Ça y est, vous savez dans quelle ville vous partez, à quelle date, pour combien de temps, votre city trip photo vous attend ! Mais qu’est-ce qu’un city trip photo ? Comment le préparer, quel parcours suivre, quelles photos réaliser ?

Autant de questions dont vous trouverez les réponses dans ce livre d’Eric Forey.

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City trip photo : de quoi s’agit-il ?

Eric Forey est photographe urbain, il aime la ville et sa bonne ville de Lyon en particulier ; j’ai eu l’occasion de l’interviewer lors du Salon de la Photo 2019 pour parler séries photo (il a écrit Serial Photographer).

Depuis notre homme a remis ça, profitant de cette année 2020 de disette pour les photographes voyageurs pour rassembler dans un nouvel ouvrage ses bonnes pratiques en matière de city trip photo.

City trip photo ? En bon français il s’agit d’un séjour touristique, plutôt court (de 2 à 10 jours environ) lors duquel vous allez à la découverte d’une ville. Mais pas de n’importe quelle façon : à pied, en transports, en voiture, à votre rythme comme au rythme des proches qui vous accompagnent (la plaie de tout photographe mais vous allez apprendre à faire avec page 54).

Qu’allez-vous découvrir dans ce livre ?

A bien y réfléchir, pourquoi un livre sur les séjours urbains ? Vous pourriez penser qu’il suffit d’emporter votre appareil photo et de déclencher chaque fois que quelque chose vous plaît. Oui. Mais non.

Un séjour photo touristique c’est autre chose. Cela se prépare, s’organise, il vous faut savoir quels quartiers vous allez visiter, à quelle heure de la journée, dans quel sens vous allez suivre votre parcours (la lumière n’est pas orientée de la même façon tout au long de la journée, pensez-y).

Il vous faut savoir aussi quel matériel photo emporter, prendre 10 kg d’objectifs pros « au cas où » n’étant pas la meilleure solution si vous devez marcher toute la journée (en fait, ce n’est pas la bonne solution du tout).

Avez-vous pensé aux repérages préalables ?  A vos envies ? A celles de vos proches ? Savez-vous ce que vous voulez faire de vos photos au retour ?  Dans quelles séries existantes elles pourraient s’inscrire ?

Cet ouvrage répond à ces questions que vous ne vous posiez pas encore (mais maintenant c’est le cas) : il est conçu pour vous guider avant, pendant et après votre séjour. Voyez-le comme une boîte à outils au service d’une méthode forgée sur le terrain par un photographe spécialiste du genre qui a usé ses semelles dans un grand nombre de villes d’un bout à l’autre de la planète. Repérages, outils de planification des parcours, matériel photographique, informatique, l’expérience parle.

Après les préliminaires,  vous voici en action sur le terrain. Lever matinal (je suis moins fan), fin de journée tardive (j’aime mieux), découvrez les bonnes pratiques pour faire vos premiers pas comme … les derniers.

Comme promis, page 54, vous allez régler le sort de vos proches : Eric Forey vous explique quoi leur dire et comment vous comporter avec famille et amis (faites une fiche, ça vaut de l’or !).

Déambuler en ville est une chose, savoir quels sont les bons lieux à photographier et vous y rendre en est une autre. C’est le chapitre 3. Pour sortir des clichés « cartes postales », il vous faudra aussi savoir comment tourner autour des sujets en extérieur, quels cadrages privilégier, quels réglages. Idem en intérieur, les contraintes diffèrent aussi vous allez découvrir comment jouer avec les espaces et leur volume, la balance des blancs et l’exposition.

Un city trip photo ne consistant pas à réaliser le catalogue d’une agence de voyages,  vous devez penser à développer votre démarche, à faire des photos qui vous ressemblent, à traduire en images ce qui résonne en vous. Chaque ville a une âme, vous-aussi (même David duChemin en parle), vous ne photographierez pas Paris comme Lyon ou Marseille.

Apprenez à composer avec les différents plans, à chercher les reflets, à jouer avec les ombres ou à écraser les perspectives.

Je vous recommande de faire vos propres fiches à la lecture du livre, glissées dans votre poche pendant le séjour, elles vous aideront à varier les angles et les prises de vue.

Dans le dernier chapitre, Eric Forey vous pousse à l’improvisation.  Après vous avoir dit de faire le contraire en préparant tout, oui oui …

« Une préparation même excellente ne permettra jamais de ressentir totalement une ville, son rythme, sa couleur, son ambiance, sa lumière. Pour cela il faut se laisser surprendre… ».

Vous l’avez compris, ce sont les rencontres, les événements, les imprévus qui vont pimenter votre séjour et vous permettre de ramener des images dont vous serez fier, loin des cartes postales des brochures publicitaires et des « meilleurs spots Instagram à ne pas manquer sous peine de passer pour un looser » (ce n’est pas Eric qui le dit, c’est moi).

Apprenez à vous laisser surprendre, à partir à l’aventure, laissez-vous une part d’improvisation !

Mon avis sur ce livre

De l’expérience, du vécu, des photos (nombreuses), des conseils concrets, une liste de ressources pour ne rien négliger, les 23 euros à dépenser pour vous procurer ce livre pourraient bien sauver votre prochain séjour touristique en ville.

Ne pensez pas que ce livre ne concerne que les voyages dans les capitales du bout du monde, vous vous appliquerez à mettre en œuvre ces conseils lors d’un séjour dans une ville située à deux heures de chez vous comme dans  votre ville pourquoi pas. Un séjour photo touristique se prépare déjà dans votre tête, il se pourrait même que la destination importe peu au final tant chaque ville est riche de sujets bien souvent méconnus.

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Dans cette seconde édition du livre « Les secrets du cadrage photo », Denis Dubesset vous fait découvrir ce qui va faire de vos photos des images plus harmonieuses, plus fortes, avec un impact visuel plus important pour ceux qui vont les regarder.

Plus qu’une simple réimpression assortie d’une nouvelle couverture, cette seconde édition est entièrement remaniée, les textes actualisés, de nouvelles photos illustrent chaque chapitre. Ce livre va vous apprendre les notions essentielles pour passer un cap en photographie et faire des photos qui vous plaisent toujours plus.

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Le cadrage en photographie : de la composition, de la créativité, et puis ?

Lorsque vous avez débuté en photographie, vous avez peut-être tenu compte des règles communément admises : bien exposer, respecter l’horizon, ne pas centrer votre sujet, … Ces règles qui ne demandent qu’à être oubliées une fois que vous les maîtrisez ne vous ont toutefois pas permis encore de faire les photos que vous aimeriez faire.

Il vous manque quelque chose. Ce « quelque chose » qui fait une bonne photo, même si la définition d’une bonne photo reste toujours quelque chose de subjectif (voir la définition de Michael Freeman).

Denis Dubesset est photographe professionnel, j’ai eu le plaisir de l’interviewer lors du Salon de la Photo de Paris en 2019 sur le stand des éditions Eyrolles. En 2014, Denis a écrit un livre sur l’art du cadrage en photographie. J’avais apprécié cet ouvrage à l’époque, tout comme les autres volumes de la collection « Les Secrets de … » chez Eyrolles. Ces livres sont très accessibles, ils adressent les besoins des photographes débutants comme plus experts. Je n’ai que des retours positifs à leur sujet.

