« Photographier, c’est écrire avec la lumière. » Cette affirmation ne vous apporte pas pour autant la réponse à votre problème : comment capturer la lumière ?

La lumière est souvent imprévisible, incontrôlable lorsqu’elle est naturelle. Vous devez être capable de la gérer, en comprenant quelle est sa nature, quel est le type de lumière, quel résultat cela vous donnera.

La première édition de ce livre est aujourd’hui épuisée, aussi Michael Freeman vous propose cette seconde édition aux textes et illustrations actualisés, une approche pragmatique et atypique parfois pour apprendre à gérer la lumière.

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Capturer la lumière : les trois types de lumière naturelle

Savez-vous qu’il existe trois types de lumière naturelle ?

• la lumière que vous pouvez planifier,
• la lumière qui change si rapidement que vous devez la rechercher,
• la lumière que vous pouvez modifier.

La série de 57 leçons, assortis de nombreuses (et magnifiques) photos d’illustration, ne concerne pas la lumière artificielle, l’utilisation d’un flash. Intéressez-vous plutôt à « « Photo au flash » » de Scott Kelby si c’est votre besoin.

Ce que j’ai trouvé intéressant dans ce livre, c’est que Michael Freeman ne s’intéresse pas à la seule « belle lumière ». En effet, il considère que chaque type de lumière pourrait se voir attribuer un « coefficient de beauté » :

• l’heure dorée avec ses couleurs chaudes, aurait une note de 8/10,
• un ciel gris uniforme se verrait attribuer une note de 1 ou 2 sur 10.

Mais son propos ne se résume pas à la constitution d’une échelle de valeur. Pourquoi une photo faite avec un ciel blanc serait moins attirante qu’une photo faite à l’heure bleue (sauf sur Instagram !) ?

Il s’agit bien de vous apprendre à exploiter chaque type de lumière naturelle.

Capturer la lumière, ou comment utiliser cette matière

J’ai beaucoup apprécié la vision de Freeman qui voit la lumière comme une matière à travailler. Cette matière apporte qualité, atmosphère et ambiance à vos images. Observez bien les photos qui vous plaisent, je suis persuadé que la lumière contribue toujours à l’harmonie d’ensemble.

Parce que tout repose sur l’exposition en photographie, Michael Freeman vous en parle tout au long de l’ouvrage. Bien capturer la lumière, c’est aussi maîtriser l’exposition !

Il vous fait prendre conscience que vous intéresser à la qualité de la lumière c’est apprendre à bien régler votre appareil photo pour retranscrire ce que vous avez voulu montrer en fonction de chaque situation. A vous la découverte, puis la maîtrise, de la lumière rasante, du soleil étoilé, de la lumière masquée, du clair-obscur, de l’atténuation, de la lumière directionnelle ou encore du remplissage.

Capturer la lumière : attendre, chercher, modifier

[su_frame][/su_frame]Dans la première partie de ce livre, vous allez étudier les différents types d’éclairage que vous pouvez espérer obtenir avec la lumière naturelle. Vous verrez d’ailleurs que certains sont assez inattendus.

Dans la deuxième partie, vous allez apprendre à profiter d’une lumière souvent imprévisible. Votre approche devra alors changer, vous ne serez plus dans l’attente mais dans la saisie d’un instant particulier. Vous apprendrez à travailler, à régler tout aussi vite votre appareil photo pour profiter de cette lumière qui ne fait que passer et la saisir au mieux.

Dans la troisième partie enfin, vous apprendrez à modifier la lumière à l’aide de techniques plus expertes de manipulation de l’éclairage. Il sera ici question d’améliorer, de réduire et de contrôler la lumière disponible.

À qui s’adresse « Capturer la lumière » de Michael Freeman ?

Vous connaissez mon attachement pour Michael Freeman, son travail et ses livres. Je vous en parle souvent, et j’ai déjà mis en avant plusieurs de ses ouvrages tels que « 50 pistes créatives en photographie » ou « Capturer l’instant« .

Vous êtes photographe débutant ?

