J’ai découvert Phil à Paname sur Instagram, intrigué par ses photos depuis les toits de Paris et, je dois bien le dire aussi, par la prise de risque de ses modèles qu’il n’hésite pas à faire poser dans des situations pour le moins acrobatiques.

Il ne m’en fallait pas plus pour lui poser quelques questions sur sa pratique photo, tenter d’en savoir un peu plus et comme l’homme est nikoniste de surcroît, cela tombait bien. Après Ruben Dias et Stéphane Menant, voici la rencontre avec Phil à Paname.

NP : En quelques mots peux-tu nous dire qui tu es, ce que tu fais au quotidien et dans quel monde tu évolues ?

PAP : Je m’appelle Philippe, je suis d’origine basque et quarantenaire cette année. Actuellement “Content Manager” dans le domaine de la communication, la photo a souvent une place importante dans ma vie professionnelle (j’ai travaillé notamment dans le milieu de la mode).

Parallèlement, je vends des prestations photo pour des entreprises et particuliers. Mais je reste néanmoins un amateur. Pour moi la photo doit rester un plaisir et ne pas avoir une vocation alimentaire. Je me laisse ainsi le droit de choisir mes clients et mes modèles sans penser « intérêt pécuniaire » sous forme d’une épée de Damoclès.

photo (C) Phil à Paname

NP : Parle nous un peu de ton parcours en photo, comment es-tu venu à t’y intéresser ?

PAP :  J’ai commencé par acheter un appareil argentique lorsque j’étais étudiant aux Beaux-Arts. La photo était au programme. La phase d’apprentissage est bien coûteuse quand tu n’as qu’un budget étudiant pour acheter pellicules et papier tirage. Surtout avec les ratés des débuts.

Après mes études, j’ai gagné un petit compact qui m’a permis de continuer à m’exercer pendant une dizaine d’années (promenades, événements, vacances). C’est en arrivant à Paris il y a 7 ans que j’ai repris plus sérieusement. J’ai conjugué la photographie avec une autre de mes passions : la stégophilie ! (“toiturophilie” pour reprendre ce néologisme).

photo (C) Phil à Paname

Les photos prises avec un compact obsolète ne rendaient rien du spectacle magique que je vivais sur les toits. De plus, j’avais un reflex pro au travail pour les shootings de collections prêt-à-porter ! J’ai donc décidé d’investir dans mon premier reflex numérique : un Nikon D90 d’occasion. J’en ai atteint les limites (la montée en ISO par exemple) assez rapidement. Ma chérie m’a alors offert il y a trois ans le plus cadeau de Noël dont on puisse rêver : un Nikon D750 !

photo (C) Phil à Paname

NP : Qu’est-ce qui te motive aujourd’hui et t’incite à penser photo au quotidien, à pratiquer aussi régulièrement ?

PAP : Alimenter quotidiennement Instagram m’oblige à une production picturale constante. De plus, tous mes copains issus de mon réseau social de prédilection pratiquent la photo.

Je pars souvent après le travail m’oxygéner la tête sur les toits, c’est l’occasion de produire. Mon sac est toujours prêt et il n’y a pas une semaine qui passe sans que je n’ai pris quelques clichés.

En même temps, j’ai la chance de vivre à Paris. C’est une ville incroyable (j’ai aussi vécu à Marseille, Rome et Toulouse, des bijoux esthétiquement parlant). Ajoutez-y des conditions particulières (un orage, le brouillard, le soleil entre les jambes d’un monument…), les sunrise et sunset (levers et couchers de soleil), une excursion sur le zinc avec ma chérie et sa nouvelle robe, une balade nocturne dans un quartier, une scène de vie dans la rue, deux tourterelles qui roucoulent sur la gouttière d’en face… Finalement, tout est bon pour pratiquer, non ? Et si vous n’avez pas votre reflex, les téléphones modernes font largement l’affaire …

photo (C) Phil à Paname

NP : Quelles sont tes références, tes artistes et créatifs préférés ?

PAP : Le monde pop de David LaChapelle m’avait bluffé, on trouve aussi sur mes étagères Bettina Reims, Willy Ronis, Serge Ramelli (voir Notre Dame de Paris de Serge Ramelli) entre autres… Puis j’adore le travail d’Alain Cornu découvert grâce aux réseaux sociaux, un autre stégophile que j’espère rencontrer un jour.

photo (C) Phil à Paname

NP : Comment diffuses-tu tes photos, auprès de qui ?

PAP : Instagram au format portrait et un peu Facebook pour les formats paysage ! D’ailleurs j’ai pris l’habitude de composer dans les deux formats lorsque je photographie. Pas d’exposition, ni de livre malheureusement.

Les photos sont toutes sur des disques durs. Peut-être qu’un jour, on les dépoussiérera pour en faire quelque chose. On me demande souvent un site pour acheter mes clichés. Mais on connait tous l’adage des cordonniers les plus mal chaussés : j’ai réalisé un tas de sites web pour les autres… mais pas pour moi !

photo (C) Phil à Paname

NP : Tu as une belle présence sur les réseaux sociaux, peux-tu nous dire comment tu procèdes pour développer ton audience ?

PAP : J’ai connu mon heure de gloire sur Instagram avec mon compte @Phil_a_paname, il y a quelques années en étant dans « les 10 comptes parisiens à suivre » ou dans le Nikon Mag. Nous étions très peu de gens à publier des vues parisiennes captées en mode équilibriste sur les cheminées.

Puis ce phénomène a pris de l’ampleur et il est devenu « tendance ». Tout le monde voulait aller sur les toits jouer aux aristochats, du simple touriste à la blogueuse lifestyle pour pique-niquer avec une vue Tour Eiffel.

On a vu des gens improbables débarquer sur le zinc, des photos affluer de partout, et nos comptes sont passés d’extraordinaire (au sens de singulier) à “saoulant, encore un toit”.

Mon “robinet” d’acquisition de nouveaux abonnés s’est fermé et, dans le même temps, les accès sur le zinc ont commencé à clore. Heureusement une vraie communauté s’est mise en place et c’est un plaisir que de partager avec eux.

Maintenant, je sais que chaque nouvel abonné sur ma page est quelqu’un qui va apprécier mes clichés  et non pas des photos dites “bankable” comme la #tourEiffel qui « fonctionne » sur les réseaux quoiqu’il arrive …

Un conseil pour vos réseaux : soyez-vous même et ne vous cachez pas derrière un personnage 2.0 !

