La période est aux défis ! En photographie c’est aussi le cas entre les projets 365, les challenges photos et les cahiers d’exercices tels que ce 52 défis photo de nature. Vous avez envie de jouer ? Voici de quoi il s‘agit.

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52 défis photo de nature : le concept

J’ai déjà eu l’occasion de vous parler des précédents ouvrages de cette collection proposée par les éditions Eyrolles. Le principe est simple : vous vous procurez chez votre libraire préféré un livre qui s’avère à la fois un cahier d’exercices, un recueil de conseils et un guide pratique de photographie.

Vous êtes alors en possession d’une liste de 52 défis photo à relever dans les 52 semaines qui viennent.

Libre à vous de relever ces défis plus vite ou bien moins vite, comme de piocher dans le livre pour ne faire que les photos qui vous intéressent.

Si vous manquez d’idées en photo de nature, voici de quoi en avoir pour un bon bout de temps puisque vous pouvez bien évidemment répéter chaque exercice aussi souvent que vous le souhaitez.

Vous avez peut-être déjà relevé certains des 52 défis photo créatifs proposés par Anne-Laure Jacquart, ou certains des 52 défis Street Photography proposés par Bryan Lloyd Bucket.

Au tour de la nature de vous voir à l’œuvre ! Pensez à visiter les sites des deux auteurs, Ross Hoddinott et Ben Hall, vous en prendrez plein les yeux !

Comment relever ces défis photo ?

Il vous faut disposer du livre, pour commencer. Chaque défi se présente sous la forme d’une double page qui vous présente le sujet.

Les photos sont des exemples de ce à quoi vous devez arriver, et le paragraphe sur la page de gauche vous donne des explications sur la composition, le cadre, l’approche du sujet selon les défis.

Un encart technique vous dit ce qu’il vaut mieux utiliser pour faire les photos attendues, libre à vous d’utiliser ce que vous avez à disposition et d’être créatif.

Pour vous aider à choisir un défi adapté à vos envies et connaissances, trois symboles vous indiquent les types de tâches concernées pour chaque défi :

• connaissance du terrain,
• recherche,
• créativité,
• macro,
• composition,
• éclairage,
• technique,
• post-traitement.

Des double-pages complètent ce cahier d’explications plus détaillées et génériques, par exemple comment construire votre affût page 58.

Vous pouvez également prendre des notes dans les encarts appropriés, une bonne façon de vous rappeler ultérieurement des réglages utilisés par exemple.

Vous l’aurez compris, l’idéal est d’avoir ce livre avec vous lorsque vous partez faire vos photos, pour disposer des bonnes infos au bon moment, comme changer de défi si les conditions du jour ne se prêtent pas à la prise de vue que vous pensiez faire.

Mon avis sur ce livre et à qui il s’adresse

Les photographes débutants comme amateurs sont souvent en manque d’idées lorsqu’ils partent faire des photos.

Si c’est votre cas, en glissant ce petit livre dans votre sac photo, vous aurez 52 belles idées à concrétiser. Peu importe les conditions du jour, vous trouverez une idée à appliquer.

Le format du livre en facilite l’utilisation. Il fait la taille d’un guide de randonnée, n’est pas trop épais bien qu’imprimé sur un papier de bonne qualité qui ne se déchirera pas à la moindre manipulation un peu hasardeuse sur le terrain.

La reliure par livrets collés vous évitera d’égarer des pages. Le tarif très abordable de 12,90 euros ne vous pénalisera pas.

Prenez ce livre pour ce qu’il est : un cahier d’exercices. Vous y trouverez des conseils pour faire de bonnes photos nature, mais il n’a pas pour vocation d’être un ouvrage de référence sur le sujet non plus.

Si vous êtes plus expert, vous prendrez plaisir à relever les défis en variant les cadrages, compositions et prises de vue tout en mettant votre style en avant.

Ces 52 défis photo de nature sont une belle idée pour passer de bons moments dans la nature, seul ou entre amis photographes. Pourquoi ne pas relever le même défi à plusieurs et comparer le résultat en fin de journée ?

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Vous voulez faire des photos en noir et blanc et la première question que vous vous posez est de savoir comment faire une conversion noir et blanc dans votre logiciel photo préféré ? Pour vous le noir est blanc est synonyme de photo argentique ? Et si vous passiez à côté de l’essentiel ?

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Faire des photos en noir et blanc, les deux erreurs

« Vous la préférez en couleur ou en noir et blanc ? » Si vous n’avez jamais lu, vu ou entendu cette question, vous êtes coupé du monde depuis de longues années car elle revient très souvent sur le web, les réseaux sociaux et les sites de partage.

Nombreux sont les photographes débutants comme amateurs à hésiter entre deux versions d’une photo. Il est aisé de convertir en noir et blanc une photo couleur, un clic suffit, pourquoi ne pas le faire et comparer ? Après tout, peut-être que ce qui ne sort pas bien en couleur sera plus agréable en noir et blanc ?

Ne vous y trompez pas, si c’était aussi facile cela se saurait. Faire des photos en noir et blanc n’est pas se contenter de convertir en noir et blanc une photo couleur.

Mais alors, si convertir n’est pas la solution, est-ce à dire que le noir et blanc c’est une pellicule argentique et rien d’autre ? Non plus.

Déjà parce qu’une pellicule argentique n’est pas forcément un film noir et blanc, mais aussi – et surtout – parce que l’argentique n’a pas l’exclusivité du noir et blanc. Ne pensez pas que les plus belles photos noir et blanc publiées ces dernières années ont toutes été faites avec du film, c’est rarement le cas.

Alors faire des photos en noir et blanc, c’est quoi ?

Le noir et blanc, un regard plus qu’une technique

La réponse se trouve page VI dans le livre d’Anne-laure Jacquart :

C’est l’œil et la démarche de composition qui créent l’impact noir et blanc et non le logiciel.

Oubliez les filtres Instagram, les packs Nik Collection et la conversion par couches, ce n’est ni le sujet du livre ni le propos de l’auteur. Non pas que ces outils soient inutiles, ce n’est pas le cas. Mais ce qu’Anne-laure Jacquart souhaite vous transmettre, et j’approuve sa démarche, c’est que le noir et blanc se pense à la prise de vue plus que devant votre clavier ou dans votre labo argentique.

Qui dit regard dit œil

On l’oublie trop souvent à force de penser aux centaines de réglages de nos appareils photo, ce qui fait l’intérêt d’une photo c’est ce que vous avez vu et souhaité retranscrire en déclenchant. L’œil du photographe, une expression chère à Michael Freeman, prend toute son importance en noir et blanc. Au moins autant qu’en couleur.

Pourquoi ? Parce qu’en noir et blanc, votre regard s’attache non plus à montrer une scène la plus réelle possible, mais à retranscrire des contrastes, des alternances, des oppositions, des modelés. Votre imagination doit « interpréter l’environnement » et non chercher à le reproduire tel qu’il vous apparaît.

