, des exemples de poses debout, assises ou allongées. Il comprend également des poses en lingerie, en maillot de bain, ainsi que des propositions adaptées aux femmes rondes ou enceintes.

Le deuxième chapitre, en toute logique, aborde les poses pour les hommes.

Photographier un couple implique une approche différente. Pour cela, le troisième chapitre vous propose un ensemble de poses debout, assises ou allongées. Il inclut également des poses de mariés et des mises en scène spécifiques aux photos de mariage, comme les plans en pied et le plan américain.

Pauline Petit consacre ensuite un chapitre aux enfants, du nouveau-né à l’adolescent. Dans le dernier chapitre elle élargit encore le cadre en abordant les poses pour la famille et les groupes.

Mon avis sur Le guide de pose du photographe de portrait

Pour un guide de pose, il est richement illustré, ce qui est essentiel pour ce type d’ouvrage. Vous ne serez pas déçu : Pauline Petit a inclus de nombreuses photos ainsi que des illustrations utiles, notamment celles qui vous permettent de réaliser un mood board afin de préparer vos séances.

La maquette met particulièrement en valeur les images, tandis que le texte est structuré en encadrés qui attirent votre attention sur les points essentiels. J’ai également apprécié les superpositions d’éléments sur les photos, comme à la page 31, où un portrait féminin est annoté pour souligner immédiatement les points clés à ne pas négliger.

Chaque chapitre se termine par une liste d’erreurs à éviter, comme les reflets dans les lunettes. J’ai aussi apprécié le fait que Pauline Petit ne se limite pas aux modèles professionnels aux morphologies standardisées. Son livre présente des portraits de personnes du quotidien, des sujets que vous serez probablement amené à photographier plus souvent que des mannequins professionnels.

Ce guide, publié aux éditions Eyrolles pour 23 euros, est une ressource précieuse pour les portraitistes. Il peut compléter le premier ouvrage de Pauline ou bien constituer un guide de pose unique si vous n’en possédez pas encore. Accessible et richement illustré, ce guide vous accompagnera dans toutes vos séances de portrait. Que vous soyez débutant ou confirmé, il deviendra rapidement un outil indispensable pour diriger vos modèles avec aisance.

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Rembrandt, loop, split, paramount… ces termes vous parlent ? Découvrez comment les maîtriser dans le livre La lumière de studio pour le portrait qui inclut 194 plans d’éclairage en 3D proposés par le photographe Dominique Agius.

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Présentation du livre La lumière de studio pour le portrait

Le livre Les bases de l’éclairage en studio est une bible pour les photographes souhaitant perfectionner leurs compétences en éclairage. Structuré en deux parties principales, l’ouvrage débute par une exploration des bases de l’éclairage en studio, avant d’aborder les techniques de base pour le portrait.

Chaque chapitre est illustré par des schémas 3D, ce qui rend les concepts complexes plus accessibles. Les photos résultantes, générées artificiellement, permettent de comparer les plans d’éclairage entre eux. Néanmoins ces illustrations, bien que pédagogiques, manquent parfois de la réalité visuelle que des photographies réelles auraient pu apporter.

Les bases de l’éclairage en studio

Dès les premières pages du livre, vous allez apprendre que tout commence par les sources de lumière. Chaque source a sa propre personnalité et son rôle spécifique. La key light, par exemple, est la principale source de lumière, celle qui va définir le caractère de l’éclairage. La fill light, quant à elle, adoucit les ombres créées par la key light, tandis que la kick light ajoute des accents et du relief.

Dominique Agius s’intéresse ensuite aux accessoires d’éclairage qui jouent un rôle crucial dans la qualité de la lumière. Un bol réflecteur concentre la lumière pour des effets plus directs et intenses.

Le bol beauté, préféré pour les portraits, diffuse une lumière douce et flatteuse. L’octobox, avec sa forme octogonale, offre une lumière plus enveloppante, idéale pour les prises de vue pleine longueur. Les parapluies sont polyvalents et parfaits pour créer une lumière douce et diffuse. Vous allez apprendre pourquoi chaque accessoire a son utilité et comment les utiliser efficacement.

Les plans d’éclairage

Les schémas classiques comme le Rembrandt, le loop, le split, et le paramount sont des incontournables. Vous allez découvrir leurs caractéristiques, parmi lesquelles :

• le Rembrandt, avec son triangle de lumière caractéristique sous l’œil, ajoute une profondeur dramatique,
• le loop, avec son ombre en forme de boucle, est idéal pour des portraits plus naturels,
• le split, qui divise le visage en deux moitiés de lumière et d’ombre, donne un look intense et mystérieux,
• le paramount, également connu sous le nom de butterfly, crée une ombre en forme de papillon sous le nez, parfait pour les portraits glamour.