Vous savez déclencher et utiliser votre appareil photo mais vos premiers résultats ne sont pas à la hauteur de vos attentes. Ce n’est pas la faute du matériel, c’est votre manque d’expérience, c’est normal.

Vous allez apprendre ce qu’est la lumière naturelle, comment l’utiliser  de façon à ce que l’éclairage de votre scène soit le meilleur possible pour obtenir des photos intéressantes.

Ces notions simple à comprendre et à mettre en œuvre vous permettront de faire un premier grand pas en avant.

Vous êtes photographe amateur ?

Vous maîtrisez déjà les bases de la photographie mais vous avez parfois du mal à bien gérer la lumière, à bien exposer vos photos.

Vous allez apprendre à utiliser la lumière de différentes façons pour créer des photos originales. Vous vous plairez alors à chercher, saisir et modeler la lumière.

Il vous faudra de la pratique et du temps, mais les résultats viendront et vous en serez fier.

Vous êtes photographe expert ?

Vous maîtrisez un des domaines de la photographie, mais vous aimeriez étendre vos capacités.

Étudier la lumière, comprendre ses différentes natures, savoir comment l’utiliser pour atteindre un résultat différent de ce que vous faites déjà est une nécessité.

Vous allez découvrir comment réutiliser ce que vous savez déjà en matière d’exposition pour passer un nouveau cap, et donner un nouveau tournant à votre démarche créative.

Je l’avoue, je ne suis pas toujours objectif lorsqu’il s’agit de parler de Michael Freeman. Mais si je devais retenir un livre parmi ceux publiés ces dernières années, celui-ci serait en haut de ma pile (d’ailleurs … il y est).

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La photo, composition et couleur, est la seconde édition d’un livre de Harald Mante intitulé initialement « Composition et couleur en photographie ». 

Ce livre qui fait partie des références quel que soit votre niveau en photographie aborde différentes notions essentielles parmi lesquels l’art du cadrage, de la composition et de la création d’une photographie. Voici ce que je pense de cette seconde édition.

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La photo, composition et couleur par Harald Mante, présentation

Je ne compte plus les ouvrages sur les principes de la photographie dans ma bibliothèque. Certains abordent un thème et le détaillent, c’est le cas de la série « Les secrets de … » chez Eyrolles. D’autres sont des ouvrages complets, abordant plusieurs thèmes comme « Composez, réglez, déclenchez« , l’auteur s’efforce de vous communiquer ce qu’il considère être les règles communément admises tout en apportant sa vision.

Le livre d’Harald Mante s’inscrit dans cette seconde catégorie. L’auteur, Harald Mante, est photographe, peintre, enseignant d’origine allemande (le livre est traduit par Volker Gilbert). Le succès de ses deux premiers livres lui a valu un poste d’enseignant en Allemagne, et après avoir fusionné le contenu des deux livres dans la première édition de cet ouvrage, il vient de le mettre à jour pour cette seconde édition.

Il s’agit donc bien d’un nouveau livre, dont le contenu repose forcément sur les mêmes notions, mais apparaissent 300 nouvelles images, des illustrations revues et complétées, de nombreuses reprises du texte, et le format carré propre à cette édition.

De quoi parle ce livre ?

[su_frame][/su_frame]Autant le dire tout de suite, si vous cherchez un livre de recettes, avec des photos à reproduire, ce n’est pas l’ouvrage qu’il vous faut. Il s’agit d’un livre d’apprentissage, dans lequel vous allez trouver la présentation des différentes notions sous un angle académique.

Non pas que l’auteur n’ait pas illustré l’ouvrage de photos, il y en a des centaines, mais le but de ce livre est bien de faire de vous apprendre quelque chose plutôt que de vous inciter à appliquer sans trop savoir pourquoi.

Toutefois ne pensez pas qu’il s’agisse d’un livre académique difficile à parcourir. C’est tout le contraire.  Plutôt que de partir dans des considérations complexes sur le processus créatif, Harald Mante s’intéresse aux notions « de base » mais pour autant essentielles.