Voici résumée la première partie de ce livre dans laquelle vous allez découvrir comment approcher vos sujets en pensant noir et blanc. Vous découvrirez par exemple que la meilleure façon de faire du noir et blanc est de régler votre appareil en noir et blanc. « Voir » en noir et blanc dans le viseur, c’est oublier la couleur dès la prise de vue.

Vous allez aussi réaliser qu’il n’existe pas de scènes « pour la couleur » et de scènes « pour le noir et blanc ».  Il existe une approche personnelle en couleur et une en noir et blanc. Vous pouvez photographier la même scène en couleur puis en noir et blanc, vous ne montrerez pas la même chose.  L’idée ici est que l’une des deux photos que vous feriez alors n’est pas meilleure que l’autre, elle est différente.

Le piège du noir et blanc

Je l’ai vécu des dizaines de fois : une scène colorée, agréable, avec une belle lumière … Chouette, cela va faire une belle image noir et blanc ! Résultat ? Non, perdu. Ce n’est pas la richesse des couleurs qui fait la force d’une image en noir et blanc, c’est la différence de densités, le contraste général de la scène. Pensez en densités de couleurs plus qu’en teintes de couleurs. Vous comprendrez cela page 28 et suivantes.

Retenez aussi que le blanc qui nuit souvent à l’intérêt d’une photo couleur (ah, ces ciels couverts !!) devient votre allié en noir et blanc. Regardez page 62 par exemple comment le blanc donne tout son intérêt à la photo.

C’est beau une ville la nuit

Votre capteur peine à monter en ISO et vous voyez des points colorés disgracieux sur vos photos nocturnes ? Tant mieux ! Cela devrait vous inciter à photographier en noir et blanc quand la lumière manque.

Non pas parce que « jour = couleur » et « nuit = noir et blanc », mais parce que le manque de lumière qui est une contrainte pour vous peut devenir un atout. Il peut vous forcer à changer de regard, à oublier ces défauts colorés et les longues séances de réduction du bruit numérique, pour vous forcer à penser en noir et blanc. Vous utiliserez alors les tonalités sombres tout en mettant en valeur les hautes lumières qui ne manquent pas en ville (voir page 69).

Le noir et blanc et la composition

Je vous vois déjà me dire que la composition, ce n’est pas l’apanage du noir et blanc et qu’en photo couleur il faut aussi composer vos images. Vous avez raison, mais … une photo noir et blanc prise à la va vite parce que « le noir et blanc fera la différence » ça ne fonctionne pas. Rappelez-vous,  en noir et blanc ce joli ciel bleu qui vous fait de l’œil ne se verra pas sur la photo. Ce camaïeu de couleurs attirantes non plus (tentez une séance photo en noir et blanc à Burano et on en reparle).

La composition prend donc toute son importance en noir et blanc, c’est à vous de jouer avec les éléments pour que leur ordonnancement vous permette de proposer un résultat harmonieux. Vous allez apprendre cela pages 81 et suivantes, de même que vous apprendrez à vous déplacer pour jouer, par exemple, avec l’arrière-plan (page 83) et utiliser à bon escient ce ciel blanc ou ce monument qui vous paraissait pourtant bien fade en couleur.

Est-ce à dire qu’il y a une composition pour le noir et blanc et une pour la couleur ? Oui, si j’en crois les propos d’Anne-Laure Jacquart auxquels j’adhère volontiers.

Page 96 de ce livre, vous découvrirez comment l’exposition de vos photos peut influencer le résultat final. J’aurais plutôt vu ceci dans la première partie, densité et exposition allant de pair, j’ai apprécié par contre ce qui concerne le flou de profondeur de champ et le flou de mouvement qui sont deux façons de mettre encore plus en valeur les éléments d’une scène en noir et blanc. La raison en est simple (page 102) : « le flou crée des contours progressifs qui font se mélanger les densités entre elles, neutralisant en quelque sorte le contraste ».  Imaginez ce que cela peut apporter dans vos compostions, sans aucune tricherie logicielle.

Mais aussi … Des modèles

Débuter en noir et blanc peut faire peur. Moins vous avez de couleurs à montrer, plus c’est difficile, alors comment faire ? Le chapitre 7, page 125, vient à votre secours. Anne-Laure Jacquart a eu la bonne idée de partager un ensemble de modèles de contrastes, autant de solutions à utiliser en fonction des situations de prises de vue et de la lumière qui s’offre à vous.

Prenez ce chapitre comme un exercice : cherchez ces situations, provoquez-les au besoin et faites des photos. Vous allez exercer votre œil, acquérir des réflexes et mettre en œuvre ces approches sans même vous en rendre compte par la suite.

Bien que tout cela vous attire, vous êtes frustré(e) de ne toujours pas savoir comment convertir vos photos en noir et blanc ? Ne désespérez pas, l’annexe vous livre quelques recettes pour convertir et retoucher vos photos en noir et blanc, c’es synthétique mais tout y est.

Mon avis sur ce livre

Faire des photos en noir et blanc est un état d’esprit. Peu importe qu’il s’agisse de numérique, d’argentique, ou que vous utilisiez votre smartphone (qui soit dit au passage est un excellent outil pour le noir et blanc). Faire du noir et blanc c’est porter un regard personnel sur votre environnement et rendre compte de ce regard plus que de la scène elle-même.

J’apprécie les livres d’Anne-Laure Jacquart car, outre le fait qu’elle est très pédagogue, elle a cette capacité à transmettre une passion et à vous donner envie. Vous trouverez dans cet ouvrage de quoi enrichir votre démarche, de quoi penser à votre pratique plus qu’aux réglages de votre boîtier, de quoi construire une image en noir et blanc dès la prise de vue.

Si pour vous le noir et blanc n’est qu’une question de filtres numériques, de curseurs et de clics, passez votre chemin. Si par contre le noir et blanc vous attire pour sa capacité à montrer votre vision du monde, alors n’hésitez pas à dépenser 26 euros pour vous procurer un exemplaire de ce livre. Il pourrait bien s’agir d’un de vos meilleurs investissements en photo.

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Photographier ce que vous mangez. Ce que les autres vont manger. Vous vous intéressez à la photographie culinaire ? Découvrez comment, étape par étape, composer des photos artistiques de nourriture grâce à un livre richement illustré qui vous explique tout ce que vous devez savoir.

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La photographie culinaire, une pratique plus artistique qu’il n’y parait

Vous pourriez vous dire que photographier des plats, après tout c’est faire des photos bien simples : une belle lumière, pas trop de reflets, une vue rapprochée et c’est bon !

Ce serait bien vite résumer une pratique plus artistique qu’il n’y paraît. De la préparation de la prise de vue jusqu’à la post-production en passant par le travail sur le style et la composition, la photographie culinaire fait appel à nombre de notions indispensables pour réussir vos photos et mettre en valeur vos sujets.

Contrairement à ce que vous pouvez penser, la photographie culinaire est un art exigeant. Il faut bien sûr maîtriser votre matériel photo, ce que vous apprendrez dans le premier chapitre, mais aussi exploiter la lumière, naturelle comme artificielle. C’est l’objet des chapitres suivants.