Le plan d’éclairage ne serait rien sans … éclairage. Dominique Agius s’intéresse donc en toute logique aux éclairages particuliers comme le high key et le low key :

• le high key, avec sa prédominance de tons clairs, crée une atmosphère légère et joyeuse, souvent utilisée dans les portraits d’enfants et de mode,
• le low key, à l’inverse, utilise des tons sombres pour un effet dramatique et intense, idéal pour des portraits contrastés ou de nu.

Si vous cherchez à aller encore plus loin, les quelques pages en annexe à la fin du livre détaillent la réalisation de portraits fine art, d’enfant, contrasté, de nu, d’homme, de mode.

Mon avis et à qui s’adresse ce livre

Le livre La lumière de studio pour le portrait est riche et complet, couvrant tous les plans d’éclairage et leurs variantes. Les illustrations 3D homogénéisent l’ensemble et facilitent les comparaisons. Ces illustrations, bien que parfaites pour la compréhension, apparaissent toutefois plutôt artificielles et auraient bénéficié d’un complément de photographies réelles pour un rendu plus concret.

La lumière de studio pour le portrait s’adresse aux photographes amateurs comme experts. Les débutants y trouveront une introduction claire et détaillée aux différentes sources de lumière et accessoires d’éclairage. Les photographes plus expérimentés apprécieront les plans d’éclairage de portraits avancés et les techniques spécifiques pour différents types de portraits.

Proposé au tarif public de 30 euros, ce livre se révèle également être un excellent support de cours pour tous les étudiants en photographie, offrant un guide de référence complet pour tester et maîtriser divers éclairages en studio.

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Vous devez photographier des objets qui seront mis en vente, exposés, ou réaliser un catalogue pour un client mais vous rencontrez de nombreux problèmes ?

Nath Sakura vous propose de les régler un par un, de l’éclairage à la finition des images, voici comment.

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Comment éclairer et photographier les objets : présentation

Vous avez déjà photographié un objet pour réaliser que la photo n’est pas parfaitement nette. Qu’elle présente des reflets indésirables. Que les proportions de l’objet ne sont pas respectées. Que les couleurs ne sont pas les bonnes …

Bien que cela paraisse simple, photographier un objet et l’éclairer comme vous le voulez est une compétence qui n’est pas donnée à tout le monde.

Contrairement à ce que vous pourriez penser, il vous faut en effet maîtriser les principes de base de la prise de vue, mais aussi les principes de l’éclairage, les principes qui gouvernent la lumière, ainsi que les différents phénomènes d’interférence se produisant lorsque la lumière rencontre l’objet.

Perdu d’avance ? Trop complexe pour vous ? Non. Pas si vous prenez le temps de découvrir et comprendre ces différents principes, que vous vous posez les bonnes questions et que vous acceptez de consacrer le temps nécessaire à cet apprentissage. Vous saurez alors vous-aussi capable de photographier les objets et de montrer des photos de qualité.

Dans ce second livre consacré au studio et à l’éclairage (voir « Eclairer et photographier le portrait »), la photographe Nath-Sakura vous explique la théorie et la pratique, avec de nombreux exemples pour arriver à vos fins.

Au programme de votre apprentissage :

• les lois de l’optique
• l’étude des volumes, textures et matières
• l’étude des éclairages
• la composition des images
• l’analyse d’images et les plans d’éclairage associés

Si je ne devais retenir qu’une unique chose de ce livre, c’est la grande précision que nécessite la photo d’objets. Cette précision que vous vous imposerez dès la prise de vue vous évitera des déboires, de longues heures de tentatives infructueuses et autant d’heures passées devant votre ordinateur pour tenter de rectifier ce qui ne peut l’être la plupart du temps.

Entendons-nous bien, ce livre s’adresse aux photographes désireux de réaliser des photos d’objets les plus parfaites possibles. Il n’est pas question ici de faire quelques images à la va-vite pour poster sur les réseaux sociaux ou les sites de ventes. Nath-Sakura s’adresse aux photographes soucieux de réaliser un travail professionnel.

Un exemple ? Ouvrez le livre page 98 et intéressez-vous à la photo de verres. Des verres comme vous en avez chez vous, avec leurs volumes, leurs reflets, leurs formes. Photographier ces objets est un des exercices les plus difficiles (voir un exemple de prise de vue).

Un conseil tiré du livre ? Éclairez les verres par derrière sans quoi leur famille d’angles étant située sur près de 280°, toute autre tentative se soldera par un échec.

Mon avis sur ce livre

Pour avoir déjà parcouru plusieurs livres sur la photographie d’objets, dont l’excellent ouvrage de Eberhard Schuy, je pensais avoir fait un bon tour du sujet. Après avoir parcouru celui-ci, j’ai compris qu’il n’en était rien.