Denis Dubesset, lui, a déjà publié plusieurs livres sur la photo (voir Développer son style en photographie et La photo minimaliste), et plutôt que d’écrire un nième opus sur des sujets proches, il a préféré actualiser la première édition de son livre sur le cadrage photo. Une initiative que je salue, car trop de nouvelles éditions sont de simples réimpressions, datées souvent, obsolètes parfois.

Ici tout est nouveau ou presque. Le nouveau texte, déjà, vous invite à plus d’exercices, de pratique sur le terrain. Expliquer est une chose mais pratiquer en est une autre. C’est ce que l’auteur vous invite à faire.

Les images sont nouvelles aussi pour la plupart. Vous me direz, et vous aurez raison, que cela ne justifie pas une nouvelle édition. C’est vrai. Toutefois à nouvelle approche, nouvelles images, les exemples commentés dans la dernière partie du livre sont choisis pour coller au mieux à ce qui est présenté avant. Et comme l’approche a évolué, il est logique que les photos évoluent aussi. CQFD.

Qu’allez-vous apprendre avec ce livre sur le cadrage en photographie ?

Ce livre va vous apprendre ce que signifie le terme ‘cadrage photo‘. Vous pensez qu’il ne s’agit « que » de remplir le cadre dans votre viseur en prenant soin de ne pas placer votre sujet au centre ? Vous vous trompez.

Le cadrage, en photographie, est lié à la notion de composition. Cadrer c’est aussi composer, « mettre en place de façon minutieuse les éléments qui composent votre image ».

Partant des grands principes et règles établies, Denis Dubesset vous invite à réfléchir à votre approche en vous livrant à quelques exercices pratiques.

« Réfléchir » est le fil conducteur de ce livre, l’art du cadrage et de la composition n’étant pas quelque chose qui s’achète mais plutôt une pratique personnelle qui s’affine avec le temps. Je retrouve bien ici l’approche personnelle de Denis Dubesset, ne pas se contenter de poncifs mais penser à ce que vous voulez dire, exprimer, transmettre. Les possibles imperfections vous seront alors pardonnées.

Au sommaire des secrets du cadrage photo

Parcourez ce livre dans l’ordre établi par l’auteur, il est pensé pour faciliter votre apprentissage :

• apprendre à lire une image
• savoir choisir votre cadrage photo
• les règles de composition classiques
• savoir composer instinctivement
• post-traiter vos images pour finir le travail

J’ai particulièrement apprécié le chapitre décrivant les erreurs classiques. Nous les commettons tous, parfois sans nous en rendre compte aussi les voir ainsi listées et détaillées va vous aider à identifier celles que vous faites peut-être. Prendre conscience de vos erreurs vous aidera ensuite à ne plus les commettre.

Avant les images expliquées qui constituent la dernière partie du livre, Denis Dubesset vous invite à mettre en œuvre ce que vous avez découvert précédemment :

• faire entrer le spectateur dans l’image,
• créer un cadre dans le cadre,
• jouer avec les couleurs,
• travailler le noir et blanc,
• hiérarchiser les plans,
• observer en gros plan,
• figer le temps,
• cadrer le mouvement,
• photographier les choses banales,
• jouer avec le graphisme,
• raconter une histoire en photo.

Cette liste peut vous paraître bien longue, vous pensez peut-être que tout ne vous concerne pas et pourtant … souhaitez-vous faire toujours les mêmes photos, ne jamais vous renouveler ? Aimeriez-vous au contraire pouvoir traiter différents sujets, différentes scènes tout en produisant des images toujours aussi attrayantes ? Prenez le temps de tout lire !

La dernière partie du livre est consacrée à l’étude de dix photos. Vous allez découvrir ce qu’est la lecture d’images, l’analyse de la composition. Pour chacune de ces dix photos, l’auteur vous invite à vous poser les questions suivantes :

• quelle intention a conduit l’auteur à faire cette photo ?
• comment a t-il fait pour guider le regard du spectateur ?
• pourquoi avoir choisi ce cadre, cette orientation, cet angle de vue ?

Imaginez que vous sachiez ensuite trouver vous-aussi les réponses à ces questions pour vos photos … Puis y répondre avant même de déclencher … instinctivement … Vous avez alors compris l’intérêt de ce livre pour vous.

Les secrets du cadrage photo : à qui s’adresse ce livre ?

Ce livre sur le cadrage photo et la composition s’adresse au photographe débutant qui va y trouver de quoi s’intéresser à l’image plus qu’à la technique. Cela ne nuit jamais.

Il s’adresse aussi au photographe amateur qui n’arrive pas à progresser, ne sachant pas ce qui coince dans sa production. Réfléchir en vous posant les bonnes questions va vous aider à trouver les réponses.

Il s’adresse enfin au photographe expert, satisfait par la plupart de ses images, mais qui voudrait développer une démarche plus aboutie, une démarche d’auteur. Si c’est votre cas, vous y trouverez de quoi « penser » votre production d’images, plutôt que de déclencher d’abord et de chercher à trouver du sens à vos images ensuite, en constatant bien souvent le manque d’unité caractéristique d’une démarche encore fragile.

Proposé par l’éditeur au tarif public de 23 euros, ce livre vous permet de prendre de la distance avec la technique pour (enfin) réfléchir à votre démarche créative personnelle. Un bel objectif non ?

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Le photoreportage intéresse le photographe amateur comme professionnel qui veut ou doit produire une série de photos sur un sujet donné, dans un temps imparti. Le photoreportage (ou reportage photo) utilise la photographie comme support visuel, complétée ou non par d’autres media comme la vidéo ou le texte.

Le photoreportage raconte une histoire, il demande un savoir-faire pour être mené à bien. C’est ce que Fred Marie, photoreporter français, vous propose de découvrir dans ce livre paru chez Eyrolles dans la collection « Les secrets de … ».

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Les secrets du photoreportage : apprendre à raconter des histoires

Contrairement à ce que vous pourriez penser, multiplier les prises de vue sur un sujet donné sans but précis n’est pas construire un reportage photo.

Construire un reportage photo c’est :

• trouver une histoire à raconter,
• écrire cette histoire (ou faire un story board),
• raconter l’histoire en images,
• faire passer un message au travers de ces images.

Vous pourriez aussi penser que le photoreportage n’est pas pour vous, qu’il faut être journaliste, photographe professionnel et disposer d’un matériel de pro. Ce n’est pas le cas, c’est ce que Fred Marie va vous faire découvrir.

Si vous ne connaissez pas Fred Marie, sachez qu’il est reporter-photographe professionnel et travaille pour la presse nationale et internationale (en savoir plus). Vous avez peut-être déjà vu ses reportages dans Paris Match, VSD, Géo, Libération, The Guardian, etc.

