Vous appréciez les ambiances sombres, les lumières tamisées ? Vous aimeriez savoir comment réussir vos photos en basse lumière ? Celle-ci joue en effet un rôle déterminant dans la composition et l’esthétisme de l’image, comme dans sa qualité finale.

Lorsque vous faites des photos en basse lumière et que celle-ci manque, il peut vous sembler difficile d’obtenir de belles photos. Voici comment vous en sortir.

Note : pour aller plus loin, découvrez le guide complet pour bien débuter en photo en 2025

Nous allons voir comment maîtriser au mieux votre appareil pour comprendre la prise de vue en basse lumière. Nous évoquerons les réglages d’exposition et de mise au point de base, je vous donnerai aussi quelques astuces pour que vous ne soyez jamais déçu en rentrant d’une exposition, d’un concert, ou d’un anniversaire.

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Qu’est-ce qu’une basse lumière ?

Observez votre environnement. Selon l’heure, le lieu, la saison, la météo, la lumière naturelle (du soleil) n’est jamais la même. Quand le soleil brille et que le ciel est dégagé, la quantité de lumière est importante. C’est une situation de « haute lumière ». Quand le soleil est voilé, le matin, le soir, la quantité de lumière est plus faible. C’est une situation de « basse lumière ».

Les basses lumières ont pour principal avantage de vous permettre de faire des photos différentes, avec plus de relief, de jeux d’ombres, avec de jolis noirs et gris. Il ne faut pas les laisser de côté !

Rappels sur les réglages de votre appareil photo en basse lumière

Les réglages d’exposition, comme le temps de pose ou l’ouverture, vont déterminer la quantité de lumière que le capteur absorbera. Ils agissent également sur d’autres éléments.

Le temps de pose permet de marquer plus ou moins le mouvement de la scène photographiée, et l’ouverture modifie la profondeur de champ de l’image. Ainsi, selon l’effet recherché, il est souvent recommandé de se concentrer uniquement sur un de ces deux paramètres. C’est pourquoi il existe un mode de priorité vitesse et un mode de priorité ouverture sur tous les boîtiers. Vous pourrez alors décider de régler manuellement un paramètre et de laisser l’autre s’adapter automatiquement pour obtenir une exposition correcte.

Voici les éléments de base à avoir en tête lorsque vous faites des photos et que la lumière est plutôt faible.

Photo (C) Arnaud Pincemin

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Le temps de pose (vitesse d’obturation)

A priori, vous souhaitez obtenir une photo nette de votre sujet. Pour cela, vous devez avoir un temps de pose adapté (voir Photographier un spectacle de danse en basse lumière). Si vous êtes à main levée et que votre sujet est immobile, la règle de l’inverse de la focale peut s’appliquer. Ainsi, avec un objectif à focale fixe de 50 mm, vous pouvez shooter à 1/50 ème de seconde et l’image sera nette. Si vous shootez à 1/30, votre sujet risque d’être flou. Au contraire, si vous shootez avec un temps de pose plus court que 1/50 (par exemple à 1/80 ou 1/125), vous augmentez vos chances d’obtenir une image nette.

Mais si la quantité de lumière est faible, vous devrez vraisemblablement vous rapprocher au maximum de l’inverse de la focale.

Notez que si votre objectif (VR) est stabilisé ou que votre capteur l’est (IBIS), vous pouvez utiliser un temps de pose légèrement plus long que l’inverse de la focale. Cependant si le sujet est en mouvement, la stabilisation ne vous aidera pas. Par ailleurs, plus la focale est longue (au-delà de 80 mm), plus je vous recommande de prévoir une marge de manœuvre. Ainsi, à 135 mm, un temps de pose de 1/250 ème de sec. semble plus sûr pour garantir une netteté parfaite du sujet, alors qu’à 24 mm, un temps de pose de 1/25 ème de sec. pourra suffire.

L’ouverture (diaphragme)

L’ouverture détermine le diamètre du diaphragme par lequel l’objectif laisse passer la lumière jusqu’au capteur : cela agit sur la lumière et donc sur l’exposition. Mais l’ouverture agit également sur la profondeur de champ. Vous pouvez obtenir un effet de profondeur de champ souhaité : par exemple avoir un arrière-plan flou et faire ressortir le sujet principal au premier plan, ou à l’inverse obtenir une image avec un arrière-plan net. Vous devrez alors vous restreindre à utiliser certaines valeurs d’ouverture.

En règle générale, si l’arrière-plan est suffisamment éloigné du sujet au premier plan, une ouverture à f/3.5 suffira pour mettre en avant le sujet. Si vous souhaitez conserver l’arrière-plan, fermez votre diaphragme en réglant l’ouverture à f/6.3 ou f/7. Un écart d’une valeur n’impactera pas beaucoup votre composition mais peut vous permettre de récupérer plus de lumière.

Nikon D5500 + Nikon AF-S 18-55 mm f/3.5-5.6
33 mm – 1/30sec. – f/13 – 6 400 ISO

La sensibilité (ISO)

La sensibilité ISO définit la sensibilité du capteur à la lumière. Ainsi, plus la sensibilité ISO est élevée, plus le capteur amplifie le signal lumineux qu’il reçoit, et plus la qualité d’image se dégrade.

Des parasites apparaissent sur l’image : on parle alors de bruit numérique. La plupart des appareils photo ont une valeur nominale de sensibilité de ISO 100. C’est à dire qu’à 100 ISO, le signal lumineux est celui que voit le capteur (en savoir plus). A 200 ISO, le capteur a amplifié ce signal en le multipliant par 2. A 400 ISO, le signal est multiplié par 4, et donc à 3.200 ISO par exemple, le signal est multiplié par 32 !

L’objectif est toujours d’obtenir une sensibilité ISO la plus faible possible pour privilégier la qualité d’image. Cependant, avec les capteurs actuels qui ont fait d’énormes progrès et les logiciels de traitement d’images qui permettent de réduire le bruit (par exemple DxO PureRAW), vous pouvez monter facilement à 3.200 ISO ou 6.400 ISO et conserver une bonne qualité d’image. Renseignez-vous sur les capacités de votre capteur pour savoir jusqu’où vous pouvez monter sans craindre une trop grande perte de qualité.

Photos en basse lumière : cas pratique

Prenons un exemple concret. Vous utilisez un objectif 85 mm non stabilisé, monté sur un appareil avec un capteur plein format. L’ouverture maximale offerte par l’objectif est de f/1.8. Vous souhaitez photographier une personne immobile en ayant un arrière-plan flou, et vous êtes en intérieur donc la quantité de lumière est faible.

Dans un premier temps, utilisez le mode priorité ouverture et privilégiez l’ouverture maximale de votre objectif en réglant celle-ci à f/1.8. Regardez ensuite quel temps de pose recommande l’appareil. Si celui-ci est plus court que 1/80 ème de sec. vous pouvez déclencher. Si au contraire le temps de pose est plus long, par exemple 1/50 ème de sec., alors vous allez utiliser une sensibilité ISO plus élevée. Augmentez-la jusqu’à ce que vous puissiez obtenir un temps de pose suffisamment rapide pour que votre sujet soit net.

N’hésitez pas non plus à utiliser avantageusement les éclairages disponibles en vous déplaçant autour de votre sujet jusqu’à trouver le meilleur angle. Pour l’image ci-dessous, à 85 mm et f/1.8, monter la sensibilité ISO à 800 (au lieu de 400) a permis de shooter à 1/160 ème de sec. et ainsi garantir une netteté parfaite. Les sources de lumière disponibles sur le côté gauche et à l’arrière-plan ont aidé à éclairer le visage de la jeune fille.