Dans ce livre de Beata Lubas dédié à la photographie culinaire, ils sont rares, vous allez surtout apprendre à travailler votre composition et votre style. En effet une belle nourriture devrait être représentée par une belle photo, c’est la moindre des choses. Mais les contraintes sont fortes, la première étant que la photographie culinaire n’attend pas, lorsqu’un plat est prêt il faut le photographier sans plus attendre, et donc avoir tout pensé au préalable.

Ce guide va vous apprendre à élaborer votre démarche créative en photographie culinaire, à trouver des idées, à résoudre les problèmes qui ne manqueront pas de se poser à vous lors de vos séances.

Vous apprendrez à photographier les différents types d’aliments, ce qui paraît logique si vous devez photographier la carte complète d’un restaurant par exemple comme votre prochain repas de fête.

Enfin, parce que cela consiste à finir le travail, vous découvrirez comment traiter vos photos pour leur donner le meilleur rendu possible.

Le dernier chapitre vous permettra de mettre votre style en valeur de façon à, pourquoi pas, développer une pratique experte, voire professionnelle, de la photographie culinaire.

Mon avis sur ce livre

Je ne suis pas un expert du sujet, je n’ai jamais fait une seule photographie culinaire, aussi j’ai découvert ce livre avec le plus grand intérêt. Il m’a permis de prendre conscience des différentes contraintes que nous impose la photographie culinaire.

S’il suppose quelques bonnes connaissances en photographie, ce guide va toutefois vous permettre d’aborder la photographie culinaire pour devenir expert. Vous découvrirez ce qu’il faut savoir et faire pour réussir vos photos, comme les petits plus qui vous permettront de faire de plus belles images.

À mi-chemin entre un guide technique s’intéressant à un domaine bien particulier de la photographie, et d’un livre plus artistique, ce livre s’avère un excellent support pour découvrir cette pratique, en comprendre les fondamentaux, passer à l’action et réussir de belles images.

J’ai particulièrement apprécié les très nombreuses illustrations, les séries de photos montrant les erreurs à ne pas faire comme les bonnes pratiques.

Vous y trouverez de nombreuses idées pour apprendre à photographier tous types d’aliments.

Si vous vous intéressez à la photographie culinaire et que vous souhaitez développer une pratique personnelle, allez vite découvrir ce livre.

Il s’adresse aussi à vous si vous voulez savoir ce qu’est la photographie culinaire, quelles en sont les contraintes, et comment vous lancer à peu de frais

Je ne doute pas qu’il suscite quelques vocations !

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Éclairer et photographier le portrait, l’univers de Nath-Sakura

J’ai découvert les images de Nath-Sakura lors du Festival de photographie de Vincennes (en savoir plus sur le site de la photographe). J’avoue avoir été étonné par ces éclairages dignes de certaines productions cinématographiques. Par ces modèles aussi, dont on sentait bien qu’ils n’étaient pas photographiés ainsi par hasard, que derrière les apparences il y avait une démarche et une recherche artistique inhabituelles.

Lorsque j’ai reçu le livre de Nath-Sakura, son manuel à destination « des photographes désireux d’apprendre à réaliser des portraits sensibles, percutants et qualitativement très haut de gamme », je n’ai pas été surpris. J’ai retrouvé ce que j’avais vu lors de l’exposition.

Je vous ai déjà présenté plusieurs livres sur le portrait photo, l’éclairage, les poses et les techniques pour éclairer vos portraits en lumière naturelle.

Ici vous entrez dans un autre univers, bien plus complexe. Celui d’une artiste, déjà, Nath-Sakura.

Celui du studio pro, aussi, avec ses décors et ses éclairages.

Celui de la sensibilité également, car tout est fait pour vous inciter à considérer votre modèle comme une personne dont la personnalité et la psychologie doivent être prises en compte avant même d’envisager votre séance.

Je n’irai pas jusqu’à décrire le contenu du livre chapitre par chapitre, cela n’aurait guère de sens, ce n’est pas le sommaire qui fait son intérêt. Ce qui le fait, c’est l’approche de la photographe, ce qu’elle vous transmet, ce recul unique sur l’art du portrait et la photographie.

Sachez toutefois que vous allez approcher la technique photographique, la direction artistique, la direction de modèle et l’analyse des lumières tout au long des 260 pages qui composent un livre dont la maquette, très dense, fait la part belle aux photos et illustrations comme aux encarts historiques.

L’enseignement est de très haut niveau et s’adresse aux photographes ayant déjà une belle pratique du portrait photo, désireux d’aller encore plus loin. De créer des images plus que de faire des portraits photo. Si c’est votre cas, je ne peux que vous conseiller d’ailleurs de commencer par le livre, puis de suivre les stages de Nath-Sakura, animatrice certifiée qui propose des workshops en France et en Europe.

Mon avis sur ce livre

N’étant pas portraitiste, je ne remettrai pas en cause le contenu de cet enseignement, je n’ai pas la pertinence pour le faire. Sachez toutefois que si le portrait photo est votre passion, que vous voulez en faire votre métier, que vous avez envie d’imaginer et de créer vos images alors ce livre vous est indispensable. Il sera votre point d’entrée dans un univers artistique, coloré, sensible et très qualitatif. Tout ça pour 29 euros, c’est cadeau.

Si vous souhaitez réaliser des portraits photo plus naturels, sur le vif, en lumière naturelle, c’est un autre domaine et je vous recommande plutôt le livre de Scott Kelby L’éclairage du portrait en lumière naturelle qui vous sera bien plus accessible.

Vous pouvez aussi vous procurer ce livre pour comprendre ce qu’est le portrait photo au-delà des clichés, de ces images faites à la va-vite en jouant avec une source de lumière, sans méthode.

Vous découvrirez alors le monde du portrait professionnel. J’irais jusqu’à dire que même si vous ne voulez pas devenir portraitiste, ce livre vous intéressera car plus qu’un simple guide pratique, c’est un ouvrage sur l’art du portrait avant tout.

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Vous faites de bonnes photos mais elle pourraient vous plaire encore mieux. Vous trouvez que vos photos sont celles qu’un autre photographe ferait s’il était au même endroit au même moment. Vous n’arrivez pas à photographier ce que les autres ne voient pas. C’est ce que Michael Freeman vous propose d’apprendre dans cet ouvrage atypique par rapport à ses autres livres.

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Photographier ce que les autres ne voient pas : présentation

Si vous lisez mes chroniques de livres photo, vous connaissez mon attrait pour les ouvrages de Michael Freeman. Ils m’ont appris beaucoup, rencontrer et interviewer Freeman lors du salon de la photo 2019 reste un grand moment dans mon parcours de photographe.

Michael Freeman a pour habitude de proposer des livres grand format, dans lesquels il traite d’une démarche photographique précise, par exemple comment capturer la lumière ou quel esprit avoir. Il vous fait vous poser les bonnes questions. Il s’agit d’apprendre la photographie sous un angle créatif plus que technique.