L’approche de Nath-Sakura, le nombre de principes abordés, la quantité d’informations partagées, la précision et le nombre d’exemples représentent une somme unique d’informations de qualité professionnelle.

Ce livre, à lui seul si vous l’étudiez entièrement, peut faire de vous un photographe expert en photographie d’objets. Toutefois nouvel avertissement, ne pensez pas que cela se fera en quelques jours après avoir consulté quelques pages. Ce n’est pas le propos de l’auteur, ce n’est pas le but du livre. En investissant les 29 euros que le livre va vous coûter, vous serez en possession d’un ouvrage de référence qui n’a rien à voir avec une compilation de tutoriels pour photographes débutants (par exemple celui-ci sur le packshot).

Sachez également qu’il vous faudra investir dans certains accessoires de studio si vous voulez maîtriser la photographie d’objets. Je passe sur le matériel photo (objectifs en particulier) à adapter selon vos besoins.

L’ensemble des notions théoriques présentées dans le livre s’accompagne d’un chapitre complet sur l’analyse de 17 photographies d’objets. Chaque exemple vous présente :

• la mise en œuvre
• la fiche technique de réalisation de la photo
• le plan d’éclairage
• le backstage de réalisation 
• la photo finale
• une autre version selon les cas

A qui s’adresse ce livre ?

Cet ouvrage intéresse le photographe professionnel devant réaliser des photographies d’objets sans que ce ne soit sa spécialité encore.

Il intéresse tout photographe désireux de se lancer dans cette pratique et d’acquérir des bases solides sans perdre de temps.

Il intéresse aussi le photographe amateur curieux de savoir ce qu’il faut connaître pour réussir une photographie d’objet de qualité professionnelle et désireux d’enrichir ses connaissances en photographie de studio.

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Voici un tutoriel photo studio qui vous montre comment réaliser une photo de liquide jaillissant de plusieurs verres. Ce tutoriel vous est proposé par Vincent Riemersma sur son compte Flickr.

Photos (C) Vincent Riemersma

Tutoriel photo studio : Préparation

Comme pour certaines photos de studio (voir par exemple « Noir ou Blanc ») la préparation nécessaire pour réaliser cette photo est conséquente mais tout à fait à votre portée si vous prenez le temps de suivre la démarche proposée.

L’idée est de concevoir un mini-studio suffisamment souple pour pouvoir changer les paramètres de prise de vue car cette réalisation est assez technique.

Photographier des verres peut paraître simple mais cela demande un minimum de soin. Les verres sont collés sur leur support de façon à ne pas basculer au moment du déclenchement. Ce support est un plateau fixé sur une ancienne planche de skate.

Ce montage permet de faire bouger le plateau à la bonne vitesse (les roues du skate) et de façon plus fluide que si ce dernier était déplacé tout seul.  Un peu comme si l’on utilisait une Dolly, mais elle est faite maison !

L’ensemble est placé sur une étagère inclinée avec une butée métallique permettant de positionner le skate toujours au même endroit lors de chaque tentative de prise de vue.

Tutoriel photo studio : préparation du studio

L’éclairage

Rien de complexe, un seul flash cobra est utilisé pour réaliser la photo.

Le flash est orienté vers le mur blanc qui constitue le fond du studio, il est déclenché à l’aide d’un déclencheur sensible au son (le bruit du skate touchant la butée). Diriger ainsi le flash vers le mur permet d’avoir une lumière très diffuse sur les verres, par réflexion. Utiliser une lumière frontale aurait donné un éclairage plus dur, inadapté pour cette photo en raison de la nature même des verres, réfléchissante.

La prise de vue

Au moment de la prise de vue les verres sont remplis, la lumière de la pièce est coupée, l’obturateur du boîtier est ouvert (mode manuel, exposition de 3 secondes).

Le plateau avec les verres est lâché, Il se met à rouler et vient heurter une butée : le bruit du choc active le déclencheur qui fait partir le flash. L’obturateur se referme au bout des 3 secondes, la photo est prise.

La feuille de plastique visible sur la gauche sert à éviter les projections de liquide et permet un nettoyage aisé de la scène. Le choc étant peu violent, il n’y a pas énormément de projections mais mieux vaut prévenir que guérir !

Tutoriel photo studio : la préparation

Le déclencheur sonore (pour les bricoleurs)

Quand le plateau heurte la butée, un élément piézo détecte le bruit. Un déclencheur électronique active le flash. Vous pouvez trouver le schéma du déclencheur et la liste des composants sur le site Hiviz. Ce principe complexe présente l’avantage d’être souple à l’usage et permet au photographe d’ajuster facilement tous les paramètres. Tout autre système de déclenchement peut faire l’affaire.