Photo (C) Arnaud Pincemin

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Quelles sont les astuces pour réussir vos photos en basse lumière

Maintenant que nous avons revu les réglages de base pour obtenir une exposition correcte, je vais vous présenter quelques conseils et astuces pour obtenir de parfaites photos en basse lumière.

Choix du mode de mesure de lumière

Attention au mode de mesure de lumière que vous utilisez (en savoir plus). Lors d’un spectacle par exemple, le sujet est souvent très fortement éclairé et le reste de la scène très sombre. La mesure matricielle a tendance à exposer pour l’ensemble de l’image. Si le sujet est petit et clair sur un fond sombre il sera surexposé. S’il est petit et sombre sur un fond clair il sera sous-exposé.

Pour remédier au problème, il faut soit corriger l’exposition de plusieurs Ev, soit enclencher la mesure spot (plus délicate à utiliser) en mesurant la lumière sur le sujet principal.

Nikon D750 + Nikon AF-S 24-70mm f/2.8
66mm – 1/200sec. – f/2.8 – 2200 ISO – mesure spot

La stabilité du boîtier

Lorsque vous déclenchez, le moindre petit mouvement peut introduire un flou de bougé. C’est pourquoi vous devez utiliser un temps de pose le plus court possible. Si vous ne pouvez pas utiliser un temps de pose suffisamment court, il faut penser à stabiliser au maximum votre boîtier. Vous avez la possibilité d’utiliser un trépied ou un monopode ? Ne vous en privez pas ! Vous pourrez alors utiliser un temps de pose plus long. Mais toutes les circonstances ne permettent pas d’utiliser un trépied.

La prise en main de votre boîtier est importante : vous devez le serrer fermement. Vous pouvez aussi reposer vos coudes contre votre torse afin de vous stabiliser plus. N’hésitez pas non plus à vous appuyer contre un mur ou une rambarde. Cela vous aidera à moins bouger. Au moment de déclencher, pressez doucement le déclencheur pour ne pas trop bouger.

Utilisez avantageusement les sources de lumières

Basse lumière signifie que l’éclairage est faible, mais pas inexistant. Ainsi, n’hésitez pas à intégrer au maximum les sources de lumière disponibles. Sur l’image ci-dessous, j’ai choisi d’allumer la lampe située au-dessus du potier afin d’éclairer la scène, même si l’idée est de mettre en avant l’artisan. Sans cette lampe, la quantité de lumière n’était pas suffisante pour obtenir un temps de pose court et avoir une photo nette. Grâce à cette source lumineuse supplémentaire, j’ai pu utiliser un temps de pose plus court.

disposition de la lampe au dessus du sujet

image réalisée

Photos (C) Arnaud Pincemin

Dans certains cas, si les conditions d’éclairage sont vraiment très faibles, vous utiliserez le flash intégré à votre appareil photo. Vous pourrez alors avoir un temps de pose court et obtenir une photo nette. Cependant les couleurs seront dénaturées à cause de cet éclairage artificiel. Essayez donc au maximum d’éviter cette solution de secours.

Le réglage ISO Auto

L’ISO auto peut être vu comme un mode ‘pour débutant‘ jusqu’au jour où à la suite d’une prise de vue en intérieur en ISO manuel, vous oubliez de modifier les ISO en fin de séance et vous vous retrouvez à faire des photos en plein soleil à 6.400 ISO.

Comment régler l’ISO Auto ?

accès au réglage ISO Auto dans le menu Prise de Vue

Réglez l’ISO sur le boîtier sur la plus basse valeur souhaitée (400 ISO par exemple).

Estimez ensuite le temps de pose minimum en fonction des mouvements du sujet et de la focale ou des conditions de prise de vue. Entrez cette valeur dans le menu ISO Auto (exemple 1/320 ème de sec.)

Réglez la valeur ISO maximale acceptable selon vos goûts et les performances de votre boîtier (par exemple 3.200 ISO).

Quand vous faites des photos choisissez une ouverture suffisante pour que la profondeur de champ couvre le sujet (par exemple f/4 pour un portrait serré) et laissez le boîtier faire le reste.

Une fois le principe de fonctionnement du réglage ISO auto compris, vous allez réaliser que c’est une assistance idéale pour disposer du plus bas réglage ISO possible en fonction de la lumière tout en vous assurant que le temps de pose ne descend pas en-dessous du minimum spécifié. Sur une même prise de vue par exemple, il est possible de passer de 200 à 6.400 ISO en fonction des conditions d’éclairage.

Nikon D850 + Nikon AF-S 24-70mm f/2.8
70 mm – 1/100sec. – f/2.8 – 12.800 ISO

S’il y a beaucoup de lumière, le boîtier va choisir une sensibilité ISO peu élevée. Plus la lumière va augmenter plus le boîtier va réduire le temps de pose à sensibilité inchangée.

Si par contre la lumière baisse, le temps de pose va augmenter jusqu’à la valeur limite indiquée (et donc la vitesse affichée diminue) et si cela ne suffit toujours pas, le boîtier va augmenter la sensibilité ISO de façon progressive pour maintenir un équilibre cohérent entre temps de pose et sensibilité (à ouverture égale).

Prenez soin de ne pas trop fermer le diaphragme en ISO Auto (par exemple f/22) car l’automatisme va chercher à compenser en augmentant la sensibilité. Vos photos seront faites à hauts ISO alors qu’il y a suffisamment de lumière dans l’absolu pour éviter cette montée en sensibilité (et l’apparition du bruit qui va avec).

De même, ISO auto et flash ne font pas bon ménage. Sur certains Nikon, la sensibilité est figée lorsque vous activez le flash (intégré ou cobra), c’est la valeur choisie manuellement (via la touche ISO) qui est prise en compte.

Comment faire des photos nettes en basse lumière ?

Avec un objectif lumineux (par exemple f/1.8 ou f/2.8), l’autofocus reste utilisable avec un minimum de lumière car la mesure est toujours faite à pleine ouverture quel que soit le réglage d’ouverture choisi. Les modules AF récents sont capables de fonctionner à -6 Il, soit une ambiance très sombre. Par contre la faible profondeur de champ (PdC) induite par cette grande ouverture rend le réglage plus complexe.

Sur un hybride, enclenchez le mode AF faible lumière.

Sur un reflex, pour faciliter le travail de l’AF en basse lumière il est préférable d’utiliser un des collimateurs AF centraux (en croix), ils sont plus précis que les collimateurs latéraux.

Nikon D750 + Nikon AF-S 70-200 mm f/2.8
160 mm – 1/640sec. – f/28 – 6400 ISO & correction -1Ev

Si la lumière est vraiment basse, ou si votre autofocus a du mal à assurer la mise au point, passez en mode de mise au point manuelle et tournez la bague de mise au point. Ce sera plus rapide et précis et cela vous évitera les effets de pompage (hésitations de l’autofocus).

Si votre objectif est stabilisé, enclenchez la stabilisation pour gagner 4 à 5 Ev. Ceci évite la montée en ISO et les temps de pose trop élevés. Attention toutefois à ne pas enclencher la stabilisation si vous faites des photos de nuit sur trépied, cela perturbe le fonctionnement de l’objectif.

Si vous utilisez un convertisseur de focale x 1.4 ou x 2, assurez-vous qu’il ne limite pas le fonctionnement de l’autofocus en modifiant la valeur maximale d’ouverture. L’autofocus Nikon fonctionne jusqu’à f/8 sur la plupart des boîtiers, si votre objectif ouvre à f/8 et que vous utilisez un doubleur alors tenez compte de la modification d’ouverture qu’il induit (par exemple f/16) et qui bloque l’autofocus.