Dans ce livre, Freeman aborde une thématique moins courante. Il vous incite à photographier ce que les autres ne voient pas, donc à trouver une approche différente, personnelle. Ici pas de problématique photo reposant sur une technique, mais une réflexion sur l’approche du sujet.

Il s’agit de prendre les photos que les autres ne feront pas et de faire reposer votre démarche entièrement sur la possibilité d’accéder à ce que vous avez photographié.

Comment y arriver ? C’est ce que l’auteur vous explique tout au long des cinq chapitres de ce livre, dont l’esprit se rapproche de celui de David duChemin L’âme d’une image.

Être au bon endroit au bon moment

Vous devez avoir une longueur d’avance. Toujours. Il s’agit de savoir à l’avance ce que vous allez photographier, ce que vous pourriez photographier dans un lieu bien précis.

Il s’agit d’être toujours prêt, de connaître les règles de base en photographie, de savoir prérégler votre appareil photo, d’être aux aguets.

L’auteur vous explique comment savoir revenir en un même lieu, comme bien vous entourer lorsque c’est nécessaire. Ce que font les reporters photographes lorsqu’ils font appel à un guide.

Faire connaissance avec votre sujet

Vos meilleures photos ne sont pas celles que vous faites avec un megazoom, sans que votre sujet ne le sache. Prenez le temps de parcourir ce second chapitre si c’est votre pratique actuelle.

Rappelez-vous que vos sujets n’ont aucune obligation d’accepter que vous les preniez en photo. Freeman vous explique alors comment prendre soin de votre sujet, comment faire sa connaissance chaque fois que c’est nécessaire. Ceci ne concerne pas que les sujets humains.

En cette période de confinements et autres couvre-feux, Freeman vous livre les bonnes pratiques pour photographier ceux que vous connaissez le mieux, vos proches, votre famille.

Ce qui est valable chez vous l’est ailleurs, vous découvrirez comment approcher un sujet lors d’un voyage à l’autre bout du monde (bientôt) ou à l’autre bout de votre pays.

Photographier ce que les autres ne voient pas : vous mettre en immersion

Beaucoup de photographes amateurs n’osent pas. N’osent pas s’engager, passer du temps à prendre une photo. Vous vous reconnaissez ? Ils n’osent pas avoir confiance en eux. Ils n’osent pas prendre le temps d’observer. Vous vous reconnaissez encore ?

Freeman vous explique comment vous mettre en immersion. Pas sous l’eau (bien que …), pas forcément passer beaucoup de temps très loin de chez vous, mais prendre le temps de découvrir un environnement, de le comprendre, avant de faire vos photos. Vous verrez que vous pouvez vous mettre en immersion dans votre jardin, le résultat pourrait vous surprendre.

Accepter un apprentissage profond

Vous pensez comme moi que seul le travail paye ? Que tout faire à la va vite n’est pas la solution ? Alors plongez vous dans ce chapitre quatre. Vous allez comprendre comment travailler votre pratique photographique, comment développer votre savoir, trouver vos repères dans un domaine photographique précis.

Vous comprendrez pourquoi connaître un sujet est essentiel, pourquoi connaître la technologie, au moins un minimum est essentiel aussi.

Chercher et trouver l’impensable

Vous pensez que pour être un photographe créatif il faut atteindre la perfection ? C’est faux. Consultez le chapitre cinq et vous découvrirez qu’oublier la perfection peut-être un facteur de succès.

Vous comprendrez pourquoi certains photographes célèbres n’ont jamais cherché la perfection, tel Joel Meyerowitz qui nous dit que « l’ambiguïté est l’essence de la photographie, que c’est son mystère et son cadeau ».

Freeman vous explique comment penser un projet personnel ou comment créer votre univers, et explorer ainsi votre identité.

Mon avis sur « Photographier ce que les autres ne voient pas »

Je mentirais en disant que je suis objectif lorsqu’il s’agit de chroniquer les livres de Michael Freeman. Je ne le suis pas car j’ai un attrait particulier pour ce photographe, qui m’a beaucoup apporté et continue à le faire.

Ce nouveau livre se positionne à part dans la démarche de Freeman. Il ne consiste pas à vous expliquer comment appliquer les bonnes pratiques photographiques sur le terrain. Il s’intéresse plutôt à la démarche que vous allez devoir mettre en œuvre.

Une démarche personnelle, en travaillant sur vous-même, votre parcours, vos envies.

Une démarche créative aussi, en travaillant sur vos sujets, votre environnement, les conditions de réalisation de vos photos.

C’est un petit format à l’inverse des autres livres de l’auteur. J’apprécie cette compacité car ce livre représente pour vous (comme pour moi) un support de réflexion et pouvoir le glisser dans un sac pour l’avoir avec soi est un avantage.

À qui s’adresse ce livre ?

Ce livre s’adresse en priorité au photographe désireux de passer du statut de bon photographe au statut de photographe créatif.

Il s’adresse aussi au photographe amateur qui possède de bonnes bases en photographie, mais manque d’une approche plus personnelle.

Il s’adresse enfin au photographe expert, voire professionnel, qui souhaite aller plus loin dans son travail d’auteur. Développer un projet personnel, développer son style.

Si vous vous reconnaissez, sachez qu’il vous en coûtera la modique somme de 19,90 euros et que la couverture rigide et la qualité d’impression vous permettront d’avoir toujours ce livre avec vous.

Mon premier Best Of de l’année 2021 est disponible, il vous attend !

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Vous aimeriez faire du portrait photo en lumière naturelle, mais vous avez de nombreuses questions sur le matériel, l’éclairage, la technique, les poses, les modèles…

Dans ce livre  composé de 150 fiches pratiques, Scott Kelby répond à la plupart de ces questions. Vous n’aurez plus d’excuse pour ne pas vous lancer !

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Le portrait photo en lumière naturelle : quels objectifs utiliser ?

Dans le premier chapitre, vous allez découvrir quels sont les meilleurs objectifs pour le portrait photo. Je ne trahirai pas un grand secret en vous disant qu’il s’agit du 85 mm et du zoom 70-200 mm. Mais qu’en est-il des autres ? Avec quelles ouvertures ?

De même, connaissez-vous les conditions pour obtenir un joli fond flou ? Savez-vous comment gérer la distance minimale de mise au point, ou quelle peut-être l’influence de l’objectif sur l’arrière-plan ?

Les réglages de prise de vue

Le second chapitre regroupe des fiches pratiques consacrées aux réglages de prise de vue.

Vous savez ce que sont l’ouverture, le temps de pose et la sensibilité. Mais savez-vous quelle ouverture choisir pour la photo de portrait ? Quelle est l’importance du temps de pose ? Pourquoi les plus grandes ouvertures f/1.4 ou f/1.2 ne sont pas les meilleures ?

Page 23 vous découvrirez comment préserver les hautes lumières tandis que page 27 vous saurez sur quel œil faire le point.