Le délai de déclenchement du flash est un critère essentiel : si celui-ci se déclenche trop tôt, le liquide est encore dans les verres, s’il se déclenche trop tard le liquide est … sur le sol.

Vous pouvez utiliser un déclencheur de flash du commerce qu’il faudra adapter pour détecter le bruit si vous n’êtes pas trop bricoleur (en savoir plus sur ce type de montage).

Tutoriel photo studio Splash : le résultat

Prenez le temps de faire des essais pour vérifier que l’ensemble vous donnera le cadrage requis, c’est toujours plus simple de faire cela tant que les verres sont vides !

La mise au point doit être faite sur les verres tous alignés pour éviter les défauts de netteté. Il vous faudra également ajuster les paramètres de prise de vue comme l’ouverture et la sensibilité pour obtenir l’exposition qui convient.

Et le résultat final :

Une fois le résultat atteint, vous pouvez vous amusez à faire varier le contenu des verres, la vitesse de roulage, la nature de la lumière, etc.

Bonnes photos !!

Source : DIY Photography

Photos : Vincent Riemersma

Faire de la nature morte en studio, ce n’est pas uniquement prévoir la nature morte et un appareil photo. C’est un ensemble de détails qu’il vous faut préparer à l’avance pour que la séance se déroule dans les meilleures conditions. Voici quelques conseils pour l’organisation d’une séance type.

Comment installer un studio photo chez soi, le guide

Faire de la nature morte en studio : préparation des éléments de décor

Dans un studio, sauf à ce qu’il soit déjà préparé, vous ne disposerez d’aucun décor particulier pour votre séance. Il vous faut donc penser au préalable à ce dont vous voulez disposer, à l’arrière-plan que vous souhaitez utiliser, et regrouper tous les éléments.

Lors de cette séance, le studio était vide à notre arrivée, le décor a été construit avant de démarrer toute prise de vue. L’idée était de reconstituer un coin d’appartement pour photographier une nature morte, en l’occurrence un bouquet de fleurs dans différentes situations d’éclairage (c’était une séance d’initiation au studio).

Il a donc fallu trouver et apporter :

• 4 plots en bois posés l’un sur l’autre pour faire le soubassement de la fenêtre et simuler le mur
• une fenêtre avec ses deux battants (récupérée sur un chantier en démolition)
• un carton gris pour simuler le revêtement du mur (on l’aperçoit plié vers le sol)
• une petite table support avec sa nappe
• deux bouquets (attention à ne pas les acheter trop tôt, les fleurs se fanent vite)
• un voilage bleu (et un rouge pour la suite) pour simuler un décor mural
• deux rideaux pour la fenêtre
• des fixations, de la ficelle, du gaffer, des pinces, etc.

Exemple de photo réalisée avec le décor présenté plus bas

Mise en place du studio

Une fois assemblés les différents éléments, voici le coin d’appartement reconstitué. Les éclairages sont disposés de part et d’autre du décor afin d’éclairer la scène. Une grande boîte à lumière à gauche donne l’éclairage principal, reproduisant la lumière naturelle. Un éclairage de fond placé derrière la fenêtre reproduit la lumière du soleil, arrivant tout naturellement à travers les carreaux.

L’éclairage en haut à droite permet d’éclairer le sujet principal en faisant varier les effets. Une grille nid d’abeille concentre la lumière sur le bouquet, un snoot donne un faisceau lumineux plus intense sur quelques détails.

studio nature morte : le décor créé pour la séance

Séance de studio Nature Morte – la préparation

Si vous pensez à apporter des éléments de différentes couleurs, vous pourrez faire varier votre décor facilement en cours de séance, ça peut être intéressant selon le sujet. ici c’est la nappe et le tissu mural qui ont changé de couleur.

Le décor qui a servi à réaliser la photo d’introduction

Faite varier le décor et l’éclairage

Avec des éléments supplémentaires, vous pourrez tenter des variantes en matière de composition et d’éclairage. Ici l’idée était de jouer avec la notion de cadre, aussi un simple cadre dépouillé de son verre a été suspendu devant le sujet principal, maintenu par un fil nylon transparent lui-même fixé au plafond.

Laissez libre cours à votre créativité

En fin de séance, vous pouvez faire évoluer votre décor. Ici l’ensemble mur-fenêtre-décors muraux a été retiré pour laisser place au seul fond d’origine du studio. Celui-ci, éclairé par deux grandes boîtes à lumière a permis de créer un mur lumineux en fond. Le sujet, placé quelques mètres devant ce mur, se retrouve en contre jour avec des effets graphiques intéressants.