Les possibilités offertes par le post-traitement

Si vous avez l’habitude de traiter vos images après la prise de vue, alors vous pourrez profiter de nombreux avantages non négligeables. Mais pour cela je vous recommande de travailler avec des fichiers RAW.

Le fichier RAW vous permet d’accéder à toutes les informations enregistrées par le capteur au moment de la prise de vue. Ainsi, si certaines données semblent perdues quand vous regardez un fichier JPG, avec un fichier RAW vous allez pouvoir récupérer toutes les informations.

En basse lumière, n’hésitez pas à sous-exposer vos images pour avoir un temps de pose plus court et donc une netteté parfaite. Par la suite, le post-traitement permettra de corriger l’exposition et de retrouver les détails perdus.

Vous pouvez corriger l’exposition à la prise de vue (1 Ev par exemple) pour exposer à droite (voir Comment régler l’exposition) afin d’éviter au mieux l’apparition de bruit sur vos images. Il vaut mieux avoir une légère surexposition que l’inverse, ce sera plus facile à traiter lors du post-traitement.

Prenez soin toutefois de vérifier que vous ne brûlez pas les hautes lumières en observant l’histogramme sur l’écran arrière de votre boîtier ou le viseur de votre hybride.

Sur cette image, j’ai volontairement sous-exposé la scène pour avoir un temps de pose assez court et obtenir une image nette. Les conditions d’éclairage étant très faibles, j’ai choisi d’utiliser une sensibilité de 800 ISO plutôt que de monter plus haut. Mais l’image est maintenant assez sombre. Grâce au post-traitement, je vais pouvoir exposer correctement la scène photographiée et récupérer des informations qui semblaient perdues.

image brute de capteur

image avec exposition récupérée au post-traitement (C) Arnaud Pincemin

Le post-traitement permet une réduction de bruit assez spectaculaire. Cette fonction peut vous permettre de monter très haut en sensibilité ISO sans pour autant avoir une image finale trop bruitée. Voici un exemple d’une image faite à 6.400 ISO.

Sur un affichage global de l’image, le bruit n’est pas très visible. Mais si l’on zoome à 100%, on voit toute l’efficacité de la correction de bruit.

image non traitée

image traitée avec réduction de bruit (C) Arnaud Pincemin

Ainsi, vous pouvez utiliser des sensibilités ISO élevées au moment de la prise de vue pour obtenir une bonne exposition tout en réduisant par la suite le bruit grâce à un logiciel adapté comme DxO PureRAW.

En conclusion : réussir vos photos en basse lumière c’est possible !

En utilisant des réglages adaptés à votre boîtier et à votre sujet, vous pouvez réaliser des photos de bonne qualité quand il y a peu de lumière. Les boîtiers récents délivrent des images dont le niveau de bruit est très faible jusqu’à 3.200 ISO et gérable en post-traitement jusqu’à 25.600 ISO. Une autre bonne raison d’oser photographier en basse lumière !

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Pour un photographe, être présent sur les réseaux sociaux semble un moyen simple de montrer ses images et de se faire connaître. Mais ne vous y trompez pas : ce n’est plus le cas. C’est un moyen de faire des découvertes, des rencontres et de nouer des liens avec d’autres photographes comme des clients plus que d’assurer la promotion de vos photos.

Ne perdez pas votre temps à chercher à avoir le plus possible de fans et de Likes, passez plutôt ce temps à interagir avec votre réseau pour développer votre marque. Je vous explique pourquoi, les tenants et aboutissants dans ce dossier.

Dans cet article mis à jour depuis sa publication pour tenir compte des évolutions des réseaux sociaux, j’aborde le sujet de manière globale avant de vous livrer des conseils pratiques pour utiliser Instagram, Facebook, Twitter et Tumblr. Découvrez pourquoi et comment utiliser lequel de ces réseaux, avec quelles limites.

Réseaux sociaux pour les photographes : des outils de gestion de la relation avant tout

Fréquentés par la plupart des internautes français, de tous âges et de tous milieux, les réseaux sociaux ont su prendre une place prépondérante dans nos vies ces dernières années. Trop d’ailleurs, au point de devenir le point de chute unique et permanent de certains utilisateurs qui sont inondés de messages d’influenceurs payés par les marques, ne savent plus consulter des contenus longs et se faire leur propre avis sur les sujets qui les concernent.

Toutefois, en attendant qu’un nouvel eldorado se présente, les réseaux sociaux restent des outils simples pour entrer en contact avec des personnes que vous ne pourriez jamais contacter autrement, pour échanger avec vos contacts (et prospects si vous avez quelque chose à vendre), pour créer du lien.

Les photographes maîtrisant les échanges sociaux sur les réseaux voient le nombre de leurs contacts et les opportunités de rencontres augmenter. Les réseaux sociaux, qui ne servent plus à générer des visites sur votre site ou à vendre en direct, restent par contre des outils de messagerie efficaces.

Instagram : le réseau qui n’aime plus les photographes

mon compte Instagram @JCDichant

Si vous devez faire un choix et ne gérer qu’un seul réseau social, c’est Instagram qu’il fallait choisir. « Fallait » car ce n’est plus vrai. Né application de partage de photos, Instagram est devenu le réseau social de référence pour les photographes, avant que la vidéo ne fasse son apparition en envahissant les écrans.

Difficile d’échapper aux courtes vidéos, les « Reels », entre deux pubs. Les photos fixes ne sont plus mises en avant comme c’était le cas avant, et bien qu’Instagram persiste à dire que « non, ce n’est pas vrai, nous aimons toujours les photographes », l’appât du gain pousse le réseau à mettre en avant les vidéos en vous disant que « c’est bien pour vous ».

C’est d’autant plus dommage que l’application Instagram n’impose plus le format carré, vous pouvez publier des photos en mode portrait ou paysage, faites avec votre smartphone comme votre appareil photo. Les utilisateurs de Lightroom Mobile le savent bien, il n’a jamais été aussi simple de poster une photo depuis le catalogue sur Instagram, en ajoutant le cas échéant une bordure afin de respecter le format initiale de la photo.

Vos photos n’étant plus vues, il vous reste les Stories, ces publications d’une durée de vie de 24 heures, une belle façon de partager avec vos contacts votre pratique, vos séances, vos découvertes, votre quotidien de photographe.

Sachez enfin que votre compte Instagram est devenu votre carte de visite, vous ne dites plus « voici mon 06 » mais « voici mon @Instagram ». Ce qui vous permet ensuite d’échanger via la messagerie privée avec quiconque accepte de vous parler.

Retenez ceci : la messagerie privée Instagram est LE point fort de ce réseau désormais.

C’est un moyen efficace et pertinent de converser, de partager des infos, des liens, d’intéresser les autres à ce que vous faites. L’algorithme d’Instagram étant ce qu’il est, plus vous échangez avec vos contacts, plus ceux-ci sont censés voir vos publications, c’est toujours ça de pris.

En résumé, Instagram pour les photographes est un outil d’échange de personne à personne, abusez de ces possibilités, vous allez vite voir que cela peut vous apporter des contacts qualifiés.

Facebook : une autre population et beaucoup de dispersion

ma page Facebook Jean-Christophe Dichant Photographe

Facebook occupait une place prépondérante dans l’univers des réseaux sociaux avant d’être détrôné par Instagram. Réseau autrefois le plus fréquenté au monde et en Europe en particulier, c’était le second site le plus visité après Google. Les choses ont changé, les utilisateurs de Facebook vieillissent, les plus jeunes n’y sont pas ou plus.