Vivez et partagez votre univers photographique à fond, vous trouverez toujours des gens qui apprécieront votre style de photo ! C’est certes chronophage de gérer un réseau social, mais j’ai rencontré des personnes formidables et je m’y suis fait de véritables amis. Ce qui compte c’est de développer son réseau et non pas l’audience. Communiquez, échangez. Un exemple concret : je dois mon poste actuel à la photo, à Instagram et ses copains bienveillants.

photo (C) Phil à Paname

NP : Parle nous un peu de tes projets, comment vois-tu l’avenir en tant que photographe ?

PAP : Tant que les toits de Paris ne sont pas tous fermés, je continuerai mes envolées sur le zinc. Après tout, je suis ceinture noire de « rooftop » et je veux obtenir mon cinquième Dan. Par contre je dois changer d’appareil. Je mène la vie dure aux miens. S’ils pouvaient écrire leurs mémoires, j’en prendrais pour mon grade…

Cette année, j’ai quelques beaux projets avec ma dulcinée à faire sur les coups de 6h du matin dans un Paris désert. Il nous faut juste des températures plus clémentes : le dernier shooting sur les toits début Janvier s’est soldé par une trachéite pour madame.

photo (C) Phil à Paname

Sinon dans la part d’ombre de mon CV photo, j’ai fait des couvertures pour les romans érotiques d’une amie. C’est un registre pictural très intéressant. Charmer sans montrer, évoquer avec sensualité. À continuer…

Enfin, dans un registre de diversification des lieux dits Urbex (Urban Exploration), j’ai goûté au plaisir défendu des catacombes interdites. @cataphil_a_paname va en profiter pour aller les photographier (mais pour ma photothèque perso… il faut préserver le secret des lieux !)

Une anecdote : j’ai été contacté par le maestro des sous-sols parisiens, Gilles Thomas, et nous avons visité une carrière fermée. Si nous avons échangé, ce n’est pas parce qu’il connaissait ma présence sur Instagram mais parce que j’avais écrit un article plutôt documenté sur ma première descente dans les entrailles parisiennes. (voir Catacombes de Paris).

J’ai décrit ça avec passion ! Et la Passion, elle peut vous ouvrir de nombreuses portes. Alors, je vous le dis avec toute la sincérité possible : vivez et photographiez passionnément !

photo (C) Phil à Paname

Merci infiniment Jean Christophe pour cette interview et pour m’avoir donné la parole.

En savoir plus sur Phil à Paname

Vous pouvez retrouver Phil à Paname sur :

Instagram : @phil_a_paname

Facebook : Phila Panam

Blog : Philapaname, photographe et bon vivant

Vous aimerez aussi l’interview de Denis Dubesset, photographe naturaliste.

Faire des photos en studio est une pratique que beaucoup de photographes amateurs apprécient. Mais certains n’osent pas se lancer : comment installer et gérer un studio, comment gérer les éclairages, comment gérer le modèle, … autant de notions complexes qui rebutent les plus débutants.

J’ai regroupé ici une série de conseils qui peuvent vous aider à démarrer si vous ne l’avez pas encore fait comme à améliorer vos images si vous pratiquez déjà.

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Des conseils pratiques

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Ces conseils sont applicables très vite et pour la plupart ne nécessitent pas un investissement conséquent. Ils sont extraits de différents guides sur le studio et l’éclairage, des ouvrages dont vous trouverez les références ci-dessous et qui peuvent vous permettre d’aller plus loin dans votre pratique.

Certains de ces conseils s’appliquent dans différentes situations, en studio comme en extérieur, pour le portrait comme pour la photographie d’objets. Libre à vous de les utiliser pour développer votre pratique et votre créativité.

Conseils pour faire des photos en studio

Conseil n°1 : Lorsque vous faites des photos de portrait, demandez à votre modèle d’orienter sa tête à 45° par rapport à votre boîtier. Cela vous permettra d’obtenir des images plus captivantes et chargées d’énergie. Familiarisez-vous avec le langage corporel pour pousser les poses plus loin et sortir des poses classiques.

Conseil n°2 : Les coudes jouent un rôle primordial en photo de portrait. La position des coudes comme la direction dans laquelle ils sont pointés peuvent exercer une influence déterminante sur le ressenti du spectateur face à la photo.

Conseil n°3 : Demandez à votre modèle d’utiliser ses mains de façon naturelle s’il ne sait pas quoi en faire, ce qui est fréquent. Servez-vous des poches du pantalon, de la boucle de ceinture, des hanches, de la nuque, du cou … Demandez à votre modèle de faire semblant d’avoir mal aux cervicales, par exemple, ou de se gratter la tête.

Conseil n°4 : Evitez de couper une partie du corps ou de couper un membre aux articulations, comme s’il avait été amputé (par exemple les mains entièrement rentrées dans les poches). Cela peut se produire si vous avez choisi un angle inadapté ou que la pose de votre modèle ne convient pas.

Conseil n°5 : Jouez sur les associations de couleurs pour créer des images fortes et cohérentes, sans avoir besoin d’accessoires spécialisés. Ajoutez des éléments de la même couleur ou de la même nuance que ce que porte votre modèle pour faire des photos mieux composées et plus attirantes.

Conseil n°6 : Pour le fond choisissez une teinte qui est proche de celle de la peau, des habits et des accessoires.

Conseil n°7 : N’hésitez pas à vous rapprocher de votre modèle quand vous faites des photos de portrait. Les gros plans permettent de mettre en avant les traits et les imperfections qui font la particularité et l’intérêt du visage de chaque modèle.

Conseil n°8 : Si vous photographiez une personne susceptible de cligner des yeux ou de les fermer, demandez à votre modèle de fermer les yeux et de ne pas les ouvrir avant d’avoir compté jusqu’à trois. Déclenchez dès que les yeux du modèle sont à nouveau ouverts.

Conseil n°9 : Lorsque vous photographiez un modèle féminin, faites en sorte que la chevelure ne cache pas les yeux du modèle. En règle générale évitez qu’elle recouvre les pupilles du modèle, même partiellement.

Conseil n°10 : Composez l’image directement dans le viseur de votre appareil photo et gardez juste une petite marge au bord pour un recadrage ultérieur. Le cadrage doit se faire à la prise de vue et non au développement des fichiers.

Conseils pour gérer les éclairages au studio

Gestion des éclairages

Conseil n°11 : En studio, le temps de pose varie le plus souvent entre 1/125 et 1/250ème de sec. Pour éviter la montée du bruit numérique, sélectionnez la sensibilité ISO native de votre appareil photo, généralement 100 ou 200 ISO.