Un décor dépouillé avec un mur lumineux en fond,
varier l’intensité de l’éclairage permet de faire varier le rendu de l’image

Faire de la nature morte en studio : conclusion

Une séance de nature morte en studio se prépare, et il suffit de quelques accessoires pour qu’elle soit réussie. Pensez à prévoir à l’avance votre séance, votre décor, ce que vous souhaitez photographier, dans quel contexte, pour quel rendu.

La séance qui a servi d’illustration à cet article a duré trois heures, montage du décor (et démontage) compris. Sans autre objectif que celui de la formation studio, elle donne une idée des possibilités créatives qui vous sont offertes si vous prenez soin de préparer un minimum à l’avance.

Dernier conseil : prévoyez un véhicule adéquat car transporter une fenêtre entière et le restant du décor, ça peut vite devenir problématique si vous n’avez pas un grand coffre !

Vous voulez en savoir plus sur la photo en studio ? Je vous invite à vous procurer le guide ci-dessous qui vous présente le matériel nécessaire, les techniques de prise de vue et de nombreux exemples.

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Éclairer et photographier le portrait, l’univers de Nath-Sakura

J’ai découvert les images de Nath-Sakura lors du Festival de photographie de Vincennes (en savoir plus sur le site de la photographe). J’avoue avoir été étonné par ces éclairages dignes de certaines productions cinématographiques. Par ces modèles aussi, dont on sentait bien qu’ils n’étaient pas photographiés ainsi par hasard, que derrière les apparences il y avait une démarche et une recherche artistique inhabituelles.

Lorsque j’ai reçu le livre de Nath-Sakura, son manuel à destination « des photographes désireux d’apprendre à réaliser des portraits sensibles, percutants et qualitativement très haut de gamme », je n’ai pas été surpris. J’ai retrouvé ce que j’avais vu lors de l’exposition.

Je vous ai déjà présenté plusieurs livres sur le portrait photo, l’éclairage, les poses et les techniques pour éclairer vos portraits en lumière naturelle.

Ici vous entrez dans un autre univers, bien plus complexe. Celui d’une artiste, déjà, Nath-Sakura.

Celui du studio pro, aussi, avec ses décors et ses éclairages.

Celui de la sensibilité également, car tout est fait pour vous inciter à considérer votre modèle comme une personne dont la personnalité et la psychologie doivent être prises en compte avant même d’envisager votre séance.

Je n’irai pas jusqu’à décrire le contenu du livre chapitre par chapitre, cela n’aurait guère de sens, ce n’est pas le sommaire qui fait son intérêt. Ce qui le fait, c’est l’approche de la photographe, ce qu’elle vous transmet, ce recul unique sur l’art du portrait et la photographie.

Sachez toutefois que vous allez approcher la technique photographique, la direction artistique, la direction de modèle et l’analyse des lumières tout au long des 260 pages qui composent un livre dont la maquette, très dense, fait la part belle aux photos et illustrations comme aux encarts historiques.

L’enseignement est de très haut niveau et s’adresse aux photographes ayant déjà une belle pratique du portrait photo, désireux d’aller encore plus loin. De créer des images plus que de faire des portraits photo. Si c’est votre cas, je ne peux que vous conseiller d’ailleurs de commencer par le livre, puis de suivre les stages de Nath-Sakura, animatrice certifiée qui propose des workshops en France et en Europe.

Mon avis sur ce livre

N’étant pas portraitiste, je ne remettrai pas en cause le contenu de cet enseignement, je n’ai pas la pertinence pour le faire. Sachez toutefois que si le portrait photo est votre passion, que vous voulez en faire votre métier, que vous avez envie d’imaginer et de créer vos images alors ce livre vous est indispensable. Il sera votre point d’entrée dans un univers artistique, coloré, sensible et très qualitatif. Tout ça pour 29 euros, c’est cadeau.

Si vous souhaitez réaliser des portraits photo plus naturels, sur le vif, en lumière naturelle, c’est un autre domaine et je vous recommande plutôt le livre de Scott Kelby L’éclairage du portrait en lumière naturelle qui vous sera bien plus accessible.

Vous pouvez aussi vous procurer ce livre pour comprendre ce qu’est le portrait photo au-delà des clichés, de ces images faites à la va-vite en jouant avec une source de lumière, sans méthode.

Vous découvrirez alors le monde du portrait professionnel. J’irais jusqu’à dire que même si vous ne voulez pas devenir portraitiste, ce livre vous intéressera car plus qu’un simple guide pratique, c’est un ouvrage sur l’art du portrait avant tout.