Facebook peut toutefois constituer encore une opportunité selon les contacts que vous ciblez. S’il ne s’agit pas des plus jeunes, vous avez vos chances. S’il s’agit des plus âgés, c’est le réseau idéal, certains utilisateurs n’ouvrant aucun autre site de la journée, persuadés que Facebook = Internet.

Parfois adulé, souvent décrié, Facebook a beaucoup perdu en pertinence. Vos contacts sont inondés de publications sur divers sujets, de publicités, de vidéos, vos photos ne sont pas mises en évidence.

Gérer une page Facebook pour montrer vos photos et présenter vos activités est donc un choix à faire après mûre réflexion, mais peut constituer encore un bon moyen d’intéresser les gens si vous savez animer votre communauté.

Twitter : le début de la fin avant une possible renaissance sous une autre forme

mon compte Twitter @JCDichant

Twitter ou comment défrayer la chronique au quotidien. Inutile de vous rappeler les excès de certains utilisateurs de ce réseau, sa reprise chaotique par Elon Musk, les changements permanents de règles, la fermeture progressive de l’accès à toutes les applications tierces.

Twitter est-il encore un réseau social pour les photographes ? Oui, et non.

Oui car il permet, comme Instagram, d’entrer en contact facilement avec la Terre entière. Une simple demande de mise en relation, et si la personne accepte vous avez possibilité d’échanger des messages en mode privé. Idéal pour toutes les bonnes raisons citées à propos de la messagerie Instagram.

Non car Twitter ne vous permet plus de mettre en avant vos publications comme c’était le cas les premières années. L’algorithme fait son travail, et même si vos publications apparaissent bien en ligne, observez les statistiques de votre compte et vous verrez que la portée est insignifiante. Ne cherchez donc plus à utiliser Twitter pour faire connaître vos photos, ce ne sera pas le cas.

Twitter pourrait renaître sous l’impulsion d’Elon Musk qui veut en faire une super application, une sorte de WeChat à l’américaine, ce qui n’existe pas encore aux États-Unis. Cette super application, qui serait nommée X, proposerait alors de multiples services, dont le traitement des paiements et des transactions financières, devenant ainsi une plateforme de commerce et de communication en ligne autonome et globale englobant de nombreux aspects de la vie personnelle et commerciale.

Si c’est le cas, Twitter pourra intéresser les photographes désireux de proposer des services étendus à leurs clients, dont les paiements en ligne. Reste à savoir si Twitter deviendra cette super application ou non, et quand.

D’ici là ce n’est pas le réseau à privilégier sauf si la plupart de vos contacts y sont encore présents, puisque selon la règle bien établie, vous devez être là où sont vos clients car eux ne changeront pas de place pour vous retrouver ailleurs.

Tumblr : un micro-blog et un réseau à la fois

mon compte Tumblr JCDichant

Tumblr n’est pas tout à fait un réseau social, il s’agit plutôt d’un media de publication qui vous permet de disposer d’un espace personnel en ligne. Vous pouvez lui donner un look de blog sans en subir les inconvénients (la gestion d’un blog est plus lourde) ni bénéficier des avantages (contrôle des contenus par exemple). Regardez l’excellent Tumblr « Journal d’un photographe » d’Alain Keller, c’est un modèle du genre.

Tumblr est donc plus un media qu’un réseau social. Les échanges y sont moins nombreux, vos contacts se contentant dans le meilleur des cas de partager sur leur compte vos publications.

Tumblr peut vous intéresser si vous voulez montrer vos photos et courtes vidéos, ajouter quelques notes d’accompagnement sans pour autant créer un blog. Un compte Tumblr est consultable depuis un navigateur web comme un smartphone et poster une photo y est aussi rapide que sur les réseaux sociaux.

Quel réseau social choisir quand on est photographe ?

La première question à vous poser est : qu’est-ce que je veux faire ?

• si votre intention est de générer des contacts , privilégiez un compte Instagram,
• si vous cherchez à améliorer votre présence en ligne, dans les moteurs de recherche, choisissez Instagram ou Facebook selon l’âge des personnes que vous voulez toucher,
• si vous souhaitez disposer d’une solution de publication web simple et gratuite, optez pour Tumblr,
• si vous voulez un peu de tout ça, choisissez … l’ensemble,
• si vous ne voulez rien de tout ça, choisissez … un blog personnel qui n’a rien à voir avec les réseaux sociaux mais sur lequel vous serez chez vous sans contrainte ni algorithme.

Vous rêvez de pratiquer la photo de portrait en studio depuis la prise de vue jusqu’au traitement des images ? Vous avez envie d’essayer sans trop investir ? Vous voulez comprendre de quoi il en retourne ? Voici une formation à la photo de portrait en studio entièrement gratuite ! Au programme, 4 épisodes lors desquels Julien Pons, photographe et formateur, vous présente tout ce qu’il vous faut savoir.

Si vous connaissez déjà nos différents tutoriels vidéo sur le traitement d’image, vous devez connaître Julien Pons. Julien a produit de nombreux tutoriels sur Lightroom et Photoshop (vous pouvez les voir ici). Cette fois il vous propose d’aller bien plus loin puisqu’il vous invite à suivre l’intégralité d’une séance de portrait en studio avec modèles.

La première vidéo de cette formation que nous vous proposons de suivre gratuitement en ligne adresse en 15 minutes les problématiques techniques : choix du matériel, du format de fichier à la prise de vue, des optiques et des réglages du boîtier.

Vous découvrirez également les accessoires de studio utilisés (boîtes à lumière et réflecteurs par exemple) et le type de lumière (qualité, quantité).

Pour suivre la première partie de cette formation, cliquez sur la flèche du lecteur ci-dessous. Il est possible qu’il vous faille attendre quelques secondes ou dizaines de secondes (selon votre connexion) pour que la vidéo se lance. Patientez pendant que le trait blanc tourne … Ensuite vous pouvez l’agrandir en plein écran pour profiter au mieux des explications et visualiser l’écran du formateur.

Pour suivre les trois autres vidéos, il vous suffit de vous connecter gratuitement sur le site tuto.com et de dérouler la liste des épisodes en haut à droite de chaque vidéo :

Ce tutoriel est proposé par tuto.com qui vous donne accès à plus de 2500 tutoriels photo et que nous avons sélectionné pour la qualité de ses publications. Comme pour les autres tutoriels gratuits, vous pouvez lire la vidéo à l’aide de l’écran ci-dessus. De même il vous suffit de créer gratuitement un compte sur tuto.com pour accéder à l’ensemble des tutoriels photo gratuits, plus de 2500 actuellement.

En complément, tuto.com vous propose des formations vidéos de plus longue durée, accessibles après achat de crédits que vous pouvez utiliser comme bon vous semble.

Suivez le lien pour créer un compte gratuit et accéder aux tutoriels vidéos gratuits sur Photoshop, Lightroom, Capture NX2 et autres logiciels. Une fois le compte créé, vous trouverez tous les tutos gratuits sur le site, l’achat de crédits en option permet d’accéder aux formations de plus longue durée. Ce n’est pas une obligation.

Sans doute l’un des styles les plus répandus, la photographie de paysage est pratiquée par tous les photographes amateurs et professionnels, ne serait-ce que pour immortaliser de belles vacances. Mais la photographie de paysage est un style qui possède ses propres caractéristiques. Le matériel utilisé, les réglages de prise de vue ainsi que la composition doivent être adaptés afin de réussir à coup sûr vos photos de paysage. Voici un tour d’horizon des principes de base à avoir en tête pour ne pas être déçu par la qualité de vos images.

Pratiquer la photo nature et de paysage est une activité à la portée de tout le monde. Nous sommes tous à un moment ou à un autre en situation de faire de telles photos, mais certains sont parfois un peu perdus dans les réglages et ratent de belles occasions. En complément à notre série de 23 conseils pour faire de meilleures photos nature, voici un tutoriel dédié au paysage.