Entre deux reportages il a pris le temps de mettre noir sur blanc ce qui fait son quotidien, d’enrichir le texte de (très nombreuses …) photos extraites de ses différents reportages, et de suivre le plan commun aux ouvrages de la collection « Les secrets de …« . Cette série vous fait découvrir différents domaines photographiques, et apprendre les techniques des pros. Dans « Les secrets du photoreportage », vous allez donc découvrir :

• l’équipement du reporter photographe et son matériel photo,
• tout ce qui concerne le storytelling et la gestion du sujet,
• les choix créatifs (cadrage, composition) participant au récit,
• l’editing et le post-traitement des images,
• quelques notions sur la diffusion des images,
• des photos extraites de reportages et pourquoi l’auteur les a faites.

Fred Marie a (abondamment …) pioché dans ses archives pour illustrer le livre. Travaillant souvent avec l’armée, lors de conflits et dans des zones sensibles – beaucoup de ces images pourront vous sembler en décalage avec vos envies. Prenez le temps de découvrir les reportages nature, sportifs ou urbains de l’auteur. Vous verrez qu’ils sont construits de la même façon que ses autres reportages et que le résultat est là aussi un véritable récit.

Ce que vous allez apprendre avec ce livre

Vous allez découvrir que vous avez déjà avec vous le matériel nécessaire pour faire des reportages photo. Peut-être même que ce matériel se trouve dans votre poche au moment où vous lisez ces lignes. Oui, Fred Marie utilise parfois un smartphone pour faire ses photos, avant de crier au scandale demandez-vous pourquoi un photoreporter professionnel fait cela, il y a peut-être une bonne raison (la réponse est en page 16).

Que les plus inquiets se rassurent, notre homme utilise aussi – et surtout – un appareil photo (hybride), il vous explique les choix de matériel et de réglages qu’il fait selon le reportage dans les deux premiers chapitres.

Dans le troisième et le quatrième, il vous parle storytelling et gestion du sujet (le storytelling est l’art de raconter une histoire), vous y trouverez les conseils indispensables :

• pour faire poser vos sujets,
• ne pas dénaturer la scène ni l’ambiance,
• ne pas exagérer tout en provoquant un peu.

Un reportage photo comportant plusieurs séquences différentes, intéressez-vous aussi au chapitre « cadrage et composition ». Vous comprendrez pourquoi certaines photos doivent sortir du lot, peuvent faire la Une d’un magazine (voir celle de la page 57) tandis que d’autres servent à documenter l’histoire.

Construire un reportage photo c’est aussi – surtout ? – savoir trier vos photos. La phase d’editing (page 110 et suivantes) doit vous permettre de choisir des photos qui fonctionnent ensemble, qui participent au récit. Vous allez voir quels sont les critères de choix, même si j’aurais apprécié plus de détails ici, avec des exemples visuels et des contre-exemples.

Une fois les photos choisies vous devez harmoniser leur rendu, Fred Marie vous dévoile sa méthode de traitement avec Lightroom (les photos ne doivent pas être dénaturées), et vous montre comment renseigner les données indispensables à faire apparaître sur vos fichiers. Le sujet est ici traité un peu vite, j’aurais apprécié plus de détails sur les choix à faire et dans quel esprit les faire.

Pour finir, vous découvrirez quelques conseils pour vendre à la presse, gérer la relation avec les agences et diffuser vos images par vous-même. Cette partie là est assez succincte, pensez à consulter « Combien vendre une photo » pour en savoir plus sur le statut du photographe professionnel et la vente d’images.

L’exemple par l’image

Fred Marie a choisi sept photos pour résumer ce qu’il a présenté tout au long du livre, et vous dit, pour chacune :

• pourquoi il a fait cette photo,
• dans quel contexte,
• qu’est-ce qu’il a voulu montrer.

Ne cherchez pas les détails techniques (matériel utilisé, données EXIF), ils n’y sont pas. Cela peut vous paraître frustrant, mais dites-vous bien que même en ayant ces informations, vous ne pourrez pas refaire ces photos à l’identique. Mieux vaut comprendre comment est née chaque photo, dans quel esprit, et ce que son auteur a voulu transmettre (c’est la même approche que celle de « 30 photos décryptées« ).

Mon avis sur ce livre

Sans être un recueil de référence sur le photoreportage, ce livre vous livre les notions essentielles à connaître pour découvrir cette pratique, en comprendre les règles et vous lancer.

Bien que certains chapitres manquent de matière pour aider les moins aguerris à faire leurs premiers pas, l’auteur met le doigt sur ce dont il faut avoir conscience pour réussir un reportage. A vous de chercher ensuite la documentation requise pour aller plus loin.

Ce livre va vous intéresser si :

• vous voulez faire des reportages photo et ne savez pas par où commencer,
• vous maîtrisez votre matériel photo mais ne savez pas raconter une histoire,
• vous n’êtes pas satisfait des premier reportages que vous avez pu faire,
• vous voulez devenir reporter photographe,
• vous voulez développer votre créativité et faire des photos plus intéressantes (rappel : la créativité n’est pas un don reçu à la naissance).

Ce livre va moins vous intéresser si :

• vous êtes débutant en photographie et ne maîtrisez pas encore les bases de la prise de vue,
• vous aimez faire des images au fil de l’eau mais ne cherchez pas à construire un sujet,
• vous photographiez ce qui vous passe devant les yeux sans avoir une démarche proactive,
• vous n’aimez pas travailler sur un projet précis,
• vous cherchez un ouvrage de référence.

Comme pour tous les livres que je présente dans cette rubrique, prenez le temps de passer chez votre libraire pour prendre l’ouvrage en main, vous faire votre propre idée et découvrir plus en détail ce qu’il contient.

Il vous en coûtera 23 euros pour repartir avec, un tarif un peu élevé pour les 130 pages que compte le livre mais la qualité d’impression est au rendez-vous.

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Savoir contrôler lumière et exposition à la prise de vue tout en gardant certaines corrections pour l’étape de post-traitement est un passage obligé si vous voulez devenir un photographe plus créatif. Faire de meilleures photos.

La seconde édition de ce livre de Volker Gilbert, photographe et formateur, vous guide dans l’apprentissage des différentes notions indispensables à connaitre, comme de celles plus avancées dont la maîtrise fera de vous un photographe expert.

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Comprendre le duo lumière et exposition

Dans ce premier chapitre vous allez (re)voir les bases de l’exposition et les trois paramètres qui composent le triangle d’exposition :

• ouverture
• temps de pose
• sensibilité

Si comprendre ce que signifie ces trois termes ne vous prend que quelques minutes, saisir ce qui se cache derrière les termes lumière et exposition nécessite un peu plus de temps.

L’ouverture désigne la taille du diaphragme lors de la prise de vue. Mais le choix de l’ouverture a un impact sur la diffraction, par exemple. Et la diffraction n’a pas le même impact sur une photo de paysage que sur une photo macro. Vous découvrirez cela page 7.

Le temps de pose définit la quantité de lumière qui atteint le capteur, mais aussi le possible flou de bougé. Savez-vous que le stabilisateur et le type d’obturateur (mécanique, électronique, hybride) ont un impact également ? Allez voir pourquoi en page 22.

La sensibilité ISO peut changer d’une photo à l’autre en numérique. Mais savez-vous que monter en sensibilité ne fait pas qu’augmenter le bruit numérique ? Cela diminue également la plage dynamique du capteur (voir page 32).