Il le fait de façon structurée, claire et pertinente. Un exemple ? Savez-vous comment choisir entre format portrait (vertical) et format paysage (horizontal) ? Vous ne pouvez pas décider par hasard, et vous apprendrez que la ligne horizontale symbolise l’équilibre absolu tandis que la ligne verticale a la faculté de diviser davantage les surfaces au format paysage.

Savez-vous qu’il y a des points distincts et des points perturbateurs dans une image ? De même vous allez apprendre comment gérer les diagonales et les lignes obliques. Ou encore travailler avec les surfaces et les contrastes.

Harald Mante n’est pas uniquement photographe, il est aussi professeur d’art photographique et cela se ressent dans cet ouvrage. La qualité de la traduction de Volker Gilbert ajoute à l’intérêt du livre. Voici un livre agréable à parcourir, au gré de vos envies et besoins, de façon chronologique ou non.

Je n’oublie pas la qualité des photos, elles font de ce livre un ouvrage que j’aime consulter aussi pour trouver l’inspiration. Le tarif de 28 euros, dans la moyenne pour un livre bien imprimé et relié, ne devrait pas être un frein, cet investissement sera vite amorti si vous prenez la peine de suivre les enseignements et, surtout, de les appliquer.

A qui s’adresse le livre « La photo, composition et couleur » ?

Ce livre s’adresse à vous si découvrir, comprendre et mettre en application les notions de base du graphisme et de la photographie vous semble important pour améliorer votre pratique personnelle. Que vous soyez photographe débutant, amateur ou créatif intéressé par l’approche graphique, vous trouverez dans ce livre de quoi satisfaire votre curiosité.

Les photographes plus experts y trouveront l’inspiration pour trouver de nouvelles voies, identifier des axes créatifs auxquels ils n’avaient pas nécessairement pensé. Les coloristes y trouveront les notions avancées nécessaires à connaître pour approfondir leur démarche.

En résumé voici un livre qui s’inscrit dans la durée, ce qui est un des meilleurs signes de l’intérêt qu’il présente. Que vous ayez envie de vous faire plaisir ou de faire plaisir à un proche, n’hésitez pas, c’est une valeur sûre !

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228 conseils pour réussir la photo de portrait ? Ce n’est pas un peu beaucoup ? A qui cela peut bien s’adresser ?

A vous, photographe amateur, grand débutant ou plus expert, qui souhaite faire du portrait sans devoir parcourir des centaines de pages de références plus académiques.

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Réussir la photo de portrait, un challenge ?

De nombreux photographes amateurs font de la photo nature, de la photo d’animaux, pour plusieurs raisons :

• la nature et les animaux sont plus simples à approcher que les humains,
• la nature impose sa force même si la photo n’est pas exceptionnelle,
• la nature et les animaux se trouvent partout, un bon sujet pour le portrait c’est moins vrai.

Ces mêmes photographes, vous peut-être, me disent pourtant souvent vouloir passer un cap, faire des photos « plus créatives », « plus abouties » et ne savent pas comment s’y prendre.

Je réponds souvent qu’il peut être bon, lorsqu’on en est là, de changer de domaine. La nature et les animaux ont leurs vertus mais approcher l’humain, c’est autre chose.

Émotion, ressenti, intention sont critiques pour réussir une photo de portrait. Le regard de l’autre, qui vous observe autant qu’il se sent observé lors de la prise de vue, est intimidant. C’est une bonne contrainte, cela vous pousse à faire plus vite, plus beau, plus abouti.

La photo de portrait ne saurait éclipser la photo nature et la photo d’animaux, mais elle devrait faire parti de votre pratique quotidienne (voir « comment faire un portrait photo« )

[su_frame][/su_frame] Relever ce challenge est important, et nombreux sont les livres qui vous aident. Certains sont de vraies références académiques, avec des plans d’éclairage, des considérations professionnelles. Ces ouvrages ne sont pas toujours à la portée des plus débutants.