Conseil n°12 : Pour passer outre la vitesse de synchro flash et utiliser des temps de pose très courts, pensez à enclencher le mode synchro haute vitesse de votre flash. Vous pourrez alors figer des mouvements rapides.

Conseil n°13 : Si vous avez besoin de plus de puissance en flash indirect, réglez la puissance du flash ou approchez le sujet de la surface réfléchissante. L’inverse est vrai aussi, pour diminuer la puissance du flash en indirect, éloignez le sujet de la surface réfléchissante. Cela vous évite d’acheter différents flashs.

Conseil n°14 : Quand vous utilisez un flash de studio, vous pouvez contrôler les niveaux de netteté et de flou de vos photos en modifiant le temps de pose et l’intensité de la lumière continue. Plus longue sera la vitesse ou plus intense sera la lumière continue, plus vous obtiendrez le flou de mouvement.

Conseil n°15 : Pour réduire les ombres créées par un unique éclairage latéral, installez-le à 30° de l’axe optique juste au-dessus de la ligne des yeux. Placé plus loin sur le côté et très haut au-dessus de la tête il produirait des ombres plus grandes et plus longues sur le nez et la joue.

Conseil n°16 : Pour modifier la couleur de fond de votre scène, jouez avec un flash. Un flash supplémentaire éclairant le fond le fait apparaître blanc. Un carton masquant les côtés du flash rend le fond noir en n’éclairant que le sujet.

Conseil n°17 : Quand vous faites des photos au flash en studio, faite varier le temps de pose pour modifier la lumière d’ambiance, cela ne change pas l’éclairage du sujet.

Conseil n°18 : Une fois que vous avez choisi la position de votre éclairage principal et de votre sujet, marquez leur emplacement au sol à l’aide d’un adhésif.  Si vous déplacez l’éclairage ou que le sujet bouge, vous retrouverez facilement les positions voulues.

Photographier des objets

Conseil n°19 : Quand vous photographiez des objets, utilisez un nombre impair d’objets pour renforcer votre composition. Un objet attire l’attention, trois objets composent un triangle, cinq objets peuvent représenter un cercle … La composition est alors plus dynamique.

Conseil n°20 : Déterminez la famille d’angles pour éviter les reflets sur vos portraits et photos d’objets. Cela consiste à déterminer la zone à l’intérieur de laquelle il ne faut pas placer vos éclairages sous peine d’en voir le reflet dans l’image. Ce calcul se fait en considérant la trajectoire des rayons lumineux entre le sujet et l’appareil photo.

Conseil n°21 : Pour photographier des récipients en verre d’épaisseur variable et éviter les effets disgracieux des différentes transparences, remplissez le récipient d’huile. L’huile a presque le même indice de réfraction de la lumière que le verre, elle va rendre la photo plus agréable à regarder.

Conseil n°22 : Pour photographier des objets métalliques brillants (comme des couverts) sans que les reflets ne soient visibles, choisissez le bon angle de prise de vue et calez chaque objet pour qu’il ne reflète pas la lumière.

Conseil n°23 : Pour créer un effet de reflet sous un objet (par exemple une chaise), vous pouvez superposer deux objets en post-traitement plutôt que d’utiliser un support en verre ou en plastique brillant coûteux et fragile.

Gérer la lumière en extérieur

Conseil n°24 : Quand vous faites des portraits en extérieur, dans la rue, faites en sorte de raconter une histoire au spectateur. Créez une atmosphère, incluez des éléments non-dits, qui invitent à s’interroger sur ce qui a précédé, et ce qui va suivre. Votre flash Cobra peut vous aider.

Conseil n°25 : Ne vous arrêtez pas de photographier lorsque la lumière baisse, faites des portrait de nuit. Augmentez la sensibilité ISO et jouez avec les lumières des voitures, les vitrines et l’éclairage public.

Pour aller plus loin …

La photo en studio et le portrait demandent beaucoup de travail en amont de la prise de vue :

• choix du plan d’éclairage selon le résultat attendu,
• choix des éclairages et accessoires,
• direction du modèle,
• choix des réglages du boîtier,
• post-traitement des images.

La plupart de ces notions s’apprennent à force de pratiquer, sur le tas, mais connaître les enseignements de base et les possibilités qui s’offrent à vous est une bonne chose pour gagner du temps et éviter l’achat d’accessoires souvent inutiles.

Vous trouverez de nombreuses informations dans les ouvrages cités ici, et je vous invite à partager vos bonnes pratiques via les commentaires ci-dessous, cette liste ne demande qu’à être complétée.

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Vous voulez photographier vos proches ou des modèles en les faisant poser mais vous n’avez pas d’idées de poses à leur proposer ? Vous posez parfois pour des portraits et vous aimeriez savoir quelles sont les poses possibles ? Le guide Posez ! vous présente 1.000 poses, autant d’idées pour vous aidez à réussir vos portraits … posés.

Ce livre chez vous via Amazon

Posez ! 1000 poses pour le photographe et son modèle

Un des problèmes du photographe qui débute portrait photo est de savoir diriger son modèle (l’autre est la gestion du plan d’éclairage).  Qu’il s’agisse de vos enfants, de vos proches ou d’un modèle recruté pour l’occasion le succès de la séance repose sur les poses et attitudes de vos sujets.

Mehmet Eygi est un photographe allemand qui a conçu ce guide de poses pour vous aider à imaginer les vôtres. Il s’agit d’un catalogue de poses types que vous allez pouvoir décliner à volonté pour photographier cinq types de sujets :

• les femmes,
• les hommes,
• les couples,
• les femmes enceintes,
• la famille.

Dans chaque partie vous allez trouver un ensemble de poses convenant à différents types de cadrages, du plan serré sur le visage au portrait de plein pied, debout.

Quelques explications succinctes accompagnent ces séries de poses. Il s’agit de savoir où porter votre regard de photographe comme de modèle.

Ne vous attendez pas à trouver des informations sur les réglages de votre boîtier, sur l’éclairage ou le post-traitement, ce n’est pas l’objet du livre.

Je n’ai pas compté le nombre de photos pour vérifier qu’il y en a bien 1.000 mais le moins que je puisse vous dire est que la variété des poses proposées devrait vous permette de vous faire votre propre liste avant shooting.

Mon avis sur « Posez ! », 1000 poses pour le portrait photo

Ce livre a le mérite de vous donner de nombreuses idées pour démarrer. Bien qu’il s’agisse d’un recueil de poses, je suis resté un peu sur ma faim après l’avoir consulté car j’aurais aimé trouver des informations complémentaires sur la direction du modèle et les types d’éclairage à favoriser pour chaque famille de poses.