Quel matériel utiliser pour la photo de paysage

En général, l’idée qui se cache derrière une photo de paysage est de retranscrire l’ambiance d’un lieu, ses couleurs et son immensité. Pour cela, vous devez utiliser le matériel adapté à ce type de prise de vue.

L’objectif

Pour photographier un paysage dans son ensemble, il est souvent impératif d’utiliser un objectif grand-angle, voire ultra grand-angle. Cela vous permettra alors d’avoir une focale très courte, pour englober tout le panorama que vous avez sous les yeux. Privilégiez les objectifs qui disposent d’une focale équivalente à 24mm en plein format, soit environ 17mm pour des APS-C ou DX.

Si vous avez un objectif avec une focale encore plus courte, n’hésitez pas à l’emporter également. Attention cependant car en-dessous de 17mm, la distorsion sur l’image pourra dénaturer les proportions de votre image. Mais ne pensez pas forcément qu’un paysage se photographie obligatoirement au grand-angle. Vous pouvez également utiliser une focale plus longue afin de zoomer sur un élément du paysage. Une focale supérieure à 70mm pourra s’avérer utile pour mettre en avant une zone lointaine du paysage.

Les focales fixes

Les objectifs à focale fixe sont très réputés pour leur piqué. Mais cela vous forcera à vous déplacer pour obtenir le cadrage idéal. Or dans la nature, on ne peut pas toujours aller où l’on veut. Ainsi, un objectif avec une plage focale plus large (par exemple un 17-50mm) vous permettra de varier les plans sans avoir à vous déplacer. Découvrez également pourquoi vous devriez utiliser une focale fixe régulièrement.

Les filtres

Les filtres peuvent également améliorer significativement la qualité de vos images, notamment si vous ne travaillez pas ou peu vos images en post-traitement. Un filtre polarisant vous permettra par exemple de rendre les couleurs plus éclatantes. Vous pouvez également utiliser un filtre dégradé gris neutre, pour équilibrer l’exposition sur l’ensemble du paysage.

Les trépieds

Pour bénéficier d’une importante profondeur de champ, ce que l’on cherche souvent en photographie de paysage, vous devrez utiliser une faible ouverture, et donc une vitesse relativement lente. Vous pourrez alors avoir besoin d’un trépied pour assurer une bonne exposition. De plus, le trépied vous permettra de soigner le cadrage, et également d’attendre que la lumière soit idéale pour déclencher, sans vous fatiguer les bras.

Votre équipement personnel

Pour vos randonnées dans la nature, n’oubliez de vous équiper correctement : chaussures de marche et sac à dos confortables sont de rigueur. Vous pourrez être amenés à marcher longtemps pour trouver les meilleurs endroits où faire vos photos. Prenez également de quoi vous désaltérer, car l’attente peut être longue.
Enfin, n’oubliez pas vos cartes mémoires, vos batteries, et le pare-soleil de votre objectif.

Quels réglages choisir pour la photo de paysage

Comme pour chaque type de photographie, les réglages de prise de vue ont une importance cruciale dans le rendu final de vos images. Voici donc les principales recommandations.

La profondeur de champ

Utilisez une faible ouverture pour maximiser la profondeur de champ. Vous pouvez vérifier également à quelle ouverture votre objectif aura le meilleur piqué. Bien souvent c’est entre f/8 et f/11 mais cela dépend de votre objectif. Vous n’êtes donc obligé d’aller jusqu’à f/22, d’autant que la profondeur de champ sera déjà très grande à des valeurs comme f/9 ou f/11.

Choisissez de préférence le mode Priorité ouverture et réglez l’ouverture autour de f/11. L’appareil adaptera tout seul la vitesse pour que l’exposition soit correcte. Si vous êtes sur trépied, une vitesse lente n’entraînera pas de flou de bougé. Si vous n’avez pas de trépied, vérifiez que la valeur de la vitesse assurera une bonne netteté.

Pour maximiser la profondeur de champ de votre image, faite votre mise au point à l’hyperfocale, ce qui vous permettra d’obtenir une image nette sur tous les plans. Pour cela, sachez que la zone de netteté est deux fois plus longue derrière la zone de mise au point que devant. Ainsi, faites votre mise au point au premier tiers de votre image.

La mesure d’exposition

Pour la mesure d’exposition, vous pouvez choisir le mode Mesure matricielle pour mesurer l’exposition sur l’ensemble de la scène, si vous photographiez un paysage très large. Vous pouvez sinon choisir le mode Mesure spot qui mesure l’exposition sur une seule zone, lorsque par exemple le sujet est concentré sur une petite partie de l’image. Selon le sujet de la scène, privilégiez l’un ou l’autre.

Comment composer une photo de paysage

En photo de paysage, le sujet semble souvent limité car l’idée est plutôt de retranscrire l’ambiance d’un endroit. Il faut donc veiller à réaliser une excellente composition pour que l’image ne soit pas dépourvue d’intérêt. Pour cela, vous devez appliquer certaines règles simples.

La règle des tiers

La règle des tiers est un des principes de base en photographie, et pour le paysage elle s’applique également. Vous devez donc garder en tête les lignes de tiers et les points d’intersection, afin de placer un élément qui retiendra l’attention du lecteur sur un de ces points.

les traits blancs matérialisent les lignes des tiers dans l’image

Utilisez au maximum les lignes que le paysage vous offre. Les lignes convergentes sont un excellent moyen de guider la lecture d’une photo.

Pour que votre image soit dynamique, vous devez jouer sur plusieurs plans de la scène, et pas uniquement sur un fond. Composez donc votre image avec un premier plan, un second plan et un arrière-plan.

Exploitez les éléments qui sont sous vos yeux, comme les ponts, les arbres, afin d’introduire votre sujet dans un cadre naturel.

Les angles originaux

Cherchez des angles originaux pour donner plus de caractère à votre image. N’hésitez pas à vous rapprocher du sol par exemple. Tournez autour de votre sujet pour trouver le meilleur angle de vue.

Essayez d’introduire un élément qui permettra de mesurer l’immensité du paysage. Il peut s’agir d’un personnage, d’un arbre ou d’une route qui servira de repère de taille.

Quelques astuces pour réussir vos photos de paysage

Voici quelques astuces qui vous permettront de ne pas être déçu par vos photos de paysage. Utilisez au mieux la lumière pour qu’elle sublime votre paysage. Les meilleures heures pour obtenir de belles lumières et donc de belles couleurs sont au lever et au coucher du soleil. Selon les saisons l’heure change, mais vous devrez sans doute vous lever tôt ou vous coucher tard pour obtenir les meilleures images.

Repérez les lieux et n’hésitez pas à revenir lorsque la lumière sera idéale. Le travail d’un photographe de paysage passe également par une phase de repérage.

Ne privilégiez pas les ciels bleus uniformes. Vos images seront plates et la lumière ne sera pas idéale. Un ciel nuageux donne toujours des images plus dynamiques et plus denses. Les évènements climatiques sont excellents pour la photo de paysage. Ils donnent une atmosphère particulière. La pluie, le brouillard ou les orages vous permettront d’obtenir des images saisissantes.

Dans certains cas, vous pouvez opter pour une composition plus minimaliste, en centrant le sujet par exemple. Cela pourra donner une impression d’isolement et d’immensité. Enfin, le noir et blanc se prête souvent très bien à la photo de paysage. N’hésitez pas à essayer une conversion noir et blanc pour voir le résultat.

Et maintenant, à vous !