D’autres par contre, et c’est le cas du livre dont il est question ici, sont plus abordables. Pas moins pertinents, mais leur présentation, leur approche, les exemples donnés sont plus facilement réalisables par un amateur que ne le sont les photos de portrait faisant appel à de nombreux accessoires de studio, des assistants et des éclairages coûteux.

Dans « Tout pour réussir la photo de portrait » (First Editions), dont la traduction par Bernard Jolivalt est de grande qualité, vous allez trouver une longue liste de conseils.

Je préfère employer ce terme que celui de « fiche pratique », car certains de ces « conseils » tiennent en quelques lignes, sans qu’ils ne soient une méthode étape par étape.

Mais ils ne manquent pas d’intérêt pour autant car chacun est claire, simple à comprendre et à assimiler, et les exemples donnés sont très parlants.

Vous avez peut-être du mal à lire les ouvrages dont le texte prend beaucoup de place et qu’il faut parcourir de la première à la dernière page sans en sauter une seule.

Pas de ça ici, ce livre est un assemblage de paragraphes très colorés, le texte est consistant mais pas envahissant, les notions sont toutes utiles.

Sur 228 conseils il y a de la redondance, des choses que vous savez déjà et des notions dont vous n’aurez jamais besoin. Mais c’est le propre d’un livre qui fait le tour du sujet que d’être exhaustif.

J’ai aimé tout particulièrement ces idées, de pages en pages, pour faire des photos différentes.

Vous pensez que le portrait c’est photographier quelqu’un de face, voire de profil, avec une belle lumière ? Ce n’est pas que ça, loin de là. Regardez la photo de ce musicien de rue (conseil 67), vous comprendrez ce que je veux dire. Comment, un portrait ça ? Oui, et pas qu’un peu.

Le portrait ne consiste pas qu’à montrer le regard de l’autre, il consiste aussi à illustrer ce qu’est l’autre, sa vie, son milieu, son caractère.

Mon avis sur ce livre

« Tout pour réussir la photo de portrait » rentre dans la catégorie des guides pratiques, il vous permet de disposer d’un grand nombre d’idées à appliquer immédiatement, comme à garder pour des séances ultérieures, dans des lieux bien particuliers.

Il vous donne aussi de nombreuses idées de photos à réaliser chez vous, ou près de chez vous, si vous ne savez vous déplacer à l’autre bout du monde ou que vous n’avez pas accès à un studio.

La photo est souvent là où on ne l’attend pas, le portrait vous tend les bras dès que vous passez le pas de votre porte, alors pourquoi ne pas vous laisser faire et vous y mettre ?

Il vous en coûtera 26 euros pour découvrir ce domaine si attirant, comprendre comment vous lancer, passer à l’action et être fier(e) du résultat. Ça vaut la peine non ?

Une dernière chose … Si vous aimez les animaux, sachez que le portrait d’animaux fait aussi partie des sujets traités, regardez page 187 et suivantes.

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Dans cette seconde édition du livre « Les secrets du cadrage photo », Denis Dubesset vous fait découvrir ce qui va faire de vos photos des images plus harmonieuses, plus fortes, avec un impact visuel plus important pour ceux qui vont les regarder.

Plus qu’une simple réimpression assortie d’une nouvelle couverture, cette seconde édition est entièrement remaniée, les textes actualisés, de nouvelles photos illustrent chaque chapitre. Ce livre va vous apprendre les notions essentielles pour passer un cap en photographie et faire des photos qui vous plaisent toujours plus.

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Le cadrage en photographie : de la composition, de la créativité, et puis ?

Lorsque vous avez débuté en photographie, vous avez peut-être tenu compte des règles communément admises : bien exposer, respecter l’horizon, ne pas centrer votre sujet, … Ces règles qui ne demandent qu’à être oubliées une fois que vous les maîtrisez ne vous ont toutefois pas permis encore de faire les photos que vous aimeriez faire.

Il vous manque quelque chose. Ce « quelque chose » qui fait une bonne photo, même si la définition d’une bonne photo reste toujours quelque chose de subjectif (voir la définition de Michael Freeman).