De nombreuses poses sont très (trop) académiques et se trouvent assez facilement sans nécessiter les 28 euros d’investissement dans le guide.

Si vous êtes déjà photographe de portrait ce guide pourra tout au plus vous donner quelques pistes mais n’espérez pas y trouver d’idées très nouvelles ni créatives.

Si vous débutez en portrait ce catalogue de poses pourra vous aider à préparer vos premières séances. Vous ne passerez pas à coté d’un guide plus consistant sur les plans d’éclairage pour aller assez vite plus loin.

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Comment faire des portraits au quotidien sans dépenser une fortune en matériel et accessoires ? Découvrez les conseils d’un photographe pro dans un guide dont la particularité est d’être illustré de 50 portraits du même modèle dans différentes situations de prises de vue qui pourraient être les vôtres.

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1 modèle, 50 portraits : prise de vue, éclairage, poses – présentation du guide

Il existe de nombreux livre pour apprendre la photo de portrait, comme L’éclairage pour la photo de mode et de portrait ou Comment installer un studio photo chez soi. Ces livres vous présentent ce qu’il vous faut savoir en matière de techniques et d’accessoires, car le portraitiste fait souvent appel à du matériel spécialisé (éclairages, fonds, etc.).

Le photographe amateur qui veut se mettre au portrait, qu’il s’agisse de portraits de famille ou de quelques séries de photos « pour voir », n’ose pas toujours se lancer dans cette pratique quand il voit ce que cela suppose.

Il est pourtant tout à fait possible de réussir de jolis portraits sans devoir passer par la case « dépenses ». Et sans devoir passer non plus par des semaines d’apprentissage des différentes techniques.

Le guide « 1 modèle, 50 portraits » est conçu dans cet esprit. Un photographe, Mark Wilkinson, photographie le même modèle, Imogen Dyer, dans de nombreuses situations. Il vous montre comment il prépare ses séances, comment il utilise son appareil photo sans accessoiriser à outrance. Autant de situations que vous pouvez connaître ou mettre volontairement en place.

Vous pouvez retrouver ces deux personnages sur leur chaîne Youtube Weekly Imogen sur laquelle ils publient de nombreux tutoriels. 

Parmi les séries de photos que vous allez pouvoir découvrir, vous trouverez des conseils pour :

• soigner l’arrière-plan sans avoir un fond de studio,
• jouer avec les lignes directrices quel que soit le lieu,
• faire des portraits au travers d’une vitre,
• jouer avec les couleurs de l’environnement comme des vêtements et du maquillage de votre modèle.

Vous allez apprendre à faire des portraits agréables en jouant avec l’angle de prise de vue, la distance au modèle ou le format de vos photos. Autant de possibilités illustrées et accompagnées d’explications. celles-ci sont des supports aux images plus que des fiches détaillées mais permettent de bien comprendre ce qui a conduit à la réalisation des photos.

Dans les premiers chapitres vous trouverez l’essentiel de ce qu’il faut comprendre du portrait pour aller plus loin :

• les accessoires de votre modèle,
• les objectifs (vous allez voir que vous avez déjà ce qu’il faut),
• les techniques d’éclairage naturel de base.

Bien qu’il s’agisse d’un livre à destination des plus débutants, j’ai apprécié le nombre conséquent d’exemples donnés et de petits conseils en encarts. C’est simple, concret, pratique, applicable immédiatement.

Les situations de prises de vue présentées s’avèrent toutes donner de jolis résultats bien qu’elles soient très communes parfois :

• le portrait et la photo de rue,
• le portrait sur le vif,
• le portrait qui raconte une histoire,
• l’autoportrait,
• le portrait quand il neige,
• le portrait en ambiance polar,
• le portrait dans un miroir,
• un visage dans la foule.

Prenez le temps de noter toutes les propositions qui vont vous donner des photos moins monotones :

• accessoirisez votre modèle (avec ce que vous avez chez vous),
• demandez-lui de choisir plusieurs tenues,
• de changer de coiffure,
• de soigner son maquillage et d’en changer,
• d’avoir une tenue particulière que vous pourrez reprendre comme fil conducteur d’une série à l’autre.

Vous ne finirez pas ce livre sans avoir plusieurs idées de séances portrait en tête qu’il vous tardera de réaliser. C’est mon cas !

Une des difficultés principales en portrait c’est la pose que va prendre votre modèle et l’angle de prise de vue que vous allez choisir.

Vous trouverez à nouveau plein d’idées pour varier les plaisirs. Certaines comme les jeux de mains ne sont pas évidentes à trouver et pourtant les résultats sont très intéressants.

Mon avis sur « 1 modèle, 50 portraits : prise de vue, éclairage, poses »

Ce livre s’adresse aux photographes amateurs qui souhaitent aborder la photo de portrait sans vouloir pour autant se spécialiser dans un premier temps. Il est riche de nombreuses idées, de conseils pratiques et de « petits trucs » simples qui vont vous aider à faire des photos plus intéressantes.

Plus qu’un guide de référence sur la photo de portrait comme peut l’être Les secrets de la photo de portrait ou sur l’éclairage en studio comme Manuel d’éclairage photo, il s’agit ici de découvrir ce domaine photographique et de faire vos premières séries de photos sans plus attendre, sans être dépendant d’un studio ou de matériels spécifiques.

Si vous avez déjà un appareil photo et un objectif polyvalent, vous avez ce qu’il vous faut pour vous lancer. Ne cherchez pas plus loin et passez à l’action.

Prenez des notes, faites des photos, étudiez les résultats, recommencez et quand vous aurez épuisé toutes les idées données dans le livre, vous pourrez aller plus loin avec un ouvrage de référence sur la technique photo et l’étude des éclairages.

Proposé à un tarif très abordable (19 euros) ce livre s’avère sans prétentions mais très inspirant pour vous lancer et obtenir des résultats dont vous serez fier.

Reste à convaincre votre modèle de jouer le jeu, pour cela contentez-vous de lui montrer les photos illustrant le guide, cela devrait bien se passer !

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L’éclairage pour la photo de mode et de portrait est un livre de Rossella Vanon et contient ce qu’il vous faut savoir pour préparer vos séances studio, mode et portrait. Il vous propose des plans d’éclairage avec des exemples de photos. Je vous présente le guide dans la vidéo ci-dessous et vous en dis plus à la suite.