Bien exposer c’est donc bien gérer lumière et exposition. Il est important que vous sachiez précisément à quelle lumière vous avez à faire, lisez la fin de ce chapitre pour en savoir plus.

Mesurer la lumière et régler l’exposition

La mesure de lumière est assurée par la cellule intégrée de votre appareil photo. Cette cellule atteint parfois ses limites et il vous faut alors recourir à un posemètre indépendant. Volker Gilbert vous présente les différents posemètres – y compris les applications pour smartphone.

Lorsque vous utilisez votre appareil photo, vous avez accès à différents types de mesure de lumière et exposition, chacun ayant un intérêt particulier.

Apprenez à faire la différence entre :

• la mesure multizone ou matricielle,
• la mesure moyenne ou intégrale,
• la mesure à prépondérance centrale,
• la mesure spot,
• la mesure sélective.

Mesurer la lumière impose de comprendre ce que sont les indices de lumination et les différents modes d’exposition (P,S,A,M). Vous allez apprendre cela dans la suite du chapitre (page 54 et suivantes).

Découvrez aussi comment faire varier l’exposition en fonction de la scène photographiée en utilisant :

• la correction d’exposition,
• le bracketing d’exposition,
• la mémorisation d’exposition.

Il est indispensable de maîtriser ces trois fonctions pour donner à vos photos un rendu différent de ce que l’automatisme décide si vous le laissez faire.

L’exposition en numérique

Le capteur de votre appareil photo a des caractéristiques physiques et électroniques qu’il vous faut connaître pour l’exploiter au mieux. Parmi ces caractéristiques, vous allez découvrir au travers de ce chapitre 3 :

• qu’est-ce que la plage de contraste,
• qu’est-ce que la plage dynamique,
• les deux types de bruit numérique,
• qu’est-ce que le banding.

En quoi cela va t-il vous aider à faire de meilleures photos ? Ces notions sont essentielles pour, par exemple :

• ne pas surexposer un ciel que vous ne pourrez pas rattraper au post-traitement,
• bien gérer le bruit numérique sur vos photos en pose longue,
• ne pas trop sous-exposer et provoquer une montée de bruit qu’il vous faut faudra ensuite réduire en post-traitement.

Savez-vous également que le format de fichier utilisé (RAW ou JPG) a un impact sur l’exposition ?

Allez à la page 91 du guide pour comprendre ce qu’est l’exposition à droite et pourquoi cela a de l’intérêt en RAW. Vous allez voir que c’est une question d’encodage et de nombre de niveaux.

Connaissez-vous le zone system ?

Cette technique d’exposition mise au point par le photographe Ansel Adams en 1941 est tout à fait utilisable avec votre appareil numérique. Le zone system peut vous aider à récupérer du détail dans les hautes lumières sans tenir compte des tons foncés, un atout que les photographes de paysage apprécieront.

Vous êtes plutôt adepte du JPG ?

Bien qu’il soit plus simple d’emploi en apparence, le format JPG est plus exigeant que le format RAW à la prise de vue car il impose une exposition optimale. Vous ne pouvez pas en effet, ou très peu, rattraper hautes et basses lumières en post-traitement.

Bien exposer pour le JPG nécessite donc de vous fier à l’histogramme et aux témoins d’écrêtage (voir page 99). L’utilisation du D-Lighting actif, dès la prise de vue, peut vous aider à optimiser vos JPG, c’est une autre notion à connaître.

Maîtriser la luminosité et le contraste

Lorsque vous êtes face à votre sujet, trois situations courantes se présentent à vous :

• la plage de contraste est égale à la plage dynamique,
• la plage de contraste est inférieure à la plage dynamique,
• la plage de contraste est supérieure à la plage dynamique.

Vous devez être capable d’identifier ces trois situations et de réagir en adaptant la mesure d’exposition et vos réglages. Sachez que ceux-ci ne seront pas les mêmes selon que vous faites du JPG ou du RAW. La première partie de ce chapitre 4 détaille tout ce qu’il vous faut savoir.

Un autre scénario classique peut se présenter à vous si la lumière est trop importante : vous ne pouvez pas baisser la sensibilité, ni fermer le diaphragme au-delà des valeurs limites. Il va vous falloir réduire la quantité de lumière.

Vous allez trouver dans le guide, page 124 et suivantes, les différentes solutions à votre disposition parmi lesquelles :

• comment utiliser un filtre gris neutre
• comment utiliser un filtre polarisant

Ces filtres vous aideront à maîtriser les contrastes extrêmes avant de passer à des techniques plus avancées encore comme le HDR (page 137).

Ce tour d’horizon très complet que nous propose l’auteur inclut les techniques de débouchage des ombres (avec réflecteur ou diffuseur) et l’utilisation d’un flash.

Etudes de cas d’exposition

Rien de mieux que des exemples quand il s’agit de présenter des notions comme celles-ci. C’est ce que Volker Gilbert vous propose dans le chapitre 5, dans l’esprit de ce que propose aussi Michael Freeman dans L’art de l’exposition en photo numérique.

A l’aide de séries d’images regroupées par domaines, l’auteur vous explique, photo par photo, quelle était la problématique à la prise de vue et comment il a réglé l’exposition et les paramètres de prise de vue :

• la photo de paysage,
• la photo macro,
• la photo en faible lumière,
• le reportage photo,
• le noir et blanc.

Ce chapitre va vous aider à comprendre tout ce que vous avez lu précédemment, mais il va aussi vous permettre de vous constituer des fiches personnelles à avoir avec vous quand le besoin s’en fait sentir. C’est quelque chose que j’aurais aimer trouver dans le guide sous forme de tableaux utilisables facilement (en annexe ?).

Ajuster lumière et exposition dans Camera Raw et Lightrom

Le post-traitement fait partie intégrante du flux de travail du photographe. Cette étape vous permet de donner à vos photos le rendu souhaité, ce que vous imaginiez à la prise de vue.

Ce dernier chapitre s’adresse en priorité à ceux qui utilisent le format RAW car c’est le format de prédilection pour le post-traitement. Lightroom (et Camera Raw qui est le moteur de développement RAW intégré) est le logiciel le plus utilisé par les photographes amateurs experts et c’est celui que Volker Gilbert utilise pour présenter  :

• l’histogramme et l’écrêtage,
• le réglage de la balance des blancs,
• la correction des tonalités et du contraste,
• la compensation des sur- et sous-expositions.

L’auteur vous explique aussi comment utiliser les outils de traitement localisés pour modifier lumière et exposition sur des zones précises de vos photos. Il passe en revue les modules de fusion HDR comme la fusion de plusieurs images dans Photoshop directement afin de contrôler avec encore plus de précision le résultat final.

Mon avis sur la seconde édition du guide Lumière et Exposition de Volker Gilbert

Ces notions peuvent vous paraître « déjà vues » ou « déjà maîtrisées » et pourtant gérer lumière et exposition est tellement critique pour réussir une photo que nous n’en savons jamais assez.

La seconde édition de ce guide fait un tour très complet du sujet, chaque chapitre vous apporte une quantité d’informations rarement rencontrée dans d’autres guides plus généralistes. L’auteur a pris le soin de faire un tour d’horizon le plus exhaustif possible et c’est réussi.