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Le portrait photo est une pratique qui vous attire, vous avez le matériel adéquat mais vous ne savez pas faire poser vos modèle ni les diriger. Vous manquez d’idées pour faire des photos créatives, et au final vous vous découragez et vous ne faites rien. Je vous invite à découvrir « Maîtriser, l’art de poser », par Lindsey Adler.

L’approche de cette photographe américaine parmi les plus connues dans son domaine pourrait bien vous étonner.

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Lindsey Adler : présentation

J’ai découvert la photographe Lindsey Adler grâce à mes amis Céline et Guillaume Manceron (Studio dans les Nuages). Je les sentais sous le charme chaque fois qu’ils revenaient des conventions auxquelles Lindsey Adler participait.

Quand Céline me disait « Lindsay, une des meilleures photographes au monde ! On est tous les deux fans de son travail et amoureux de la photographe !« , je sentais bien qu’il devait se passer quelque chose. Mais je n’avais pas pris le temps encore de regarder de quoi il s’agissait.

Pourquoi cet engouement pour Lindsey Adler ?

Parce qu’elle est partout, déjà. Ses photos ont été publiées dans les magazines les plus connus tels Elle ou Marie-Claire pour les titres francophones. Vous pouvez avoir un aperçu de ses photos récentes sur son compte Instagram comme sur son site web.

Outre son travail avec les marques (Canon, Adobe, Microsoft) Lindsey Adler partage son expérience lors de formations, de conférences (comme WPPI à Las Vegas chaque année), et dans ses livres dédiés à l’art du portrait.

Les livres, parlons-en.

« Posing », la version originale que mes deux compères ont fait dédicacer par Lindsay « herself », est enfin traduit en français, chez First Editions dans la collection Focus. Cet éditeur ne manque pas de nez depuis plusieurs mois pour nous dénicher des ouvrages forts intéressants (comme La photographie de paysage, heure par heure). Je vous parle bientôt du livre de Valérie Jardin, le suivant dans ma pile, toujours chez First Editions.

Maîtriser l’art de poser, un livre de plus sur le portrait ?

Je ne compte plus les livres sur le portrait et le studio que j’ai eu l’occasion de découvrir et commenter. Certains m’ont attiré, comme 1 modèle, 50 portraits, d’autres moins (je n’en ai pas parlé). J’ai toujours un regard particulier sur ces livres car je ne pratique pas la photographie de portrait et le studio n’est pas ma tasse de thé. Je commente donc avec prudence.

Toutefois quand j’ai découvert le livre de Lindsey Adler, j’ai assez vite remarqué une particularité que je n’ai pas trouvé dans les ouvrages consultés auparavant, les qualités pédagogiques de l’auteur.

Lindsey Adler est aussi douée pour expliquer ce qu’elle fait que pour le faire.

C’est une qualité rare, certains photographes de studio, portraitistes, ayant tendance à considérer que leur Art est à ce point unique que vous ne pourriez le comprendre, ils se contentent de décrire ce qu’ils font, sans véritable envie de partager.

Lindsey Adler, elle, vous prend par la main de la première à la dernière page et vous invite à suivre ses explications. Le rythme anglo-saxon est de mise :

• une illustration + un texte = un enseignement,
• une série d’enseignements = un apprentissage.

Des conseils « actionable » donc, comme disent nos amis américains, que je traduirais par « pas de baratin mais du concret« .

Autre particularité de ce livre, sa maquette à la mise en page rythmée, comptant de nombreuses photos, des explications accessibles à tous, un langage simple. Tout l’art du formateur qui maîtrise … son art.

Les rappels visuels sont importants dans un livre dont la vocation est de vous enseigner un sujet aussi complexe. Dans « Maîtriser l’art de poser », Lindsey Adler en use à chaque double page.

Une notion importante à mettre en avant ? C’est l’encart grisé « Conseil de pro ».

Deux poses à comparer pour vous apprendre à faire la différence entre « la réussie » et « celle à éviter » ? Suivez les coches vertes et rouges.

« Le studio, ce n’est pas pour tout le monde »

Un des freins souvent évoqué lorsqu’il est question de portrait en studio, c’est … le studio. Vous n’êtes peut-être ni équipé, ni prêt à l’être, car ce qui vous intéresse, vous, c’est le portrait mais pas le studio. En intérieur, en extérieur, peu importe, mais sans accessoires.

Je vais être franc avec vous, ce livre parle beaucoup de portrait « en studio ».  Mais si l’art de faire poser vos modèles vous attire, vous pouvez reproduire à peu près tout ce qui est expliqué hors studio. Une pose reste une pose.

Vous photographiez des couples ? Des mariés ? C’est le portrait de famille qui vous intéresse ? Vous serez comblé par les chapitres dédiés.

Je vous passe les chapitres sur la pose en lingerie, jamais vulgaire, les photos de grossesse (Guillaume, je comprends maintenant !),  la photographie de rondeurs.