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L’éclairage pour la photo de mode et de portrait

La réussite d’une photo de portrait ou de mode tient autant en l’éclairage qu’en la préparation de la séance et du modèle. Si vous ne savez pas choisir votre éclairage, l’adapter à la situation, le régler de telle façon qu’il vous donne le résultat attendu vous allez passer à côté de votre séance.

Préparer un plan d’éclairage est donc primordial. Pour cela il vous faut choisir votre éclairage, flash ou lumière continue, choisir les accessoires (par exemple le façonneur de lumière), orienter les différentes sources et faire en sorte que le résultat soit harmonieux.

Ce n’est pas toujours facile quand on débute, une bonne façon de vous en sortir et de gagner du temps est d’adopter un plan d’éclairage dont le résultat vous est connu à l’avance. Vous pouvez alors faire vos premières photos et modifier ce plan d’éclairage en fonction des premiers résultats.

Le livre « L’éclairage pour la photo de mode et de portrait » vous aide à mener à bien les différentes opérations :

• choisir l’éclairage,
• choisir les accessoires,
• adapter l’éclairage à la prise de vue,
• diriger votre modèle,
• finaliser vos photos.

Ce guide est très richement illustré de (belles) photos qui vous montrent ce que vous pouvez obtenir une fois que vous avez réglé l’ensemble de votre matériel correctement.

J’ai beaucoup apprécié les nombreux plans d’éclairage listés dans la seconde partie de l’ouvrage. Ces 70 schémas à reproduire (nombre de sources, disposition, accessoires) vous donnent une base de travail et vous permettent de connaître à l’avance le résultat possible.

La première partie du livre vous aide à choisir votre matériel. Sachez ce que signifient les termes relatifs à l’éclairage comme :

• température de couleur,
• puissance,
• branchement,
• type de source.

Apprenez à faire la différence entre le rendu d’un flash de studio ou d’un flash de reportage (Cobra). Sachez choisir entre un flash et des éclairages à lumière continue.

La seconde partie du livre vous explique comment préparer le rendu final de vos images en créant une atmosphère.

Apprenez à choisir une lumière dure ou douce, en sachant pourquoi. Voulez-vous une dominante claire ou foncée ? Un éclairage asymétrique ? Indirect ?

Découvrez les secrets des photographes de studio et en particulier les techniques d’éclairage classiques :

• éclairage loop,
• éclairage Rembrandt,
• éclairage de côté (split)
• éclairage papillon (ou Paramount)
• éclairage en coquillage.

Vous allez aussi apprendre à régler votre appareil photo et l’exposition : ouverture, vitesse, sensibilité. La balance des blancs est un réglage essentiel avec les éclairages de studio, découvrez comment la régler au mieux.

Des scénarios d’éclairage

Dans la troisième partie du livre, vous allez découvrir différents scénarios d’éclairage qui correspondent chacun à une situation de prise de vue particulière :

• comment éclairer les portraits,
• comment éclairer une photo de mode,
• comment éclairer une photo beauté,
• comment éclairer une photo de sport et de nu.

Vous saurez préparer votre prise de vue et par où il vous faut commencer.

De même, vous allez apprendre à mesurer la lumière à l’aide du posemètre intégré à votre appareil photo comme avec une cellule à main (posemètre/ flashmètre externe).

Devenez créatif

La photo de mode et de portrait demande un minimum de créativité de la part du photographe pour que le résultat soit intéressant. Saviez-vous que vous pouvez jouer avec les couleurs grâce aux gélatines ? Qu’il est possible de projeter sur le modèle des sources particulières qui vont créer des effets étonnants ?

Vous pouvez également restituer un flou de mouvement et créer « votre » lumière naturelle, pour donner à vos photos un caractère bien personnel.

70 plans d’éclairage pour le portrait

C’est probablement la dernière partie du livre que vous allez utiliser le plus souvent puisqu’elle contient 70 plans d’éclairage détaillés :

• sources de lumière,
• disposition,
• réglages,
• accessoires,
• position du modèle,
• position du photographe.

Autant dire qu’avec ces plans vous pouvez commencer à vous faire la main sans craindre de perdre votre temps avant de les adapter à vos envies et besoins.

Je trouve intéressant le fait d’avoir sur une même page le plan d’éclairage en 3D, et tous les résultats possibles en fonction du modèle et de l’arrière-plan :

• peau claire,
• peau noire,
• fond clair,
• fond sombre.

Vous allez forcément trouver une combinaison pour démarrer !

Mon avis sur L’éclairage pour la photo de mode et de portrait

Ce livre est à la fois complet, bien illustré et pratique avec les plans d’éclairage détaillés.

Il permet au plus débutant de découvrir les bases du studio, de faire ses premiers pas à moindres frais à domicile, avant de passer à une pratique plus experte.

Les conseils donnés en première partie du livre vous permettent de choisir votre matériel sans vous tromper, et de réaliser peut-être que vous avez déjà ce qu’il vous faut pour vous lancer.

Enfin les plans d’éclairages finaux sont LE point fort de l’ouvrage car cet ensemble de modèles aisément reproductibles vous permettent de démarrer sans perdre de temps en sachant à l’avance quel résultat vous pouvez obtenir.

Ce livre s’adresse aux photographes désireux de découvrir la photo de portrait et de mode en studio. Je vous le recommande aussi si vous avez du mal à vous en sortir après vos premiers essais. Les photographes plus experts seront intéressés par la dernière partie et les plans d’éclairages, la connaissance du matériel et des réglages étant déjà acquises normalement.

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Sigma complète sa gamme d’objectifs Art à grande ouverture avec le nouveau Sigma 85mm f/1.4 DG HSM Art. Cette optique devrait satisfaire les amateurs de portraits et de bokeh qui apprécient les grandes ouvertures et la qualité d’image des optiques pros.

Le Sigma 85mm f/1.4 DG HSM Art, annoncé en même temps que la troisième version du zoom grand-angle Sigma 12-24mm f/4 Art, vient compléter une gamme déjà forte de plusieurs optiques à grande ouverture f/4 (par exemple le Sigma 24mm f/1.4 DG HSM).

La particularité de ce 85mm est d’offrir une grande ouverture qui favorise le bokeh pour vous permettre, par exemple, de faire la mise au point sur l’oeil de votre sujet tout en ayant les cils flous (!). Sigma annonce de plus une « grande douceur de rendu » des zones floues.

Caractéristiques techniques du Sigma 85mm f/1.4 DG HSM Art

Ce nouveau 85mm f/1.4 Sigma embarque 14 lentilles  en 12 groupes, avec une formule optique qui, selon la marque, permet d’atteindre une résolution extrême y compris avec les boîtiers très riches en pixels (comme les 36 et 50Mp).