Enfin vous pourrez aborder la photo de groupe avec un objectif à grande ouverture, comme la photo de personnes disposées sur plusieurs rangées. A vous les fêtes de famille et autres événements associatifs.

Portraits à la lumière de la fenêtre

Je l’avoue, je ne suis pas très attiré par l’éclairage au flash. Je préfère de loin la lumière naturelle, ce que Scott Kelby vous présente dans ce troisième chapitre. Faire des portraits à la lumière d’une fenêtre va vite s’avérer attirant si vous vous prenez au jeu, il y a des fenêtres partout (mais toutes ne se valent pas, vous allez apprendre pourquoi).

Bien qu’il soit aussi un maître de la photo en éclairage artificiel, l’auteur vous livre ici ses conseils pour profiter de la lumière au travers d’une fenêtre, comment positionner votre modèle, comment vous positionner vous-même.

Ne manquez pas les astuces comme l’utilisation d’un rideau de douche !

Apprenez aussi à utiliser un réflecteur ou un trépied qui vous aideront souvent.

Portrait photo en lumière naturelle à l’extérieur

Si vous avez déjà essayé de faire un portrait photo à l’extérieur, vous avez certainement rencontré ce problème : soit la lumière est trop forte et votre modèle fait la grimace tandis que son visage est brûlé par le soleil, soit il n’y a pas suffisamment de lumière, et vous ne savez pas comment régler votre appareil photo.

Dans ce quatrième chapitre Scott Kelby vous livre ses conseils de pro, la listes des accessoires utiles, pourquoi ils le sont, comment créer de l’ombre ou au contraire diffuser la lumière.

La lumière directe

Suite du précédent chapitre, c’est une question de mise en page. Vous allez découvrir ici les avantages de placer le soleil derrière votre sujet, vous apprendrez à faire attention aux reflets parasites ou au contraire à les provoquer.

Page 78 apprenez à rechercher le contraste avec l’arrière-plan, page 79 sachez demander à votre sujet de porter les bons vêtements en fonction de la lumière.

Composition

Cette question revient tout le temps, je la reçois au moins une fois par semaine : où placer les yeux du sujet dans le cadre, faut-il lui couper le haut de la tête ou non, le centrer, comment libérer son regard et pourquoi ?

Toutes ces questions trouvent leurs réponses dans le chapitre 6 sur la composition.

Je vous conseille de l’étudier attentivement et d’y revenir car c’est la clé pour réussir vos photos, bien au-delà du matériel.

Le portrait photo en lumière naturelle : poser

Attention, nous passons aux choses sérieuses ! Cette nouvelle série de fiches vous explique comment travailler avec un modèle.

Vous allez apprendre à constituer une liste de poses type, à établir la relation avec votre sujet, à le diriger.

Inutile de vous dire que ces astuces vous permettront de faire des photos plus abouties, dont vous serez encore plus fier et vos modèles aussi !

Post-traitement

Je vous dis souvent que traiter une photo dans un logiciel dédié, c’est finir le travail. Je suis heureux de constater que Scott Kelby pense comme moi sans que nous nous soyons concertés (!).

Dans ce chapitre 8 vous allez découvrir comment accentuer par exemple l’effet d’un rayon de soleil, comment adoucir l’image, ou désaturer la peau.

Ne pensez pas que le post-traitement c’est le mal, pensez plutôt à votre modèle, un bouton ou un défaut de peau passager ne sont pas toujours  les bienvenus.

Sachez aussi que toutes les opérations de traitement présentées, de type retouche beauté, vous seront facilement accessibles si vous maîtriser les bases de Lightroom ou Photoshop.

Des recettes pour le portrait photo en lumière naturelle

Le dernier chapitre de ce livre pourrait s’intituler « Pour aller plus loin … », Scott Kelby a préféré le nommer « des recettes pour vos portraits ».

Vous y trouverez des trucs et astuces de pro qui sont le fruit de l’énorme expérience du photographe sur le terrain depuis de nombreuses années.

Le portrait d’intérieur à contre-jour de la page 160 est un bon exemple de ce que vous pourrez réussir avec une baie vitrée et la seule lumière naturelle (et un peu de travail aussi).

Le portrait en pleine lumière avec diffuseur de la page 162 est un autre exemple de ce qu’il est possible d’obtenir sans éclairage artificiel.

Mon avis sur « la photo de portrait en lumière naturelle » de Scott Kelby

Le photographe et formateur américain, ambassadeur Nikon, vous propose ici une nouvelle déclinaison de son concept « recueil de fiches pratiques ». Après la photo de paysage et la photo au flash, la photo de portrait en lumière naturelle vous sera utile au quotidien si vous avez décidé de vous mettre au portrait sans avoir encore aucune compétence.

Si vous êtes déjà portraitiste amateur et que vous souhaitez aller plus loin, vous aurez l’occasion de revoir les bases et d’apprendre des techniques professionnelles. Pas de longs discours, de traité technique ou philosophique sur la photo de portrait, des conseils pratiques, des photos illustrant le propos de l’auteur, du vécu et Dieu sait que Scott Kelby en a.

Les 22 euros qu’il vous en coûtera pour vous procurer ce livre seront vite amortis, ne serait-ce que si vous faites le bon choix d’objectif tel que décrit dans les premières pages. Et quoi de plus agréable que de réussir un joli portrait photo ?

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Encore un livre sur la photo urbaine ? Oui. À la différence qu’il s’agit ici de découvrir quelles sont les différentes pratiques photo en ville, qu’il n’est pas question « que » de photo de rue et que Tim Cornbill, l’auteur, vous invite à découvrir la ville comme vous ne l’avez peut-être jamais vue.

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Le grand livre de la photo urbaine : motivation et inspiration avant tout

Vous vous dites peut-être que faire de la photo urbaine, c’est faire de la photo de rue. Photographier les gens, la vie, ce qu’il se passe sur le trottoir devant vous. C’est faux.

La photographie urbaine, c’est bien plus que cela. C’est la photo de rue, bien sûr, mais aussi le portrait urbain, le paysage urbain, l’architecture ou la photo de nuit.

« Un même lieu offre de multiples possibilités en fonction du regard que vous portez dessus, du cadrage que vous choisissez, de l’heure de la journée ou encore des conditions météorologiques. »

Plus que de ville, je préfère d’ailleurs parler de territoire urbain. Pour être moi-même photographe urbain, je définis ce territoire comme un terrain de jeux pour le photographe, dans lequel tout vous est permis.

Vous n’êtes pas à l’aise pour aborder les gens dans la rue, les photographier, tout ce qui fait la Street photographie ? Pourquoi ne pas vous intéresser alors au paysage urbain ? L’architecture, le graphisme, les lumières, les décors. Autant de sujets que la pratique de la photo urbaine vous offre, qui vont vous aider à développer votre regard et votre démarche créative, sans jamais devoir aborder les gens.