De même je ne peux que vous inviter à apprendre par coeur les dix étapes pour réussir une pose, et ses variantes, que vous trouverez pages 144 et suivantes.

Mon avis sur « Maîtriser l’art de poser » de Lindsey Adler

Il m’arrive d’être attiré par un livre quand je le découvre, puis de réaliser qu’il n’est pas si fascinant.

Il m’arrive aussi, moins souvent, de ne pas ouvrir un livre quand je le reçois, puis de découvrir plus tard que j’aurais du le faire.

C’est le cas pour « Maîtriser l’art de poser » de Lindsey Adler qui attendait sur mon bureau que je trouve le temps de vous le présenter.

Ce livre rassemble tout ce qu’il vous faut savoir, comprendre et appliquer pour réussir vos portraits.

Il est fort bien illustré, accessible, que vous soyez débutant ou déjà rodé à l’exercice.

Et, surtout, il va vous donner envie de vous lancer. Parce que c’est aussi ça un bon livre, un contenu qui vous touche, qui vous ouvre les yeux et vous fait avancer.

Ce livre chez vous dans les meilleurs délais …

Vous avez du temps à passer chez vous et vous ne savez pas quoi faire comme photos ? Vous n’avez rien à photographier par la fenêtre, pas de proche qui se prête au jeu du portrait ? Pourquoi ne pas tenter la photo d’objets ?

Faire des photos chez soi : photographier les objets

S’il y a un sujet qui ne vous demandera ni pourquoi vous voulez le photographier, ni combien de temps cela va durer, c’est bien un objet.

Vous n’avez ni à vous presser, ni à tenir compte de la fatigue possible de l’autre, un objet ne vous coûtera qu’un minimum de précaution pour ne rien endommager.

Dans deux précédents articles, je vous ai invité à photographier un portrait en NB ou avec effet silhouette sans sortir de chez vous, cette fois je vous invite à photographier un objet.

Vous n’avez pas besoin d’accessoires onéreux, faites avec les moyens du bord. Posséder un petit coin que vous pouvez dédier à cette séance de prise de vue est toutefois un avantage, si vous pouvez vous le permettre.

Apprendre à faire des photos d’objets, outre le fait que cela occupe, vous permet aussi de mettre en valeur tout ce que vous avez à vendre : matériel photo, vêtements, chaussures, outillage, bricolage … Plus vos photos seront attirantes, plus vos annonces séduiront. Observez bien comment vous réagissez quand vous parcourez des annonces et que les photos ne mettent pas l’objet en valeur, vous passez bien vite. Ne commettez pas cette erreur quand vous êtes le vendeur.

Nikon D750 + AF-S NIKKOR 24-70 mm f/2.8 à 60 mm
0,4 sec. – f/16 – ISO 800

La préparation

J’ai une série de reflex argentiques Nikon dans la vitrine de mon bureau, et mon Nikon F Apollo trône en belle position sur son socle. Révisé il y a quelques années (merci Photo Suffren), en parfait état de fonctionnement, il a toujours aussi fière allure.  Alors que j’étais en train de tester un système d’éclairage, le Lumecube, j’ai choisi de photographier mon « F ». Je ne compte pas le mettre en vente, mais avoir une photo agréable n’est pas pour me déplaire.

Pour réaliser cette photo, j’ai disposé le reflex sur son socle dans mon studio packshot (il me sert à réaliser les illustrations pour mes articles). Ce studio portable consiste en une valise qui se déplie pour se transformer en enceinte fermée, deux tubes couleur du jour assurant l’éclairage. Les faces internes du studio sont blanches et plusieurs caches permettent d’occulter la face avant selon mes besoins. Le mien n’est plus disponible à la vente mais vous pouvez trouver des modèles équivalents sur tous les sites de vente en ligne (par exemple ici).

Si vous ne disposez pas d’un tel studio, rien n’est perdu. Trouvez une grande feuille blanche, une nappe, un drap, tout ce qui peut se fixer aisément à l’aide de pinces à linge par exemple. Si vous avez une grande feuille de plastique souple, c’est encore mieux, plus la matière est épaisse meilleur est le rendu final.

Accrochez comme vous le pouvez cette surface qui va devenir le fond de votre « studio ».

Disposez une lampe de bureau de chaque côté de l’objet, de façon à créer un éclairage à peu près équilibré. C’est ce que j’obtiens dans le studio avec les deux tubes.

Selon le type de lampe que vous allez utiliser, LED ou halogène par exemple, vous devrez corriger la température de couleur, c’est normal. Faites vos photos au format RAW pour avoir la latitude de réglage suffisante en post-traitement.