Les aberrations chromatiques sont réduites pour favoriser les résultats sur les portraits. Le Sigma 85mm f/1.4 DG HSM Art dispose de deux lentilles en verre SLD pour une qualité d’image homogène sur tout le champ et une réduction du « flare » de coma sagittale même à grande ouverture.

Nouvelle motorisation autofocus

Ce Sigma 85mm f/1.4 Art utilise un nouveau moteur HSM offrant un autofocus plus réactif (x1.3 pour le couple moteur par rapport aux optiques de la précédente génération). La fonction de priorité à la mise au point manuelle (MO) autorise la retouche du point à l’aide de la bague de mise au point comme sur les optiques AFS Nikon.

Fiche technique du Sigma 85mm f/1.4 Art

• formule optique: 14 éléments en 12 groupes
• ouverture minimale: f/16
• filtre: 86mm
• angle de champ (24x36mm): 28.6°
• distance minimale de mise au point: 85cm
• dimensions (diamètre x longueur): 94.7mm x 126.2mm
• diaphragme : 9 lames, circulaire
• rapport d’agrandissement maximal: 1:8.5

Tarif et disponibilité

Le Sigma 85mm f/1.4 DG HSM Art est proposé au tarif public de 1249 euros, il est disponible dès mi-octobre 2016.

Source : Sigma

Nikon actualise sa gamme d’objectifs à grande ouverture f/1.4 avec le nouveau Nikon AF-S 105mm f/1.4 ED. Cet objectif est doté d’une formule optique faite pour réduire au minimum les aberrations dès la pleine ouverture f/1.4. Il s’adresse en priorité aux portraitistes voulant jouer de l’effet bokeh et disposer d’une très grande qualité d’image.

La focale 105mm séduit les photographes portraitistes qui y trouvent la formule idéale pour éviter les déformations des visages et gérer la profondeur de champ. Vous pouvez en savoir plus sur les objectifs à portrait avec ce dossier.

Chez Nikon l’histoire du 105mm remonte à l’année 1948 et au 10,5cm f/2.5 Nikkor P, un objectif conçu pour les modèles télémétriques de la marque. Une refonte complète de l’optique a eu lieu en 1971 pour les modèles reflex de l’époque.

C’est cette formule que l’on retrouvait encore dans les plus récents Nikon 105mm f/2.5. Elle était en effet considérée comme idéale et a traversé les années. Jusqu’à l’arrivée de ce nouveau AF-S Nikkor 105mm f/1.4 ED qui pose de nouvelles bases pour répondre aux demandes des utilisateurs de boîtiers numériques récents.

Le Nikon AF-S 105mm f/1.4 ED est doté d’une nouvelle formule optique qui satisfera les besoins des portraitistes dotés de boîtiers très riches en pixels. Avec 36Mp l’optique doit pouvoir répondre présente à toutes les ouvertures, en lumière naturelle comme avec des éclairages de studio, sans laisser transparaître le moindre défaut.

Ce Nikon AF-S 105mm f/1.4 ED comprend 14 éléments optiques répartis en 9 groupes dont 3 lentilles en verre ED (à très faible dispersion). Selon la marque cette nouvelle formule permet de réduire au strict minimum les aberrations chromatiques et d’accentuer la netteté sur l’ensemble du champ.

La distance minimale de mise au point est de 1m et autorise des portraits plein cadre sans qu’il ne soit besoin de recadrer.

Les portraitistes prêtent une attention toute particulière aux zones périphériques de l’image. Ce Nikon AF-S 105mm f/1.4 ED offre une résolution extrême sur les bords de l’image, de même qu’un astigmatisme réduit. Ces deux caractéristiques permettent de reproduire au mieux les éclairages ponctuels qui seraient disposés en périphérie de l’image.

Le vignettage est particulièrement maîtrisé à toutes les ouvertures, y compris à l’ouverture maximale de f/1.4 et en mise au point à l’infini.

Le flou d’arrière-plan (effet Bokeh) est dosable sans transition brusque et Nikon revendique un modelé de qualité à toutes les ouvertures.

La construction soignée de ce 105 AF-S Nikon inclut un autofocus SWM (Silent Wave Motor), un traitement des lentilles nanocrystal, un diaphragme à 9 lames (circulaire). Nikon n’a pas souhaité inclure de système VR de réduction des vibrations pour offrir une optique aux dimensions réduites et jouer la compacité. Il est vrai qu’en studio le système VR n’a guère d’intérêt, il est toutefois dommage de ne pas pouvoir en profiter pour étendre l’usage de l’optique, ce qui justifierait d’autant mieux son tarif élevé.

Le diamètre de 94,5 mm et la longueur de 106 mm autorisent un poids de 985 grammes. Le diamètre des filtres vissants est de 82 mm.

Le Nikon AF-S 105mm f/1.4 ED complète la gamme des optiques pros Nikon ouvrant à f/1.4, Cette optique n’est clairement pas un modèle grand public mais sachez que si ce 105mm vous intéresse, vous pouvez vous le procurer pour un tarif de 2299 euros.

Source : Nikon

Ce tutoriel explique comment réussir vos portraits photo d’enfants – ou d’adultes – lorsque la lumière est particulièrement dure, vive. En suivant les conseils donnés, vous obtiendrez des portraits plus harmonieux, et tirerez profit de ces lumières difficiles à gérer.

Mise à jour Octobre 2016

Le problème des portraits photo d’enfants en pleine lumière

Lorsque la lumière est très dure, plein soleil, régions chaudes, milieu de journée, etc. photographier une personne devient vite difficile car les contrastes sont importants, les yeux se ferment, les ombres sont dures (sombres), et l’aspect général de la photo n’est pas agréable. Néanmoins, voici quelques astuces techniques pour arriver à obtenir des portraits réussis dans ces conditions.

Choisir les heures de la journée n’est pas toujours possible

Quand vous en avez la possibilité, choisissez de faire vos photos de portraits tôt le matin ou en fin d’après-midi.

Cependant, il n’est pas toujours possible de choisir ses horaires et nous sommes régulièrement soumis à des contraintes qui ne nous permettent pas de photographier uniquement le matin ou le soir.

L’image ci-dessous a été prise à l’occasion d’un anniversaire entre amis. Un événement familial parmi tant d’autres que vous ne pouvez pas caser le matin nécessairement. Le temps fort de la journée avait lieu en extérieur, au bord d’une piscine, à l’heure de midi. Toutes les mauvaises conditions étaient donc réunies ! Il n’y avait quasiment pas d’ombre et les victuailles étaient disposées sur une table blanche, bien réfléchissante.