Comme l’explique Tim Cornbill, un photographe anglais, la photo urbaine peut aussi être l’occasion de photographier la ville pour ce qu’elle est. Berlin, Barcelone, New York, mais aussi Paris, Lyon ou Marseille plus proches de nous sont autant de villes qui méritent que vous les parcouriez pour les immortaliser à votre façon. Vous allez découvrir page 46 et suivantes comment l’auteur a photographié chacune de ces villes. Ces projets sont tous différents bien que tous soient des projets de photo urbaine. J’avoue que j’aurais apprécié de voir plus de photos de chacune des villes citées. J’ai un faible pour la démonstration par l’exemple, surtout en photos urbaine.

La nuit tombe ? Tant mieux ! « c’est beau une ville la nuit » ! C’est le moment que je préfère, et que vous aimerez aussi lorsque vous aurez découvert ce que vous pouvez photographier quand la ville change d’aspect. Découvrez alors cette autre facette de la photographie urbaine.

Qu’allez-vous apprendre avec ce livre ?

Dans le grand livre de la photo urbaine, Tim Cornbill vous invite à profiter du territoire urbain pour développer votre démarche créative : la ville et ses décors vous offrent une infinie possibilité de projets, de l’architecture et ses compositions aux « citoyens de la ville » en passant par le paysage urbain et la ville à la nuit tombée. Comment faire ? C’est l’objet de chacun des chapitres.

Dans le premier, vous apprendrez à choisir votre équipement, et à le régler en fonction de la situation. Le chapitre suivant vous permettra de bien vous préparer pour vos séances de photo urbaine. C’est important car lorsque vous êtes en action, il est trop tard pour changer d’horaire ou aller chercher ce que vous avez oublié.

Posez vous donc avant les bonnes questions : quelles sont les conditions idéales ? Quelle est la météo ? Quelles autorisations obtenir le cas échéant ?

Vous êtes plus attiré par l’architecture et le graphisme ? Lisez la page 64 et suivantes pour comprendre comment photographier les bâtiments, les jardins, les parcs, les quartiers, quelle vision avoir. Vous vous mettrez dans la peau de l’architecte.

Si c’est la photo de rue qui vous intéresse, allez page 86 pour découvrir le « kit de rue idéal », les bons réglages et comment saisir l’instant. Vous suivrez ainsi les pas d’Henri Cartier-Bresson comme de Martin Parr dans un style très différent (plusieurs encarts « photographes » complètent les propos de l’auteur tout au long du livre).

Je parle souvent de paysage urbain lorsque je publie mes photos, c’est ce que vous découvrirez page 108 et suivantes : comment profiter d’un point de vue élevé pour faire des photos urbaines, comment jouer avec des horizons dramatiques quand la météo s’y prête.

Les amoureux de photographie nocturne se plairont à étudier la page 128 et suivantes. Il sera alors question de lumières, de traînées, d’astrophotographie même.

Enfin, parce que la photo urbaine ne s’arrête pas à la prise de vue, vous apprendrez à traiter vos fichiers RAW pour donner à vos photos le rendu qu’elles méritent, vous découvrirez quelles sont les retouches fines à appliquer.

Dans le dernier chapitre, l’auteur vous invite à partager vos photos. Découvrez comment le faire sur les réseaux sociaux ou sur votre site Web, comment participer à des concours. Vous retiendrez de ces quelques pages qu’il est plus important de partager vos photos urbaines pour apprendre et progresser que pour attirer à vous des milliers de fans. Inutile de vous dire que je partage cet avis.

Mon avis sur le grand livre de la photo urbaine

J’avoue avoir un penchant pour les livres traitants de la photo urbaine parce que c’est ma pratique favorite. Qu’il s’agisse d’un guide pratique comme de beaux livres de photographie, je les étudie tous avec attention.

Ce grand livre de la photo urbaine se situe à mi-chemin : à la fois guide pratique (comme City Trip Photo d’Eric Forey) parce qu’il vous livre de nombreux conseils et vous permet de découvrir des pratiques spécifiques, il est aussi un beau livre de photographie richement illustré des photos de l’auteur comme de plusieurs photographes célèbres (découvrez aussi Maldicidade de Miguel Rio Branco dans un autre style).

Ces photos sont autant de source d’inspiration pour vous permettre de découvrir ce qu’il vous est possible de photographier en ville, quelles sont les bonnes pratiques, comment exprimer votre créativité, comment progresser.

Je reste toutefois sur ma faim. J’aurais aimé voir traités certains sujets plus en détail, avec de plus nombreuses informations pratiques. Inspiration et motivation oui, mais n’oublions pas la méthode lorsqu’il s’agit de présenter un domaine photographique aussi riche.

Ce livre s’adresse aux passionnés de photo urbaine qui pratiquent déjà, ils y découvriront de nouveaux horizons qu’ils prendront soin d’approfondir avec d’autres ouvrages et d’autres ressources, certaines sont citées page 182.

Ce livre s’adresse aussi aux plus novices qui souhaitent découvrir ce que le terme « photo urbaine » désigne et quels en sont les déclinaisons.

Proposé au tarif public de 29 euros, ce livre est un ouvrage d’initiation et de découverte, joliment illustré,  avec une maquette et une présentation de belle qualité, une adaptation française bien réalisée, mais un peu trop disparate dans son organisation et manquant d’informations selon les sujets.

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Ça y est, vous savez dans quelle ville vous partez, à quelle date, pour combien de temps, votre city trip photo vous attend ! Mais qu’est-ce qu’un city trip photo ? Comment le préparer, quel parcours suivre, quelles photos réaliser ?

Autant de questions dont vous trouverez les réponses dans ce livre d’Eric Forey.

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City trip photo : de quoi s’agit-il ?

Eric Forey est photographe urbain, il aime la ville et sa bonne ville de Lyon en particulier ; j’ai eu l’occasion de l’interviewer lors du Salon de la Photo 2019 pour parler séries photo (il a écrit Serial Photographer).

Depuis notre homme a remis ça, profitant de cette année 2020 de disette pour les photographes voyageurs pour rassembler dans un nouvel ouvrage ses bonnes pratiques en matière de city trip photo.

City trip photo ? En bon français il s’agit d’un séjour touristique, plutôt court (de 2 à 10 jours environ) lors duquel vous allez à la découverte d’une ville. Mais pas de n’importe quelle façon : à pied, en transports, en voiture, à votre rythme comme au rythme des proches qui vous accompagnent (la plaie de tout photographe mais vous allez apprendre à faire avec page 54).

Qu’allez-vous découvrir dans ce livre ?

A bien y réfléchir, pourquoi un livre sur les séjours urbains ? Vous pourriez penser qu’il suffit d’emporter votre appareil photo et de déclencher chaque fois que quelque chose vous plaît. Oui. Mais non.

Un séjour photo touristique c’est autre chose. Cela se prépare, s’organise, il vous faut savoir quels quartiers vous allez visiter, à quelle heure de la journée, dans quel sens vous allez suivre votre parcours (la lumière n’est pas orientée de la même façon tout au long de la journée, pensez-y).