Cette seconde édition a été entièrement actualisée, mise à jour lorsque cela s’imposait, et bien que cela ne justifie pas de racheter le livre si vous avez déjà la première édition, il s’agit d’un ouvrage de référence pour tous les photographes débutants, amateurs et professionnels.

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Savez-vous combien vendre une photo ? Quel tarif demander à un client ? Combien vendre vos photos de mariage ? Les devis et tarifs du photographe, pour ne pas vous faire avoir, c’est essentiel à maîtriser.

L’expert français du sujet s’appelle Eric Delamarre, photographe et consultant. Voici ses conseils.

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Combien vendre une photo : les tarifs du photographe

Quiconque a déjà essayé de vendre ses photos sait combien il est difficile de trouver des informations fiables sur le sujet. Chacun y va de sa théorie, les forums et blogs regorgent d’informations souvent contradictoires et les photographes pros sont peu partageurs quand il faut parler d’argent.

Eric Delamarre a fait le choix inverse : en se basant sur son expérience de photographe professionnel, et en regroupant l’ensemble des informations tant légales que comptables, il vous propose plusieurs guides pratiques qui font référence dans le monde francophone.

Déjà auteur de « Profession photographe indépendant« , Eric Delamarre nous revient avec un guide dédié aux tarifs et aux devis du photographe.

Pour vous aider à vous positionner, ce guide comporte 5 parties complémentaires :

• comment vous organiser pour être efficace et limiter les coûts,
• comment préciser la demande du client (et les questions à poser),
• comment proposer le tarif le plus juste (en préservant votre marge),
• comment négocier le tarif avec votre client,
• quels modèles de documents et propositions utiliser ?

Ce guide s’adresse à quiconque souhaite vendre une photo ou, plutôt, une prestation, puisque c’est bien de cela dont il s’agit.

Vous êtes amateur et vous voulez « payer vos frais » ? Vous faites erreur : « ce qui fait le prix d’une photo n’est pas celui qui l’a réalisée mais sa destination ou son usage« .

Vous pensez que vos images ne sont pas d’un niveau professionnel et que vous ne pouvez pas les vendre plus de quelques euros ? Détrompez-vous, il y a là-aussi des règles à connaître. Et à pratiquer.

La méthode QQOQCCP

Quand on connait Eric Delamarre on ne s’étonne guère de voir apparaître une telle formulation dans son guide (si vous avez suivi ses conférences lors du Salon de la Photo, vous voyez de quoi je veux parler).

Rassurez-vous, l’homme est tout ce qu’il y a de plus sérieux, surtout quand on l’interroge sur les bonnes pratiques du photographe.

La méthode QQOQCCP ? Il s’agit tout simplement de vous poser ces 7 questions :

• qui ?
• quoi ?
• où ?
• quand ?
• comment ?
• combien ?
• pourquoi ?

Vous trouverez dans le guide des éléments de réflexion pour chacune de ces questions. Et de quoi construire votre offre tarifaire en vous basant sur des éléments concrets plutôt que sur les tarifs relevés de ci de là sur les sites des photographes sans trop savoir ce qui se cache derrière un simple tarif.

Sous un aspect austère ce guide est une mine d’or qui vous permet de disposer de toutes les infos indispensables pour vous positionner. Et de réaliser que vous ne vendez peut-être pas vos photos suffisamment chères sans même vous en rendre compte.

Combien vendre un reportage photo : tarifs du photographe

Parmi les sujets traités dans le guide, vous allez apprendre combien – et surtout comment – vendre un reportage photo.

C’est le type même de prestation souvent demandée au photographe amateur qui se fait plaisir à faire des photos le week-end lors d’une manifestation quelconque et se retrouve ensuite en situation de pouvoir vendre des photos.

Combien ? comment ? Avec quelles précautions ? … Vous vous reconnaissez ?

A qui s’adresse ce guide ?

Vous l’aurez compris une fois le guide parcouru, Eric Delamarre ne fait pas de différence entre un amateur et un professionnel : à partir du moment où vous décidez de vendre une photo, vous devenez un professionnel qui effectue une transaction. Et vous devez le faire dans le respect des règles.

Ce guide s’adresse à vous si vous êtes dans cette situation, quel que soit votre statut, qu’il s’agisse de vendre une photo ou des dizaines. N’oubliez pas que c’est souvent la première fois qui compte et que si vous n’adoptez pas très vite les bonnes pratiques, vous serez en situation délicate pour le restant de vos jours (de photographe …) !

Je ne peux que vous recommander ce guide qui détaille tout ce qu’il vous faut savoir, vous permet de ne plus facturer « au pif » mais sur des bases concrètes et fait de vous un photographe averti.

La bonne nouvelle c’est que la modique somme de 22 euros qu’il vous faudra dépenser pour profiter de ces informations peut être amortie dès votre première vente de photo si vous la facturez convenablement. Intéressant non ?

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Vous y êtes ! Vous avez sélectionné des photos qui vous plaisent et vous voulez en faire un livre de photographie. Seulement vous ne savez pas comment vous y prendre.

Gildas Lepetit-Castel est photographe et réalise de nombreux livres de photographie qu’il vend et distribue très souvent. Voici ses conseils pour arriver à vos fins !

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« A quoi bon prendre des photographies si c’est pour les laisser dans un tiroir ?« . L’introduction de Gildas Lepetit-Castel donne le ton. J’ajouterais volontiers « ou les laisser sur votre disque dur … ».

Comme le dit très justement l’auteur qui n’en est pas à son coup d’essais (voir la liste de ses livres de photographie), le livre de photographie est au photographe ce que le film est au cinéaste et l’album au musicien. Nous sommes tous désormais face à des milliers d’images qui s’accumulent dans nos ordinateurs, dans nos albums papier pour ceux qui font des tirages, aussi pourquoi ne pas pousser l’exercice jusqu’au bout et produire un livre de photographie chaque fois que vous avez une série de photos à mettre en valeur.

Concevoir un livre de photographie : la méthode

Pour créer un livre de photographies il vous faut déjà élaborer un projet et trier vos photos. Vous trouverez dans la première partie de ce livre les conseils indispensables pour mener à bien cette première phase. Choix des images, logiciels de tri, numérisation des négatifs si c’est le cas, autant de sujets qu’il convient de parcourir avant d’aller plus loin.

Entrecoupé du regard de professionnels comme Guillaume Geneste du labo La chambre noire, ces premiers chapitres vous permettent de voir dans quoi vous allez mettre les pieds.

Si concevoir un livre de photographie à l’aide d’un logiciel fourni par un service d’impression en ligne est une chose, avoir un vrai regard d’auteur et penser une maquette est un autre travail. Plus réfléchi, avec un recul sur soi différent.

La suite de l’ouvrage traite de la mise en page. Vous y découvrirez les différents formats, les variantes de mise en pages, l’intérêt d’utiliser une double page ou pas.

Autre sujet qui a son importance, la couverture. C’est elle qui donne envie d’ouvrir un livre de photographie la plupart du temps, vous ne devez pas la négliger. Les chapitres qui lui sont consacrés vous guident dans l’élaboration des couvertures, il y est question de polices, de format d’images, de mentions légales.