Pour réussir vos photos de paysage, il faut commencer par en faire ! Et pour cela, inutile de chercher bien loin : vous pouvez vous entraîner autour de chez vous, lors d’un week-end ou d’une balade. Multipliez les prises de vues et sélectionnez vos meilleures images. Et recommencez !

QUESTION : Quel est le principal problème que vous rencontrez en photo de paysage ? Laissez un commentaire avec quelques détails et nous vous aidons !

Le Prix Picto de la jeune photographie de mode 2014, c’est parti ! L’appel à candidature est ouvert et vous pouvez donc postuler pour tenter de remporter un des prix parmi les plus en vus actuellement dans le secteur de la mode pour les jeunes photographes.

Le Prix Picto récompense chaque année depuis 1998 un jeune photographe de mode choisi par un jury composé de personnalités de la création, de la mode, de la photo, de la presse et des institutions. Le lauréat voit son travail exposé à la suite et reçoit généralement les honneurs de la presse et de la profession comme ce fût le cas en 2013 pour Tingting Wang. Parmi les participants en 2013, notons également la présence de Julie de Waroquier ou de Nadia Wicker que nous avions reçue sur notre stand au Salon de la Photo.

Revivez la remise du Prix Picto 2013 en images :

http://youtu.be/sguAH6eqOK8

Comme pour les précédentes éditions du Prix Picto, il vous faut déposer un dossier pour officialiser votre candidature. Pour cela, vous devez :

• avoir moins de 35 ans
• proposer une sélection cohérente et représentative de votre travail – tirage N&B ou couleur – format minimum 18 x 24 cm – 10 images minimum
• remettre impérativement un portfolio papier anonyme de la série ou de la sélection
• remplir le formulaire de candidature
• envoyer un CD comprenant les images du portfolio présenté en basse définition + 2 images en haute définition + une biographie et votre parcours de photographe

Le dossier est à déposer avant la date limite fixée au mercredi 19 novembre 2014 à 18 h à PICTO BASTILLE – 53 bis, rue de la Roquette – 75011 Paris.

La liste des candidats présélectionnés sera mise en ligne sur le site www.picto.fr le lundi 24 novembre 2014.

Vous voulez en savoir plus ? Rendez-vous sur le site du Prix Picto.

Le sac à dos photo Manfrotto Travel Backpack répond aux besoins des photographes qui veulent transporter tout à la fois leur matériel photo et leurs effets personnels. Il peut de plus servir de sac à dos traditionnel, vous évitant ainsi de devoir investir dans plusieurs sacs.

Pour un photographe, le choix du sac photo est un des plus complexes qui soit ! Entre sacs d’épaules, sacs à dos, sacs slingshot, sac photo à carrousel et sacoches, le choix est vaste et pourtant nous éprouvons souvent la plus grande des difficultés à trouver LE bon sac. La solution est d’en avoir plusieurs pour répondre aux différents besoins auxquels vous êtes confrontés. Ces dames ne nous contrediront pas !

Néanmoins pouvoir disposer d’un sac le plus polyvalent possible permet de couvrir la plupart des besoins sans devoir investir inutilement. C’est ce que Manfrotto a voulu proposer avec ce sac Travel Backpack. Il s’agit d’un sac à dos dont la particularité est de pouvoir être modifiable selon vos besoins.

Le compartiment inférieur du sac peut contenir votre reflex équipé d’un zoom de bonne taille (par exemple Nikon 70-200mm). La partie supérieure abrite vos effets personnels. Vous n’utilisez pas votre matériel photo ? Modifiez la cloison intérieure et le sac s’agrandit d’autant pour devenir un sac à dos classique.

Le Travel Backpack vous permet de plus d’emporter avec vous un trépied jusqu’à 40cm dans la poche latérale extensible. Si vous préférez le fixer à l’extérieur du sac, utilisez les sangles de maintien disposées à l’avant du sac.

Vous voulez accéder à votre boîtier rapidement ? Le sac s’ouvre sur le côté pour libérer encore plus vite votre reflex. C’est en effet un des points négatifs des sacs à dos photo, il faut souvent les poser pour sortir le boîtier, ce qui rend l’accès moins aisé.

Au final voici un sac très polyvalent qui devrait vous permettre de voyager avec votre matériel photo et vos affaires personnelles sans trop vous poser de questions. Et comme il peut se transformer en sac classique, vous l’utiliserez d’autant plus pendant l’année pour amortir l’investissement qui reste raisonnable pour le niveau de qualité proposé (compter environ 150 euros).

Vous pouvez vous procurer le sac à dos Manfrotto Travel Backpack chez les revendeurs de la marque ainsi que chez :

• Miss Numerique : sacs photo Manfrotto
• Amazon : tous les sacs à dos photo Manfrotto

Source : Manfrotto

Photoshop est le logiciel préféré des photographes et graphistes qui veulent pratiquer la retouche photo avancée. Standard parmi les standards, Photoshop est excessivement performant, complet et … complexe.

Si vous débutez en retouche d’image, vous avez probablement déjà compris que Photoshop nécessite un apprentissage conséquent pour pouvoir être utilisé efficacement. Après les tutoriels Lightroom, voici 11 tutoriels vidéos gratuits sur Photoshop, en français, pour développer votre connaissance.

1. Faites exploser les détails de vos photos !

Apprenez à utiliser Photoshop pour donner à vos images  le niveau de détail qu’elles méritent. Les capteurs numériques produisent parfois des images qui manquent un peu de netteté et de précision. Ce tutoriel vous montre comment les retrouver.

2. Comment améliorer la netteté des images

Si vous trouvez que vos photos manquent de netteté, de détail, vous pouvez aussi utiliser la méthode présentée dans ce tutoriel pour retrouver le rendu espéré. Photoshop a cet avantage qu’il permet d’utiliser différents outils pour arriver au même résultat, à vous de choisir.

3. Comment utiliser les outils de sélection de Photoshop

Les plus débutants de nos lecteurs ont toujours du mal avec l’outil sélection. Voici comment bien l’utiliser ! Et les plus experts y trouveront probablement quelques astuces qu’ils ne connaissent pas !

4. Comment blanchir les dents en 2mn chrono !

Photoshop est l’outil idéal pour retoucher vos portraits. Et parmi les retouches habituelles, celle qui consiste à blanchir les dents de votre modèle est fréquente. Il existe plein d’autres méthodes pour arriver au même résultat, mais celle-ci est particulièrement rapide et efficace.

5. Créer un portrait contrasté et désaturé avec Photoshop

Donner un rendu particulier à vos portraits vous permet de préciser votre style, d’éviter les images plus classiques. Voici comment travailler vos photos pour leur apporter ce look un peu désaturé et contrasté qui rencontre un certain succès.

6. Comment détourer des cheveux très proprement – méthode des couches

Photoshop dispose de nombreux outils pour faire du détourage. Vous pouvez ainsi ajouter un fond à une photo, extraire un personnage pour le coller sur une autre photo, etc. Voici comment procéder en utilisant la méthode des couches.

7. Détourer un personnage avec l’outil Extraire

Tous les chemins .. outils mènent au détourage ! Voici une seconde méthode de détourage utilisant l’outil Extraire pour isoler une zone de l’image et l’utiliser dans une autre.

8. Créer un effet de Bokeh en arrière-plan

Le bokeh est cet effet obtenu en ouvrant le diaphragme à sa plus grande valeur de façon à obtenir un joli flou d’arrière-plan. Sans égaler le bokeh naturel obtenu à la prise de vue, cette méthode vous permet de créer un effet bokeh artificiel qui donnera un nouvel aspect à vos photos.