Le problème d’une lumière dure comme celle-ci est évident : un nez bien brillant, des épaules qui ne valent guère mieux et deux yeux qui semblent s’être réfugiés au fond d’une grotte.

Sur le strict plan photographique, c’est très inintéressant comme image, mais les enfants s’amusaient, il y avait quelques belles expressions à saisir ainsi que des moments forts qui donnaient envie d’essayer quelque chose pour sortir des images sympas.

Voici quelques-unes des astuces utilisées pour optimiser le rendu des photos.

Trouver de l’ombre

La lumière douce et bien diffuse dont vous disposez dans les endroits où il y a de l’ombre est très agréable et propice à vous donner des images plus douces. Si en plus votre sujet regarde dans la direction d’une zone très lumineuse, là où il n’y a pas d’ombre par exemple, alors vous aurez un agréable éclat lumineux dans les yeux.

Voici le portrait d’un enfant bien plus réussi dans un endroit où il y avait de l’ombre. Regardez l’éclat dans ses yeux, c’est assez agréable et pas du tout disgracieux comme sur la photo précédente.

Cadrer juste

Même si vous placez votre sujet dans l’ombre, il se peut qu’il y ait une zone très lumineuse en arrière-plan qui produise des tâches brillantes ou brûlées sur la photo. L’utilisation du format RAW vous permettra d’en récupérer certaines mais mieux vaut éviter d’avoir à faire ce travail en faisant en sorte de cadrer un peu plus serré pour éliminer ces désagréments. Rapprochez-vous de votre sujet, changez de focale mais resserrez le cadre.

Autre effet important : si votre sujet est en pleine lumière, comme sur la première photo, cadrer plus serré permettra à votre système de mesure de lumière d’adopter une exposition plus juste. Une autre solution est d’utiliser la mesure spot dans ce cas, afin de ne mesurer la lumière que sur le visage.

Utiliser la lumière d’arrière-plan

En utilisant la lumière qui vient de l’arrière-plan, vous créerez un effet de contour assez intéressant sur votre sujet principal. Si de plus le sujet a une chevelure souple comme c’est le cas sur la photo ci-dessus, alors vous aurez un joli effet de « cadre » autour de la tête, amusez-vous à tourner autour du sujet pour avoir le meilleur rendu.

Le fait de placer le sujet entre cet arrière-plan lumineux et vous, et de l’éclairer avec la lumière naturelle qui se trouve derrière vous, va permettre à la forte lumière d’arrière plan de créer comme un halo. Ce halo va « séparer » le sujet de son arrière-plan, ce qui peut là-aussi donner un rendu intéressant.

Enfin, autre avantage d’avoir le soleil derrière son sujet, c’est que ce dernier ne sera pas aveuglé et ne clignera ni ne fermera les yeux. C’est toujours mieux pour les photos !

Attention au fait que dans ces conditions, vous risquez une sous-exposition due à la forte luminosité d’arrière-plan. Pensez à compenser avec le correcteur d’exposition ou à faire la mesure de lumière sur le visage. Utilisez le mode spot si nécessaire. Si vous utilisez le format RAW, vous pourrez également reprendre les niveaux lors du post-traitement.

Utilisez un réflecteur ou un flash pour déboucher

Même si ce n’est pas une pratique très courante pour beaucoup de photographes, l’utilisation d’un flash pour déboucher l’avant-plan peut être une bonne solution pour réduire les écarts de contraste entre le sujet et l’arrière-plan. Cela va également diminuer les zones trop brillantes sur le visage, par contre il vous faudra réduire probablement l’intensité du flash pour ne pas provoquer l’effet inverse et brûler encore un peu plus votre sujet.

Le flash intégré des boîtiers numériques convient très bien pour cet usage, il suffit de le déclencher en mode Fill-In au flash si vous en disposez sur votre boîtier, ou en baissant l’intensité d’au moins 1EV.

Vous pouvez aussi utiliser un réflecteur pour ramener de la lumière sur le visage et réduire les écarts de contraste. Il peut s’agir d’un réflecteur photo que l’on trouve chez les accessoiristes, blanc ou doré pour réchauffer un peu la lumière. Il peut également s’agir d’une feuille blanche suffisamment épaisse pour ne pas plier, ou d’un morceau de polystyrène que vous trouverez sur place. N’hésitez pas à demander de l’aide pour tenir ce réflecteur, vous improviserez ainsi une séance de portrait ludique et chacun voudra participer !

Parfois, le décor dans lequel vous vous trouvez peut constituer lui-même le réflecteur. Disposez le sujet en face d’un mur blanc, d’une façade lumineuse, d’un réflecteur naturel et vous obtiendrez l’effet désiré.

Le flash en mode Fill-In et l’effet produit par l’objectif grand-angle utilisé pour faire cette photo donnent un effet presque surnaturel à ce portrait d’enfant. Le post-traitement de type Lomo accentue le caractère de la photo, on aime ou pas mais c’est une image qui sort un peu de l’ordinaire.

Filtrez la lumière

Il s’agit là d’une technique plus professionnelle, mais filtrer la lumière qui arrive sur le sujet à l’aide d’un grand panneau coloré ou d’un parapluie comme ceux que l’on utilise en studio vous permettra de contrôler parfaitement votre éclairage. Certains photographes de mariage ont ce genre d’accessoire avec eux en permanence, ainsi qu’une tente pour « fabriquer » de l’ombre. A vous de voir si c’est utile ou pas pour vous car il faut penser au transport.

Un filtre de densité neutre

Si vous aimez les arrière-plans bien flous pour vos portraits – bokeh – et que vous êtes adepte des ouvertures à f/2.8 ou plus, vous risquez de rencontrer fréquemment un problème de lumière trop importante. Même en augmentant la vitesse d’exposition au maximum des capacités de votre boîtier, il se peut que cela ne suffise pas.

Dans ce cas, vous pouvez utiliser un filtre à densité neutre, ceux de la série ND-xxx (voir l’article sur la pose longue pour les détails). Ces filtres ont l’avantage de diminuer la quantité de lumière qui arrive sur le capteur et donc de vous offrir des conditions plus favorables pour utiliser les grandes ouvertures. Ces filtres ne changent pas la température de couleur, et sont donc sans effet sur la photo.

Certains photographes de paysages utilisent des filtres à densité neutre avec dégradé, pour réduire la lumière sur une portion de l’image seulement. Cela leur permet de compenser la brillance excessive du ciel pour mettre en valeur l’avant-plan généralement plus sombre. Ces filtres n’ont pas d’intérêt pour les portraits car il est préférable d’avoir une quantité de lumière égale sur tout le champ dans ce cas précis.