Si vous n’avez rien de suffisamment grand sous la main, disposez l’objet face à une fenêtre et éclairez-le de telle façon que la lampe soit dirigée vers l’objet. En surexposant, vous aurez un fond (à peu près) blanc et suffisamment de détail pour donner à l’image finale un aspect satisfaisant.

un autre exemple d’éclairage selon la configuration dont vous disposez
la boîte à lumière à gauche peut être remplacée par une fenêtre lumineuse

Vous pouvez très bien choisir un fond d’une autre couleur, voire très coloré, ce sera encore plus facile si l’objet s’y prête. Prenez soin par contre de ne pas choisir un fond trop présent, votre objet ne serait plus suffisamment visible.

un fond de couleur, attention à ce qu’il ne soit pas trop présent sur la photo finale

Pour en savoir plus sur les possibilités offertes par ce type de prise de vue, je vous renvoie vers le tutoriel Packshot publié précédemment.

La prise de vue

Pour mettre en valeur les formes du boîtier, je l’ai photographié de biais. Ceci m’a permis de rendre le volume alors qu’une vue de face a tendance à aplanir l’objet. J’ai déplacé mon trépied de façon à ne pas avoir de reflet trop visible, le Nikon F a une surface granuleuse, c’était simple. Si vous photographiez un objet brillant, faites en sorte de ne pas avoir un reflet direct de la lampe dans l’objectif. Déplacez le trépied pour trouver la bonne position, mais ne changez pas la position de la lampe une fois l’éclairage calé.

La mise au point est faite sur la face avant de l’objectif, je tenais à ce que les mentions soient parfaitement lisibles.

La lumière apparaissant au fond de l’objectif est celle d’une petite lampe sur batterie disposée derrière l’appareil photo, et illuminant le viseur. Elle est cachée par le boîtier.

La faible ouverture f/16 m’a permis d’étendre la profondeur de champ de façon à avoir une netteté satisfaisante sur le corps du boîtier, et moindre sur les molettes supérieures.

La sensibilité de 800 ISO, que le D750 encaisse très bien, donne un temps de pose de 0,4 secondes. J’ai déclenché avec le retardateur pour éviter le flou de bougé du aux possibles vibrations du boîtier lors du déclenchement sur trépied.

Le traitement

Ce type de prise de vue impose un post-traitement approprié car vous allez devoir corriger les imperfections de votre éclairage.

Le format RAW que vous n’aurez pas manqué d’utiliser vous permet de corriger ce qui doit l’être.

Ici j’ai tout d’abord calé la balance des blancs sur celle de mon éclairage, 5000K soit l’équivalent de la lumière du jour. Si vos lampes n’ont pas la même température de couleur, ce qui est probable, utilisez la pipette de votre logiciel et positionnez là sur une zone blanche (ici l’inscription Nikon) afin de caler la balance sur la bonne valeur.

Selon le type de lampe utilisé, vous devrez peut-être corriger une dominante de couleur, c’est le curseur de teinte qui permet cela.

J’ai ensuite surexposé l’image pour « blanchir le fond », je voulais cet aspect très blanc contrastant avec le noir du boîtier.

La qualité de l’éclairage n’étant pas idéale (ce n’est pas un éclairage de qualité professionnelle), j’ai ensuite ajusté l’exposition sur le boîtier à l’aide d’un filtre radial (dans Lightroom), puis compensé sur le bord droit pour équilibrer l’ensemble.

Un autre filtre radial m’a permis d’accentuer la netteté sur l’objectif, et de pousser légèrement les noirs pour bien mettre cette zone en valeur.

Enfin j’ai poussé de quelques points les curseurs jaune et orange afin de mettre en valeur la mention Nikon du support.

Plusieurs variantes sont possibles à partir d’une même image selon que vous souhaitez mettre en valeur une zone plutôt qu’une autre, ou selon la couleur de votre objet le cas échéant.

Photographier les objets : en conclusion

Cette photo d’illustration peut tout à fait illustrer une annonce, elle montre le Nikon F sous son plus bel angle. Le fond blanc permet de focaliser le regard du spectateur sur l’objet plutôt que sur un fond disgracieux ou trop coloré.

Cette image aurait également sa place pour illustrer un catalogue, j’ai réalisé les centaines de photos illustrant le livre de l’historien Patrice Warin sur les objets du tabac de la Grande Guerre en appliquant la même technique.

Avec un peu de patience et de multiples essais, en testant différents matériaux pour le fond et en variant les éclairages, vous pouvez arriver à un résultat similaire, même si vous n’avez pas de studio packshot. Faites appel à votre créativité pour créer un éclairage intéressant et un fond mettant en valeur vos objets, vous obtiendrez alors des images agréables.