Votre maquette est prête ? Il va falloir choisir un imprimeur, comparer les devis, les qualités, les types d’impression. L’impression numérique ne donne pas le même résultat que l’impression offset, vous trouverez dans les pages consacrées à cette problématique les notions indispensables à connaître pour y voir clair.

Papier, reliure et finition sont d’autres points qu’il va vous falloir traiter. L’auteur fait là aussi le tour du sujet et explique, détaille, caractérise chaque surface et technique.

Vous avez conçu votre maquette, choisi votre imprimeur, il vous reste à lui livrer les bons fichiers. Les derniers chapitres du livre s’intéressent à la préparation des images pour l’impression. Corrections de base et repique sont au programme, de même que recadrage et redimensionnement.

Ne pensez pas en effet que l’imprimeur fera ce travail pour vous, c’est à vous au contraire de lui livrer les meilleurs fichiers pour que le résultat final soit à la hauteur de vos attentes.

Au programme de cette dernière partie, profils d’impression, rendu des couleurs à l’écran, conversion des fichiers, autant de paramètres essentiels que l’on a parfois tendance à négliger. Ces étapes passées, vous n’aurez plus qu’à produire le PDF à imprimer, et là-aussi il vous faudra tenir compte des critères essentiels que sont les repères, les fonds perdus l’ordre des pages.

Vous trouverez des conseils sur la transmission de votre fichier, un encart sur l’impression à l’étranger (avec une expérience d’impression en Chine qui mérite d’être découverte).

Dernier point mais qui a son importance. Si vous souhaitez vendre votre livre, c’est tout le mal que je vous souhaite, il va falloir en fixer le prix et les conditions de vente. Le dernier chapitre s’intéresse à ces aspects et vous livre quelques pistes pour vous en sortir.

Mon avis sur ce livre

Cet ouvrage s’adresse au photographe amateur comme professionnel qui envisage de produire un livre de photographie allant bien au-delà de l’album rapidement mis en page sur le web.

Il est ici question de beau livre de photographie, qu’il vous sera possible de diffuser auprès de vos proches comme de vendre par différents moyens.

Sous un aspect austère, ce guide fait le tour du sujet, vous livre les conseils essentiels et vous permettra d’éviter les erreurs les plus flagrantes. Le tarif de cet ouvrage (26 euros) reste raisonnable eu égard au temps qu’il peut vous faire gagner et aux erreurs qu’il peut vous éviter de faire. A découvrir donc !

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« L’art du portrait selon Harcourt« , édité chez Pearson, est un ouvrage qui retrace l’histoire du célèbre studio parisien et va au-delà de ce simple historique pour présenter les recettes qui font le succès des portraits signés Harcourt.

Le studio Harcourt, c’est un mythe de la photo française, et une histoire parfois chaotique, parfois sereine selon les époques. Les premiers chapitres du livre présentent toute l’histoire du studio, comment il est né, comment il en est arrivé à ce qu’il est aujourd’hui. Le style Harcourt est présenté en détail, l’esthétique et ses caractéristiques et évolutions, la différence avec les autres studios.

La troisième partie de l’ouvrage est celle qui retiendra le plus l’attention des photographes. Y sont présentés de façon très concrète, avec schémas à l’appui, les secrets de l’éclairage Harcourt, la préparation d’une séance, les retouches réalisées en post-production et les techniques d’impression. Loin d’être un guide technique de prise de vue en studio pour autant, ce livre est un guide de recettes pour quiconque souhaite s’inspirer de l’esprit Harcourt et développer son propre style. La dernière partie de l’ouvrage détaille bon nombre de photos signées Harcourt, avec des légendes explicites sur le cadrage, la gestion de la profondeur de champ et de la netteté, la lumière, les contrastes et les fonds employés.

Voici donc un ouvrage que tout amateur de beaux portraits appréciera, quand bien même le style Harcourt soit discuté depuis quelques années. On aurait apprécié un grammage un peu plus important reflétant l’idée de qualité des photos Harcourt, le tarif du livre reste néanmoins contenu, ceci expliquant celà ? Ce livre vous permettra de découvrir l’envers du décor, et c’est aussi un beau cadeau pour les fêtes de fin d’année si vous avez dans votre entourage un amateur de photo et de portrait.

Retrouvez « L’art du portrait selon Harcourt » dans toute bonne librairie ainsi que chez Amazon.

Cet ouvrage est également disponible sous forme d’un coffret contenant le livre et un tirage original tamponné du portrait prestige de Laetitia Casta : coffret Prestige Harcourt

« Le regard cinéma en photographie » est un livre de Gildas Lepetit-Castel dans lequel il développe une approche intéressante de la pratique photographique en la comparant à la pratique cinématographique.

Préparez-vous à fouiller dans vos souvenirs : ils pourraient bien vous aider à développer une pratique photographique plus personnelle.

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Le regard cinéma en photographie, présentation du livre

Gildas Lepetit-Castel n’en est pas à son premier essai en matière de livres. Après deux ouvrages de la collection Les Secrets de … (Les secrets de la photo de rue et Les secrets de la photo argentique), puis une de mes références sous le titre L’inspiration en photographie, il nous revient avec un ouvrage très original.

Le principe en est simple : Gildas vous invite à en appeler à vos souvenirs cinématographiques pour trouver l’inspiration en fonction de ce qui vous touche.

Ce qui peut paraître abstrait dit ainsi est pourtant très concret : vous aimez le cinéma ? Des films vous ont marqué(e) ? Qu’en avez-vous retenu ? Qu’est-ce qui vous a touché et que vous pouvez apporter à vos photographies ?

Pourquoi un parallèle entre cinéma et photographie ?

Vous n’avez pas besoin d’un livre pour savoir que le cinéma utilise des images animées, alors que la photographie se limite aux images fixes. Mais vous aurez besoin du livre pour réaliser et comprendre pourquoi l’image fixe possède aussi la capacité d’animer les pensées de ceux qui regardent vos photos.

En effet, cinéma comme photographie mettent en scène et en lumière des instants, des détails, des mouvements que vous avez vus et que d’autres n’auraient pas vus au même moment et au même endroit.

Dans le monde du cinéma, d’ailleurs, de nombreux chefs opérateurs sont également photographes. D’autres, à l’instar du réalisateur Alain Resnais, utilisent la photographie comme outil de repérage avant de tourner.

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Comment utiliser ce livre ?

Les films et les images qui ont marqué votre enfance, si vous prenez la peine d’y repenser et de les noter, reviendront à votre esprit lorsque vous cadrerez ou composerez vos photos.

En termes de narration, le cinéma peut aussi vous venir en aide. Les histoires que vous aimez, la façon de les raconter, l’enchaînement des séquences, … en photographie comme au cinéma, c’est l’histoire qui compte.

Le message de Gildas Lepetit-Castel est alors clair : repensez à tout ce qui vous attire dans vos films préférés, et appliquez tout ce que vous identifiez ainsi à votre pratique photo.