Il vous faut savoir aussi quel matériel photo emporter, prendre 10 kg d’objectifs pros « au cas où » n’étant pas la meilleure solution si vous devez marcher toute la journée (en fait, ce n’est pas la bonne solution du tout).

Avez-vous pensé aux repérages préalables ?  A vos envies ? A celles de vos proches ? Savez-vous ce que vous voulez faire de vos photos au retour ?  Dans quelles séries existantes elles pourraient s’inscrire ?

Cet ouvrage répond à ces questions que vous ne vous posiez pas encore (mais maintenant c’est le cas) : il est conçu pour vous guider avant, pendant et après votre séjour. Voyez-le comme une boîte à outils au service d’une méthode forgée sur le terrain par un photographe spécialiste du genre qui a usé ses semelles dans un grand nombre de villes d’un bout à l’autre de la planète. Repérages, outils de planification des parcours, matériel photographique, informatique, l’expérience parle.

Après les préliminaires,  vous voici en action sur le terrain. Lever matinal (je suis moins fan), fin de journée tardive (j’aime mieux), découvrez les bonnes pratiques pour faire vos premiers pas comme … les derniers.

Comme promis, page 54, vous allez régler le sort de vos proches : Eric Forey vous explique quoi leur dire et comment vous comporter avec famille et amis (faites une fiche, ça vaut de l’or !).

Déambuler en ville est une chose, savoir quels sont les bons lieux à photographier et vous y rendre en est une autre. C’est le chapitre 3. Pour sortir des clichés « cartes postales », il vous faudra aussi savoir comment tourner autour des sujets en extérieur, quels cadrages privilégier, quels réglages. Idem en intérieur, les contraintes diffèrent aussi vous allez découvrir comment jouer avec les espaces et leur volume, la balance des blancs et l’exposition.

Un city trip photo ne consistant pas à réaliser le catalogue d’une agence de voyages,  vous devez penser à développer votre démarche, à faire des photos qui vous ressemblent, à traduire en images ce qui résonne en vous. Chaque ville a une âme, vous-aussi (même David duChemin en parle), vous ne photographierez pas Paris comme Lyon ou Marseille.

Apprenez à composer avec les différents plans, à chercher les reflets, à jouer avec les ombres ou à écraser les perspectives.

Je vous recommande de faire vos propres fiches à la lecture du livre, glissées dans votre poche pendant le séjour, elles vous aideront à varier les angles et les prises de vue.

Dans le dernier chapitre, Eric Forey vous pousse à l’improvisation.  Après vous avoir dit de faire le contraire en préparant tout, oui oui …

« Une préparation même excellente ne permettra jamais de ressentir totalement une ville, son rythme, sa couleur, son ambiance, sa lumière. Pour cela il faut se laisser surprendre… ».

Vous l’avez compris, ce sont les rencontres, les événements, les imprévus qui vont pimenter votre séjour et vous permettre de ramener des images dont vous serez fier, loin des cartes postales des brochures publicitaires et des « meilleurs spots Instagram à ne pas manquer sous peine de passer pour un looser » (ce n’est pas Eric qui le dit, c’est moi).

Apprenez à vous laisser surprendre, à partir à l’aventure, laissez-vous une part d’improvisation !

Mon avis sur ce livre

De l’expérience, du vécu, des photos (nombreuses), des conseils concrets, une liste de ressources pour ne rien négliger, les 23 euros à dépenser pour vous procurer ce livre pourraient bien sauver votre prochain séjour touristique en ville.

Ne pensez pas que ce livre ne concerne que les voyages dans les capitales du bout du monde, vous vous appliquerez à mettre en œuvre ces conseils lors d’un séjour dans une ville située à deux heures de chez vous comme dans  votre ville pourquoi pas. Un séjour photo touristique se prépare déjà dans votre tête, il se pourrait même que la destination importe peu au final tant chaque ville est riche de sujets bien souvent méconnus.

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« Photographier, c’est écrire avec la lumière. » Cette affirmation ne vous apporte pas pour autant la réponse à votre problème : comment capturer la lumière ?

La lumière est souvent imprévisible, incontrôlable lorsqu’elle est naturelle. Vous devez être capable de la gérer, en comprenant quelle est sa nature, quel est le type de lumière, quel résultat cela vous donnera.

La première édition de ce livre est aujourd’hui épuisée, aussi Michael Freeman vous propose cette seconde édition aux textes et illustrations actualisés, une approche pragmatique et atypique parfois pour apprendre à gérer la lumière.

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Capturer la lumière : les trois types de lumière naturelle

Savez-vous qu’il existe trois types de lumière naturelle ?

• la lumière que vous pouvez planifier,
• la lumière qui change si rapidement que vous devez la rechercher,
• la lumière que vous pouvez modifier.

La série de 57 leçons, assortis de nombreuses (et magnifiques) photos d’illustration, ne concerne pas la lumière artificielle, l’utilisation d’un flash. Intéressez-vous plutôt à « « Photo au flash » » de Scott Kelby si c’est votre besoin.

Ce que j’ai trouvé intéressant dans ce livre, c’est que Michael Freeman ne s’intéresse pas à la seule « belle lumière ». En effet, il considère que chaque type de lumière pourrait se voir attribuer un « coefficient de beauté » :

• l’heure dorée avec ses couleurs chaudes, aurait une note de 8/10,
• un ciel gris uniforme se verrait attribuer une note de 1 ou 2 sur 10.

Mais son propos ne se résume pas à la constitution d’une échelle de valeur. Pourquoi une photo faite avec un ciel blanc serait moins attirante qu’une photo faite à l’heure bleue (sauf sur Instagram !) ?

Il s’agit bien de vous apprendre à exploiter chaque type de lumière naturelle.

Capturer la lumière, ou comment utiliser cette matière

J’ai beaucoup apprécié la vision de Freeman qui voit la lumière comme une matière à travailler. Cette matière apporte qualité, atmosphère et ambiance à vos images. Observez bien les photos qui vous plaisent, je suis persuadé que la lumière contribue toujours à l’harmonie d’ensemble.

Parce que tout repose sur l’exposition en photographie, Michael Freeman vous en parle tout au long de l’ouvrage. Bien capturer la lumière, c’est aussi maîtriser l’exposition !

Il vous fait prendre conscience que vous intéresser à la qualité de la lumière c’est apprendre à bien régler votre appareil photo pour retranscrire ce que vous avez voulu montrer en fonction de chaque situation. A vous la découverte, puis la maîtrise, de la lumière rasante, du soleil étoilé, de la lumière masquée, du clair-obscur, de l’atténuation, de la lumière directionnelle ou encore du remplissage.

Capturer la lumière : attendre, chercher, modifier

Dans la première partie de ce livre, vous allez étudier les différents types d’éclairage que vous pouvez espérer obtenir avec la lumière naturelle. Vous verrez d’ailleurs que certains sont assez inattendus.