9. Comment mettre de la couleur dans une photo noir et blanc ?

Vous appréciez ces images en noir et blanc dans lesquelles seule une zone particulière reste en couleur ? Voici comment procéder pour isoler une zone de la photo, la garder en couleur tout en convertissant le reste de l’image en noir et blanc.

10. Retouche de peau avec Split Frequency et Dodge & Burn

Découvrez ce qu’est le Dodge & Burn, méthode de traitement d’image qui va vous permettre de donner à vos portraits un rendu professionnel ! Ce tutoriel très détaillé dure 28 minutes !

11. Paysage urbain, l’atelier créatif – 1h de vidéo 10 chapitres

Tout ce que vous avez toujours voulu savoir sur le traitement d’image en photographie urbaine. Plus qu’un simple tutoriel, il s’agit ici d’une formation d’une durée d’une heure en dix chapitres !

A vous ! Quels sont les problèmes principaux que vous rencontrez avec Photoshop et le traitement d’images ?

La saison macrophotographique bat son plein. Elle engendre sur notre forum photo des discussions passionnantes et passionnées sur la photo rapprochée et macro, en particulier sur la profondeur de champ, problème épineux incontournable dans ce type de prise de vue.

Chacun sait que, d’une manière générale, la profondeur de champ diminue à mesure que l’on s’approche du sujet. Que se passe-t-il lorsque la distance de travail n’est plus que de quelques centimètres ?

Ce tutoriel vous est proposé par Jacques Croizer.

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Le problème de la profondeur de champ en photo rapprochée

Lorsqu’il observe des photographies d’insectes, de fleurs, ou de tout autre sujet de petite taille, le néophyte est souvent pris d’une légitime interrogation : pourquoi la mouche n’est-elle pas nette sur la totalité de son corps ? Pourquoi les étamines de la fleur sont floues, alors que son pistil ne l’est pas ?

La réponse est implacable : il est tout simplement impossible de faire autrement, si ce n’est en mettant en œuvre la délicate technique du focus stacking qui, pour vaincre les lois de l’optique, empile les plans de netteté sur les sujets immobiles. Au rapport de grandissement 1:1 cher aux macrophotographes, la profondeur de champ n’est nativement que de quelques millimètres : de la nécessité d’attendre que le papillon replie ses ailes !

Photo (C) Jacques Croizer

Comment calculer la profondeur de champ en photo rapprochée et macro

En macrophotographie, on n’utilise pas les habituelles formules de calcul de la profondeur de champ popularisées par les calculateurs en ligne de type dofmaster (en savoir plus). La profondeur de champ (PdC) est uniquement dépendante du diamètre du cercle de confusion c, du diaphragme choisi Ø et du grandissement G, rapport entre la taille de l’image du sujet sur le capteur et ses dimensions dans la vraie vie.

L’endroit où est faite la mise au point coupe en deux parties égales la profondeur de champ. La règle du un tiers devant la mise au point pour un tiers derrière est réservée aux cadrages de type portrait. En paysage, l’essentiel de la profondeur de champ se situe derrière la mise au point.

Profondeur de champ et rapport de grandissement

Certains ne manqueront pas d’être étonnés en constatant que la focale n’intervient pas dans le calcul de la profondeur de champ. Rassurez-vous, elle est bien présente, mais cachée dans le grandissement, comme expliqué dans le tutoriel sur le rapport de grandissement. Les deux tableaux suivants résument la profondeur de champ pour un capteur APS-C et pour un capteur plein format, en fonction du diaphragme et du grandissement  :

Profondeur de champ sur un APS-C (mm)

Profondeur de champ sur un plein format (mm)

Profondeur de champ et cercle de confusion

Nouvel étonnement pour les plus observateurs d’entre vous : dans les précédents tableaux, pour un diaphragme et un grandissement donnés, la profondeur de champ s’avère être plus importante sur un plein format que sur un APS-C … Il faut se souvenir que le grandissement qualifie la taille de l’image sur le capteur.

Un sujet occupant toute la hauteur d’un capteur APS-C (15,4 mm) tiendra dans seulement un peu plus de 60% de celle d’un plein format (24 mm). Pour retrouver la mise en plage plein cadre sur son boîtier plein format, le photographe devra se rapprocher du sujet, jusqu’à atteindre un grossissement supérieur à 1.5, faisant chuter la profondeur de champ en dessous de celle obtenue avec l’APS-C. La morale est sauve :

lorsque l’on parle profondeur de champ, il faut toujours raisonner à cadrage constant, c’est-à-dire à photo identique.

Et le bokeh ?

A en croire le calcul, sur un plein format et pour un grandissement de 1:1, la profondeur de champ sera de 0,7 millimètre à f/5.6 et de 2,6 millimètres à f/22. Point final ? Pas tout à fait, car le diaphragme n’affecte pas seulement la profondeur de champ au sens strict, mais également la transition vers la zone floue. Fermer à f/22 donne subjectivement une sensation de netteté supérieure à 2 mm, car la coupure avec le fond est plus lente.

Mais alors … quid du fameux bokeh, que l’on attend le plus crémeux possible sur toute photo rapprochée et macro digne de ce nom ? Ce n’est plus maintenant la distance de mise au point, mais la proximité entre le fond et le sujet qui entre en ligne de compte : plus le sujet est collé à son environnement et plus le risque augmente en diaphragmant, d’introduire dans le bokeh des éléments parasites qui nuiront à son moelleux.

Ce constat n’est pas réservé à la macrophotographie : nous avons tous un jour ou l’autre expérimenté la difficulté qu’il y a à effacer les plis du drap utilisé en fond de fortune pour monter un studio improvisé : dans la mesure du possible, il faut toujours chercher à éloigner le sujet du fond.

L’objectif inversé

La technique de l’objectif inversé consiste à fixer un objectif tête bêche sur un autre objectif, voire à le monter directement à l’envers sur le boîtier. On obtient ainsi des grandissements importants, pour le prix modique d’une bague d’inversion type BR-3, BR-6, BR-2A and co … Que devient la profondeur de champ ?

Pour en avoir le cœur net, nous avons testé en situation, d’une part un 50 mm inversé sur un plein format, de l’autre le même objectif monté avec des bagues allonge (36+20mm).

Pour que le test soit valide, nous devons réaliser les deux photos avec le même cadrage, donc avec le même rapport de grandissement. Nous avons cherché les distances de mise au point permettant d’avoir un grandissement de 1 :1. Elles sont identiques dans les deux cas : 17,5 cm.

La distance de travail (distance séparant le sujet de la lentille frontale) est de 9 centimètres avec le 50 mm inversé. Elle tombe à seulement 4 cm avec les bagues.

Une fois déterminée la distance de mise au point, l’angle de la prise de vue a été modifié afin de mettre en évidence la profondeur de champ :

Bagues (f/22)

Objectif inversé (f/22)

A f/22, la profondeur de champ théorique est de 2,6 mm. Le plan de visée n’étant pas parallèle au sujet, les graduations apparaissent nettes sur 5 à 6 mm, soit une profondeur de champ de 2,5 à 3 mm pour un angle de 30 degrés. A ce rapport de grandissement, on n’observe pas de réelle différence entre les deux configurations. CQFD !

NB hors sujet : l’objectif inversé fait tomber le contraste, mais ce déficit est aisément rattrapable en post-traitement.

Photo rapprochée et macro : en conclusion

En photo rapprochée et macro, la composition du fond est aussi importante que celle du sujet. Se placer perpendiculairement à ce dernier permet de l’inclure au maximum dans le plan de netteté. Le bokeh ne doit pas lui voler la vedette. A vous de jouer !