Vous voulez un exemple ? J’aime toujours autant les films d’Audiard, en noir et blanc, ce langage de la rue, ces répliques mythiques. Que puis-je en tirer pour ma photographie ? Je peux (et je le fais) photographier en noir et blanc des scènes du quotidien, tout en y intégrant cette petite touche d’humour capable de vous faire sourire, même si la scène que j’observe n’est pas nécessairement comique.

Vous trouverez dans le livre de nombreux exemples de photographes tirant leur inspiration du cinéma, parmi lesquels Bernard Plossu, Gregory Crewdson, Raymond Depardon, Robert Frank, Todd Hido, Gueorgui Pinkhassov …

Qu’allez-vous apprendre ?

Parce que réaliser est une chose mais apprendre et mettre en œuvre en est une autre, sachez que Gildas Lepetit-Castel est aussi enseignant en photographie à l’École Supérieure des Métiers d’Art d’Arras. Il est bien placé pour traduire en notions concrètes ce que vous devez retenir.

Voici quelques chapitres du livre qui vous aideront à adapter votre pratique photographique en intégrant une pensée cinématographique :

• comment choisir le ratio des images dans un projet photo, surtout s’il y a deux ratios
• comment jouer avec le champ et le hors champ
• quels angles de vue choisir selon l’émotion attendue
• comment utiliser la prise de vue en plongée pour renforcer l’aspect dramatique de l’image
• quelle narration pour quels sujets
• comment organiser votre prise de vue pour raconter en images (« du fragment au récit »)

Vous découvrirez par exemple comment associer deux images d’un même sujet, composées de points de vue différents, pour créer un effet de zoom qui peut bien fonctionner.

Enfin, la dernière partie du livre propose plusieurs interviews d’auteurs, vous permettant de comprendre comment ces experts du cinéma mettent en pratique les enseignements du livre dans leur travail photographique.

Mon avis sur « Le regard cinéma en photographie »

Je ne vous cache pas que j’apprécie les idées de Gildas Lepetit-Castel, surtout lorsqu’il s’agit de penser inspiration plutôt que technique pure. J’ai donc parcouru ce livre avec plaisir, d’autant plus qu’il est unique, je ne connais pas d’autre ouvrage traitant du même sujet.

Bien qu’il ne s’agisse en rien d’un guide pratique de photographie, Gildas a choisi un enchaînement logique des chapitres qui vous permet de considérer votre matériel et votre pratique dans leur ensemble. De l’équipement au post-traitement, en passant par le cadrage, la composition, la lumière et la forme de l’image, tout est là pour vous aider à établir un lien entre cinéma et photographie.

Le chapitre 2 (l’équipement au service du regard) initie ce déroulé, les notions que vous connaissez peut-être par ailleurs y sont replacées dans le contexte « image » plus que « technique ». J’aurais apprécié plus d’encarts jaunes, ces blocs visuels qui relient matériel, vision et récit. Mais je chipote.

Sachez que pour vous procurer un exemplaire du livre, il vous en coûtera 26 euros, soit guère plus que le tarif de deux places de cinéma dans le multiplex du coin. Soyez rassuré(e) : ce sera un investissement judicieux si vous appréciez le septième art et la photographie.

Les éditions Eyrolles ont opté pour un papier de qualité, une maquette très lisible enrichie de photos et d’illustrations, et une belle couverture, le tout imprimé en Europe, ce qui est une excellente initiative.

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Savourer la vie au 1/125 s ou l’art de la photographie par Marine Poron est un ouvrage qui vous invite à redécouvrir le plaisir simple de la photographie.

Alors que la technologie est de toutes les discussions entre photographes, que l’IA envahit le monde de la photo, que les réseaux sociaux vous pousser à poster toujours plus pour toujours moins de retours, il est essentiel de vous poser les bonnes questions, comme celle que Marine Poron a posé à son audience : qu’est-ce qui vous plaît le plus dans le fait de faire des photos ?

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Savourer la vie au 1/125 s ou l’art de la photographie : présentation du livre

Marine Poron est photographe professionnelle, ancienne assistante de Marc Riboud chez Magnum (et co-autrice de Les secrets de la photo de mariage.

Je me souviens encore de ma rencontre avec Marc Riboud, un soir de vernissage, alors que je me retrouvais fort démuni pour engager la conversation avec lui. Il avait su ce soir-là le faire à ma place. C’est le même Marc Riboud qui a soufflé un jour dans l’oreille de Marine Porron que savourer la vie au 1/125 sec. est une ode à la photographie comme moyen de connexion au monde.

C’est cette quête photographique que Marine Poron vous propose de mener à votre tour, à la recherche de plaisirs simples, tout en soulignant l’importance d’apprécier l’acte photographique à sa juste valeur.

À qui s’adresse ce livre

Ce livre s’adresse à tous les photographes, amateurs comme experts, qui cherchent à redécouvrir leur passion pour la photographie.

Je pense en priorité à celles et ceux qui se sentent bloqués dans leur démarche, qui n’arrivent pas à passer ce cap qu’ils estiment devoir passer. Ces photographes qui aimeraient aller au-delà de l’accumulation d’images pour faire de leur pratique photo une pratique plus artistique sans savoir par quel bout prendre les choses.

Si vous êtes de ceux-là, Marine Poron vous propose un cheminement introspectif et pratique, à travers des réflexions, des exercices et des jeux photographiques, afin de libérer votre créativité et de retrouver le plaisir de photographier.

Son objectif est simple : vous encourager à retrouver le plaisir simple et physique de la photographie, ancré dans le réel et dans le temps. probablement la meilleure façon de trouver votre voie et votre voix, en toute liberté.

Qu’allez-vous trouver dans ce livre

La structure du livre se veut didactique et inspirante. Chaque chapitre suit un format régulier, incluant :
– une invitation à étudier le travail de photographes connus, une de leur photo, une série, des contenus complémentaires tous accessibles via un QR code.
– une fiche « Passe à l’action » pour expérimenter et appliquer les concepts abordés.
– Deux images de Marine Poron, accompagnés d’explications sur leur contexte et leur prise de vue.

Cette approche vous permet de vous immerger petit à petit dans le processus photographique, de la réflexion à l’action. Le livre est riche en références et exemples concrets, une aide précieuse si vous ne savez pas où trouver de quoi développer votre culture photographique.

Mon avis sur Savourer la vie au 1/125 s ,ou l’art de la photographie

Ce livre est tout sauf un guide pratique. C’est une invitation à vous reconnecter avec l’essence de la photographie (ce que décrit si bien Bruce Barnbaum dans L’essence de la photographie), à explorer et à savourer chaque moment vécu.

Marine Poron vous propose un outil pertinent pour dépasser les limitations techniques et redécouvrir le plaisir de photographier, comme a pu le faire Nicolas Croce dans Principes de la photographie de tous les jours.

Proposé au tarif de 23 euros par les éditions Eyrolles, imprimé en Europe, ce livre qui manque toutefois de quelques illustrations complémentaires (mais publier les photos des photographes connus n’est pas chose aisée) s’avère une belle découverte que je ne peux que vous recommander.

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Erwan Balança, photographe professionnel, vous propose de découvrir comment faire des photos de nature comme les photographes pros. Au programme, le choix de l’équipement photo et de l’équipement du photographe, les connaissances de bases, la photo animalière et la photo de paysages.