En conclusion

Ces quelques conseils devraient vous permettre de réaliser des portraits intéressants chaque fois que la lumière vous semble trop dure, trop importante, peu gracieuse.

Aucune recette n’étant miraculeuse, il vous faudra tester, essayer, tourner autour du sujet, préparer le terrain pour arriver à des résultats satisfaisants. mais une fois ces quelques conseils assimilés, vous devriez pouvoir oublier les aspects techniques et vous concentrer sur la prise de vue, ce qui reste l’essentiel en photo !

Merci à David Moore pour l’autorisation d’utiliser les photos qui illustrent cet article : www.clearingthevision.com

Question : quel problème rencontrez-vous le plus souvent pour les portraits photo d’enfants ?

6 ans de rencontres et 146 portraits de tatoueurs et tatoués, c’est ce que vous propose de découvrir Julien Lachaussée, photographe, dans la seconde édition de son livre Alive, Tatoo Portraits.

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Julien Lachaussée photographe

A une époque où la photographie numérique nous pousse à produire toujours plus d’images, plus vite et (pas) toujours mieux, certains photographes se plaisent à prendre le contre-pied.

C’est le cas de Julien Lachaussée dont le travail sur la durée est un bel exemple de persévérance. Dans un style totalement différent de celui d’Arnaud Vareille dont je vous parlais récemment, Julien Lachaussée nous fait découvrir un univers qui peut sembler atypique mais qui ne l’est pas tant que ça.

Alive, Tatoo Portraits

L’histoire de ‘Alive, Tatoo Portraits‘ démarre en 2005 quand Julien Lachaussée décide de photographier ses proches, pour commencer, puis les proches de ses proches ayant tous comme point commun le tatouage.

Il s’en suit une série de portraits au fil des années, la première édition du livre et, en 2016, cette seconde édition enrichie de 27 nouveaux portraits.

Julien Lachaussée a fait le choix du film argentique et du Polaroid pour réaliser ses photos. Le photographe fait ainsi le parallèle entre l’authenticité de ces supports et celle de ses sujets. L’ensemble forme un tout homogène, une galerie de femmes et d’hommes « aux vies les plus incroyables les unes que les autres » et que ces images fortes traduisent à merveille.

Que dire de ces portraits si ce n’est qu’ils montrent l’extrême complicité entre le photographe et ses sujets. Une proximité gagnée grâce à la patience du photographe, son honnêteté et sa passion.

Dans cette collection de visages durcis par le temps et les épreuves se cachent toutefois quelques images au demeurant plus douces comme celle de Lady Diamond à l’Olympia ou celle de la famille Courtry.

A moins que chacun ne montre qu’une facette de sa personnalité et ne soit pas celle ou celui que l’on pense à la vue de ces images … ?

Que vous aimiez ou non le tatouage et les tatoués, je ne peux que vous encourager à découvrir ce livre et à prendre un peu de temps pour le feuilleter. Avant de l’acheter pour compléter votre collection. La photographie s’apprend dans les guides, mais aussi (et surtout) en observant les images des autres, en s’immergeant dans des univers qui peuvent ne pas être les nôtres pour découvrir des regards, des démarches.

Si vous n’avez pas encore commencé à réunir quelques bons ouvrages, pourquoi ne pas démarrer par celui-ci dont le tarif très doux de 25 euros ne saurait être un frein : 17 cents le portrait dans un beau livre relié c’est cadeau pour apprendre le portrait !

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Vous voulez réaliser un portrait créatif sans trop savoir comment vous y prendre ? Suivez ce tutoriel Photoshop et découvrez la technique de superposition d’images.

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Le portrait créatif : pourquoi pas Photoshop ?

Vous êtes nombreux à me dire que vous faites des photos techniquement correctes mais pas souvent intéressantes. C’est une question de pratique la plupart du temps, de multiples séances de prise de vue et l’étude de vos photos peuvent vous aider à développer une démarche créative.

Mais il faut aussi considérer le travail de post-traitement qui va vous aider à franchir une étape. Le traitement de base d’une photo est une étape obligée, le format RAW est là pour vous aider et je vous invite à vous y mettre si ce n’est déjà fait (voir les tutoriels sur Lightroom).

Vous maîtrisez déjà le traitement d’images, pourquoi ne pas passer à la retouche ?

La retouche d’images est une technique vieille comme le monde – de la photographie – malgré qu’elle soit toujours décriée par certains. Et pourtant toutes les photos de mode, de beauté et bien d’autres que vous pouvez voir dans la presse sont retouchées. Ne pensez pas que ce sont des photos à peine traitées, il y a généralement des heures de travail à chaque fois.

Tutoriel Photoshop portrait créatif

Après vous avoir montré comment traiter vos photos à la manière des peintres, je vous invite à découvrir une technique de superposition d’images dans Photoshop qui va probablement faire réagir certains. Superposer une photo nature à un portrait ? Et puis quoi encore ?

L’exemple donné ici pour montrer la technique peut ne pas vous plaire mais en utilisant cette démarche sur vos images, vous pouvez obtenir des résultats plus intéressants que vous ne le pensez.

Posez-vous la question: n’avez-vous pas dans votre catalogue deux images qui se complèteraient à merveille ? Si la réponse est oui alors voici comment procéder pour les fusionner.

Qu’allez-vous apprendre avec ce tutoriel Photoshop Portrait créatif ?

En un peu plus de 24mn, vous allez découvrir :

• comment superposer une image sur un portrait
• comment utiliser le mode de fusion ‘lumière ponctuelle’
• comment utiliser le mode noir et blanc pour affiner les réglages
• pourquoi utiliser l’outil tampon sur l’image initiale
• comment étalonner l’image fusionnée

Visionnez la vidéo gratuite ci-dessous pour découvrir l’intégralité de la retouche concernée :

Lien direct vers la formation complète Portraits créatifs visages et nature proposée par le photographe Jérôme Mettling.

Il s’agit d’une formation de 3h sur l’utilisation de Photoshop pour la retouche portrait. Cette formation s’adresse aux débutants comme aux plus experts qui veulent découvrir une technique assez particulière.

Je vous rappelle que vous pouvez bénéficier de Photoshop gratuitement si vous avez souscrit à la formule Lightroom abonnement. C’est un bon complément pour bénéficier de fonctions que n’offre pas Lightroom en matière de retouche.

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Encore plus de tutoriels vidéos gratuits

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