Le livre de Jacques chez vous via Amazon

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Le Digital Blending est une technique de traitement d’image qui consiste à combiner plusieurs photos d’une même scène exposées différemment pour obtenir une image résultante satisfaisante. Le Digital Blending n’est pas du HDR malgré les apparences. Découvrez tout ce qu’il vous faut savoir sur cette technique et comment l’appliquer en 30mn et en vidéo.

Si vous vous intéressez un tant soi peu à l’exposition, vous savez que le capteur de votre appareil photo a une dynamique limitée. Il peut enregistrer des hautes lumières, des basses lumières mais a plus de mal à faire le grand écart entre les deux.

Les meilleurs capteurs du moment peuvent prendre en compte des différences de luminosité élevées mais dans certaines situations cela ne suffit pas. C’est le cas des photos de nuit par exemple, où il vaut mieux utiliser le post-traitement pour obtenir le rendu qui vous plaît.

Contrairement au HDR qui consiste à laisser un logiciel fusionner automatiquement plusieurs images pour générer une image finale, le Digital Blending vous permet de sélectionner par vous-même les zones de l’image à prendre en compte dans chaque photo originale pour obtenir l’image finale. Vous suivez ?

Qu’allez-vous apprendre dans ce tutoriel sur le Digital Blending ?

Ce tuto vous montre comment partir d’une série de prises de vues pour arriver à une image finale satisfaisante. Vous verrez en particulier :

• ce qu’est le digital blending
• comment développer plusieurs images dans Camera Raw
• comment gérer le bracketing
• comment ajuster clarté et vibrance sur les images
• comment peindre sur l’image pour fusionner les différents rendus
• comment finaliser l’image avec une vignette et du flou gaussien
• comment réduire le bruit
• comment tester par vous-même à l’aide des fichiers bruts fournis

Pour suivre le tutoriel, cliquez sur la flèche du lecteur ci-dessous. Il est possible qu’il vous faille attendre quelques secondes ou dizaines de secondes (selon votre connexion) pour que la vidéo se lance. Patientez pendant que le trait blanc tourne … Ensuite vous pouvez l’agrandir en plein écran pour profiter au mieux des explications et visualiser l’écran du formateur.

Ce tutoriel est proposé par tuto.com qui vous donne accès à plus de 2500 tutoriels photo et que nous avons sélectionné pour la qualité de ses publications. Comme pour les autres tutoriels gratuits, vous pouvez lire la vidéo à l’aide de l’écran ci-dessus. De même il vous suffit de créer gratuitement un compte sur tuto.com pour accéder à l’ensemble des tutoriels photo gratuits, plus de 2500 actuellement.

En complément, tuto.com vous propose des formations vidéos de plus longue durée, accessibles après achat de crédits que vous pouvez utiliser comme bon vous semble.

Suivez le lien pour créer un compte gratuit et accéder aux tutoriels vidéos gratuits sur Photoshop, Lightroom, Capture NX2 et autres logiciels. Une fois le compte créé, vous trouverez tous les tutos gratuits sur le site, l’achat de crédits en option permet d’accéder aux formations de plus longue durée. Ce n’est pas une obligation.

Lightroom 5.5 est arrivé depuis quelques jours accompagné d’une nouvelle version de Lightroom Mobile 1.1. Quelles sont les nouveautés de cette version ? Faut-il faire la mise à jour ? Revue de détail …

Quoi de neuf dans Lightroom Mobile 1.1 ?

La version Lightroom Mobile compagnon de LR 5.5 est apparue avec Lightroom 5.4 et intéresse les utilisateurs de tablettes iPad. Ils ont ainsi la possibilité de travailler sur leur catalogue et leurs images depuis leur tablette tout en pouvant synchroniser ultérieurement avec leur ordinateur principal.

Lightroom Mobile 1.1 pour iPad

Cette version apporte quelques fonctionnalités qui manquaient à la précédente version. Signalons toutefois qu’utiliser Lightroom sur un iPad ne permet pas de disposer de toute la puissance du logiciel et de traiter en intégralité vos images. C’est une façon de classer quand vous êtes en déplacement qui vous permet de gagner du temps au retour.

• vous pouvez maintenant attribuer des étoiles à vos images, comme dans LR 5.5.
• vous pouvez trier de façon personnalisée vos images comme dans la version de bureau.
• vous pouvez également filtrer selon différents critères et non un seul : par exemple « toutes les photos retenues et qui se sont vues attribuer une étoile« .

Il est possible d’ouvrir une photo dans une autre application depuis la vue loupe ou grille sans devoir la sauvegarder sur la tablette avant (par exemple pour la poster sur votre site).

Lightroom Mobile pour Iphone

Lightroom Mobile est disponible sur iPhone 4S, iPhone 5 et iPod Touch sous iOS 7. Autant le dire tout de suite, ce n’est probablement pas l’outil que vous utiliserez le plus pour gérer vos images. Toutefois cela peut avoir un intérêt si vous souhaitez montrer le contenu de votre catalogue à quelqu’un alors que vous êtes en déplacement sans devoir copier chaque photo sur le smartphone. A tester …

La fonction d’auto-import est plus intéressante, elle vous permet d’alimenter automatiquement votre catalogue avec les photos faites depuis votre mobile. Une fonctionnalité à la marge néanmoins d’autant plus que les vidéos ne sont pas prises en compte.

Quoi de neuf dans Lightroom 5.5 ?

La principale nouveauté de LR5.5 est l’accès en mode bundle qui devient possible sans qu’il ne s’agisse plus d’une offre promotionnelle. Rappelons que cette offre vous permet d’utiliser LR 5 et Photoshop CC en souscrivant à l’abonnement mensuel (12,29 euros par mois) et de bénéficier ainsi des mises à jour.

Adobe précise qu’il ne s’agit pas de faire passer Lightroom en mode locatif à terme mais que c’est une façon pour les utilisateurs de disposer de Photoshop en complément à un tarif particulièrement intéressant. SI vous n’éprouvez pas le besoin de disposer de Photoshop, vous pouvez continuer à vous procurer Lightroom seul en mode licence traditionnel.

Notez toutefois que certains fonctionnalités de Lightroom existantes ou à venir pourraient nécessiter la version abonnement car elles sont liées à l’utilisation du service Cloud d’Adobe. Dans ce cas c’est une contrainte technique qui impose le choix du mode de licence.

Lightroom 5.5 est désormais capable d’éviter la mise en veille inopinée de l’ordinateur lors d’opérations d’import, de publication, d’export ou de création des images de prévisualisation. Si vous traitez des séries conséquentes d’images et que vous avez déjà vécu la mise en veille, vous voyez de quoi nous voulons parler.

LR 5.5 bloque également la mise en veille de l’écran lors d’un diaporama.

Corrections de bugs et améliorations

LR 5.5 s’est vu débarrassé de quelques bugs :

• mise à jour de l’API Flickr, un problème qui générait une erreur Windows quand on lançait une publication vers Flickr sur un dossier vide (en cas de publication automatisée, ça peut se produire).
• résolution des problèmes de connexion à Lightroom Sync sur Mac (erreur « attempt to index nil value »)
• amélioration de performance de la fonction import qui affiche plus vite les vignettes des photos à importer.

Support de nouveaux boîtiers

LR 5.5 supporte désormais les nouveaux Nikon 1 J4, Nikon 1 V3 et Nikon 1 S2 ainsi que plusieurs nouveaux boîtiers d’autres marques.

Support de la capture en direct

LR 5.5 peut capturer en direct les photos prises depuis les Nikon DF, Nikon D610 et Nikon D5300.

Voir la liste de tous les nouveaux boîtiers toutes marques supportés par LR 5.5

Voir la liste de tous les nouveaux profils d’objectifs supportés par LR 5.5

Source : Adobe