Dans la deuxième partie, vous allez apprendre à profiter d’une lumière souvent imprévisible. Votre approche devra alors changer, vous ne serez plus dans l’attente mais dans la saisie d’un instant particulier. Vous apprendrez à travailler, à régler tout aussi vite votre appareil photo pour profiter de cette lumière qui ne fait que passer et la saisir au mieux.

Dans la troisième partie enfin, vous apprendrez à modifier la lumière à l’aide de techniques plus expertes de manipulation de l’éclairage. Il sera ici question d’améliorer, de réduire et de contrôler la lumière disponible.

À qui s’adresse « Capturer la lumière » de Michael Freeman ?

Vous connaissez mon attachement pour Michael Freeman, son travail et ses livres. Je vous en parle souvent, et j’ai déjà mis en avant plusieurs de ses ouvrages tels que « 50 pistes créatives en photographie » ou « Capturer l’instant« .

Vous êtes photographe débutant ?

Vous savez déclencher et utiliser votre appareil photo mais vos premiers résultats ne sont pas à la hauteur de vos attentes. Ce n’est pas la faute du matériel, c’est votre manque d’expérience, c’est normal.

Vous allez apprendre ce qu’est la lumière naturelle, comment l’utiliser  de façon à ce que l’éclairage de votre scène soit le meilleur possible pour obtenir des photos intéressantes.

Ces notions simple à comprendre et à mettre en œuvre vous permettront de faire un premier grand pas en avant.

Vous êtes photographe amateur ?

Vous maîtrisez déjà les bases de la photographie mais vous avez parfois du mal à bien gérer la lumière, à bien exposer vos photos.

Vous allez apprendre à utiliser la lumière de différentes façons pour créer des photos originales. Vous vous plairez alors à chercher, saisir et modeler la lumière.

Il vous faudra de la pratique et du temps, mais les résultats viendront et vous en serez fier.

Vous êtes photographe expert ?

Vous maîtrisez un des domaines de la photographie, mais vous aimeriez étendre vos capacités.

Étudier la lumière, comprendre ses différentes natures, savoir comment l’utiliser pour atteindre un résultat différent de ce que vous faites déjà est une nécessité.

Vous allez découvrir comment réutiliser ce que vous savez déjà en matière d’exposition pour passer un nouveau cap, et donner un nouveau tournant à votre démarche créative.

Je l’avoue, je ne suis pas toujours objectif lorsqu’il s’agit de parler de Michael Freeman. Mais si je devais retenir un livre parmi ceux publiés ces dernières années, celui-ci serait en haut de ma pile (d’ailleurs … il y est).

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La photo, composition et couleur, est la seconde édition d’un livre de Harald Mante intitulé initialement « Composition et couleur en photographie ». 

Ce livre qui fait partie des références quel que soit votre niveau en photographie aborde différentes notions essentielles parmi lesquels l’art du cadrage, de la composition et de la création d’une photographie. Voici ce que je pense de cette seconde édition.

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La photo, composition et couleur par Harald Mante, présentation

Je ne compte plus les ouvrages sur les principes de la photographie dans ma bibliothèque. Certains abordent un thème et le détaillent, c’est le cas de la série « Les secrets de … » chez Eyrolles. D’autres sont des ouvrages complets, abordant plusieurs thèmes comme « Composez, réglez, déclenchez« , l’auteur s’efforce de vous communiquer ce qu’il considère être les règles communément admises tout en apportant sa vision.

Le livre d’Harald Mante s’inscrit dans cette seconde catégorie. L’auteur, Harald Mante, est photographe, peintre, enseignant d’origine allemande (le livre est traduit par Volker Gilbert). Le succès de ses deux premiers livres lui a valu un poste d’enseignant en Allemagne, et après avoir fusionné le contenu des deux livres dans la première édition de cet ouvrage, il vient de le mettre à jour pour cette seconde édition.

Il s’agit donc bien d’un nouveau livre, dont le contenu repose forcément sur les mêmes notions, mais apparaissent 300 nouvelles images, des illustrations revues et complétées, de nombreuses reprises du texte, et le format carré propre à cette édition.

De quoi parle ce livre ?

Autant le dire tout de suite, si vous cherchez un livre de recettes, avec des photos à reproduire, ce n’est pas l’ouvrage qu’il vous faut. Il s’agit d’un livre d’apprentissage, dans lequel vous allez trouver la présentation des différentes notions sous un angle académique.

Non pas que l’auteur n’ait pas illustré l’ouvrage de photos, il y en a des centaines, mais le but de ce livre est bien de faire de vous apprendre quelque chose plutôt que de vous inciter à appliquer sans trop savoir pourquoi.

Toutefois ne pensez pas qu’il s’agisse d’un livre académique difficile à parcourir. C’est tout le contraire.  Plutôt que de partir dans des considérations complexes sur le processus créatif, Harald Mante s’intéresse aux notions « de base » mais pour autant essentielles.

Il le fait de façon structurée, claire et pertinente. Un exemple ? Savez-vous comment choisir entre format portrait (vertical) et format paysage (horizontal) ? Vous ne pouvez pas décider par hasard, et vous apprendrez que la ligne horizontale symbolise l’équilibre absolu tandis que la ligne verticale a la faculté de diviser davantage les surfaces au format paysage.

Savez-vous qu’il y a des points distincts et des points perturbateurs dans une image ? De même vous allez apprendre comment gérer les diagonales et les lignes obliques. Ou encore travailler avec les surfaces et les contrastes.

Harald Mante n’est pas uniquement photographe, il est aussi professeur d’art photographique et cela se ressent dans cet ouvrage. La qualité de la traduction de Volker Gilbert ajoute à l’intérêt du livre. Voici un livre agréable à parcourir, au gré de vos envies et besoins, de façon chronologique ou non.

Je n’oublie pas la qualité des photos, elles font de ce livre un ouvrage que j’aime consulter aussi pour trouver l’inspiration. Le tarif de 28 euros, dans la moyenne pour un livre bien imprimé et relié, ne devrait pas être un frein, cet investissement sera vite amorti si vous prenez la peine de suivre les enseignements et, surtout, de les appliquer.

A qui s’adresse le livre « La photo, composition et couleur » ?

Ce livre s’adresse à vous si découvrir, comprendre et mettre en application les notions de base du graphisme et de la photographie vous semble important pour améliorer votre pratique personnelle. Que vous soyez photographe débutant, amateur ou créatif intéressé par l’approche graphique, vous trouverez dans ce livre de quoi satisfaire votre curiosité.

Les photographes plus experts y trouveront l’inspiration pour trouver de nouvelles voies, identifier des axes créatifs auxquels ils n’avaient pas nécessairement pensé. Les coloristes y trouveront les notions avancées nécessaires à connaître pour approfondir leur démarche.

En résumé voici un livre qui s’inscrit dans la durée, ce qui est un des meilleurs signes de l’intérêt qu’il présente. Que vous ayez envie de vous faire plaisir ou de faire plaisir à un proche, n’hésitez pas, c’est une valeur sûre !

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