Voici la présentation de l’édition 2024 de ce livre, en tous points identique à l’édition précédente de 2018 (lisez ma note sur le premier chapitre toutefois).

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Comment faire des photos de nature : présentation

Erwan Balança est photographe de nature et photographe animalier depuis plus de 25 ans. Il a déjà écrit plusieurs ouvrages sur le sujet, dont Les secrets de la photo d’animaux et Le grand livre de la photo nature.

Ce dernier livre a rencontré un joli succès auprès des photographes amateurs attirés par la photographie animalière et le livre présenté ici est une réédition: le texte est strictement le même, les illustrations aussi, la maquette est identique à quelques coloris près.

Erwan Balança a la double qualité de photographe animalier et de photographe de paysage, d’où le titre du guide regroupant ces deux disciplines. Il prend soin par contre de détailler ces deux domaines particuliers de la photo nature dans les différents chapitres.

Quel matériel photo pour la photo de nature ?

Dans cette première partie de l’ouvrage, Erwan Balança vous donne sa vision du matériel idéal pour pratiquer la photo de nature. Je dois préciser ici que tout ce qui touche au matériel photo dans ce premier chapitre est obsolète. Citer les reflex, passe encore, mais les compacts experts ont disparu, et je n’ai trouvé aucun mot sur les hybrides.

J’aurais apprécié la mise à jour de ce qui concerne la prise de vue, comme les critères de choix d’un capteur (9 et 12 Mp n’existent plus), ou l’intérêt des nouveaux modes autofocus propres à la photo nature. Rien de ce qui est dit n’est faux, mais ce n’est pas à jour pour une édition datée 2024.

Vous trouverez par contre des conseils toujours valables pour choisir vos objectifs (le téléobjectif n’est pas le seul à considérer) de même que les compléments optiques (multiplicateurs de focale, bagues allonge).

Tous les accessoires photo indispensables sont passés en revue, et l’expérience de l’auteur étant ce qu’elle est est, vous allez également trouver dans cet ouvrage de nombreux conseils sur la tenue du photographe et les matériels annexes importants (des protections de mousse pour les jambes de votre trépied par exemple, voir page 38).

L’exposition : la différence entre une photo réussie ou non

Savoir mesurer la lumière et choisir les valeurs d’exposition (ouverture, temps de pose) en fonction de votre sujet et de votre boîtier sont deux notions que vous devez maîtriser pour réussir vos photos de nature.

Peut-être plus que dans d’autres domaines, l’exposition prend toute son importance en photo de nature car le ciel, lumineux, est souvent présent dans les photos (par exemple les oiseaux en vol) à et le sujet peut occuper une faible proportion du cadre. Choisir la bonne exposition pour le mettre en valeur est alors critique.

Le chapitre dédié aux connaissances photo fait la part belle à l’exposition, vous y trouverez des conseils adaptés à la photo animalière comme à la photo de paysage. L’auteur vous explique comment faire des choix en cas de scène trop contrastée ou de contre-jours. Ce sont toujours les cas les plus difficiles quand on débute.

Vous allez également comprendre à analyser les différents types de lumière pour régler au mieux votre boîtier :

• lumière venant du dessus,
• lumière directe,
• lumière de côté,
• lumière en contre-jour,
• lumière par ciel couvert,
• lumière de l’aube et temps de brume.

La seconde moitié de ce chapitre vous apprend à construire vos images :

• composition,
• cadrage,
• mise en valeur du sujet,
• prise en compte des lignes et du graphisme de la scène photographiée.

La photo animalière

Dans le troisième chapitre vous entrez dans le monde fabuleux de la photo animalière :

• comment repérer et observer,
• les techniques de prise de vue,
• comment saisir un animal en mouvement,
• comment faire des images d’animaux nettes.

L’auteur insère des doubles pages spécifiques à certains animaux dans cette section. Pages 104 et 105 vous apprendrez comment photographier le cerf, pages 118 et 119 comment photographier le lapin.

Après avoir passé en revue les différents types d’affûts (fixe, cubique, couché, flottant), Erwan Balança vous explique :

• comment les construire,
• comment les mettre en œuvre,
• comment vous équiper lors de l’affût.

Les pages suivantes concernent le déclenchement à distance ainsi que le télépiégeage (faire des photos sans être présent sur le site). Vous allez apprendre à discerner les différents systèmes et accessoires, à en construire par vous-même au besoin (voir aussi Comment fabriquer vos accessoires photo). 

Les plans rapprochés

La transition entre la photo animalière et la photo de paysage se fait en douceur : le chapitre 4 est consacré à la photographie en plans rapprochés (macro et proxyphotographie).

Vous allez voir comment vous pouvez photographier la rainette près de l’eau (fiche dédié pages 152 et 153), de même que vous découvrirez quel est l’équipement photo indispensable pour ce type de prises de vue.

Insectes, serpents, escargots, détails d’oiseaux ou de plantes, nombreuses sont les illustrations qui vous permettent de comprendre comment l’auteur fait ses photos et comment vous pouvez faire aussi.

La photo de paysage

Le tour d’horizon ne serait pas complet sans un chapitre dédié à la photographie de paysage. C’est le  chapitre 5 qui traite du sujet, avec un focus particulier sur votre sécurité, le matériel nécessaire et les repérages.

Vous allez trouver dans ce chapitre des conseils sur le choix et l’utilisation d’un trépied, de filtres et de divers accessoires complémentaires. Viennent ensuite des conseils pour réussir vos photos d’arbres et de forêts, de montagne, de marais et de zones humides, de bords de mer et du littoral.

Mon avis sur le guide « Les secrets de la photo de nature »

Réédition à l’identique d’un précédent ouvrage de qualité, cette nouvelle version du guide photo de nature d’Erwan Balança reste en toute logique aussi intéressante. Les photos  d’illustration, l’insertion de fiches conseils sont autant de bonnes idées pour vous offrir un guide agréable à consulter.

Notez toutefois que tout ce qui touche au matériel photo, dont le premier chapitre sur le choix d’un boîtier, est obsolète. J’aurais apprécié la mise à jour de ces pages et l’ajout des hybrides, des nouveaux modes autofocus propres à la photo nature, des considérations plus en phase avec le matériel actuel (la définition des capteurs par exemple).

Ceci ne retire rien à tous les autres chapitres qui traitent de prise de vue et de comportement sur le terrain. Les notions présentées sont nombreuses, complètes et l’auteur sait transmettre sa passion au lecteur.

Si vous vous intéressez à la photographie nature, la photographie animalière et/ou la photographie de paysage, voici un guide qui peut vous aider à franchir un cap dans votre pratique. Vous pourrez toujours consulter d’autres ouvrages pour choisir votre matériel photo si vous n’êtes pas encore équipé.

Si vous possédez la précédente édition du guide, inutile d’acheter celle-ci puisque c’est une simple réédition avec une nouvelle couverture. Si vous possédez la toute première édition, celle-ci n’est pas non plus indispensable. Si par contre vous découvrez cet ouvrage, choisissez bien évidemment cette édition 2024, elle est plus attirante et plus simple à trouver.

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