Denis Dubesset est photographe professionnel, j’ai eu le plaisir de l’interviewer lors du Salon de la Photo de Paris en 2019 sur le stand des éditions Eyrolles. En 2014, Denis a écrit un livre sur l’art du cadrage en photographie. J’avais apprécié cet ouvrage à l’époque, tout comme les autres volumes de la collection « Les Secrets de … » chez Eyrolles. Ces livres sont très accessibles, ils adressent les besoins des photographes débutants comme plus experts. Je n’ai que des retours positifs à leur sujet.

Denis Dubesset, lui, a déjà publié plusieurs livres sur la photo (voir Développer son style en photographie et La photo minimaliste), et plutôt que d’écrire un nième opus sur des sujets proches, il a préféré actualiser la première édition de son livre sur le cadrage photo. Une initiative que je salue, car trop de nouvelles éditions sont de simples réimpressions, datées souvent, obsolètes parfois.

Ici tout est nouveau ou presque. Le nouveau texte, déjà, vous invite à plus d’exercices, de pratique sur le terrain. Expliquer est une chose mais pratiquer en est une autre. C’est ce que l’auteur vous invite à faire.

Les images sont nouvelles aussi pour la plupart. Vous me direz, et vous aurez raison, que cela ne justifie pas une nouvelle édition. C’est vrai. Toutefois à nouvelle approche, nouvelles images, les exemples commentés dans la dernière partie du livre sont choisis pour coller au mieux à ce qui est présenté avant. Et comme l’approche a évolué, il est logique que les photos évoluent aussi. CQFD.

Qu’allez-vous apprendre avec ce livre sur le cadrage en photographie ?

Ce livre va vous apprendre ce que signifie le terme ‘cadrage photo‘. Vous pensez qu’il ne s’agit « que » de remplir le cadre dans votre viseur en prenant soin de ne pas placer votre sujet au centre ? Vous vous trompez.

Le cadrage, en photographie, est lié à la notion de composition. Cadrer c’est aussi composer, « mettre en place de façon minutieuse les éléments qui composent votre image ».

Partant des grands principes et règles établies, Denis Dubesset vous invite à réfléchir à votre approche en vous livrant à quelques exercices pratiques.

« Réfléchir » est le fil conducteur de ce livre, l’art du cadrage et de la composition n’étant pas quelque chose qui s’achète mais plutôt une pratique personnelle qui s’affine avec le temps. Je retrouve bien ici l’approche personnelle de Denis Dubesset, ne pas se contenter de poncifs mais penser à ce que vous voulez dire, exprimer, transmettre. Les possibles imperfections vous seront alors pardonnées.

Au sommaire des secrets du cadrage photo

Parcourez ce livre dans l’ordre établi par l’auteur, il est pensé pour faciliter votre apprentissage :

• apprendre à lire une image
• savoir choisir votre cadrage photo
• les règles de composition classiques
• savoir composer instinctivement
• post-traiter vos images pour finir le travail

J’ai particulièrement apprécié le chapitre décrivant les erreurs classiques. Nous les commettons tous, parfois sans nous en rendre compte aussi les voir ainsi listées et détaillées va vous aider à identifier celles que vous faites peut-être. Prendre conscience de vos erreurs vous aidera ensuite à ne plus les commettre.

Avant les images expliquées qui constituent la dernière partie du livre, Denis Dubesset vous invite à mettre en œuvre ce que vous avez découvert précédemment :

• faire entrer le spectateur dans l’image,
• créer un cadre dans le cadre,
• jouer avec les couleurs,
• travailler le noir et blanc,
• hiérarchiser les plans,
• observer en gros plan,
• figer le temps,
• cadrer le mouvement,
• photographier les choses banales,
• jouer avec le graphisme,
• raconter une histoire en photo.

Cette liste peut vous paraître bien longue, vous pensez peut-être que tout ne vous concerne pas et pourtant … souhaitez-vous faire toujours les mêmes photos, ne jamais vous renouveler ? Aimeriez-vous au contraire pouvoir traiter différents sujets, différentes scènes tout en produisant des images toujours aussi attrayantes ? Prenez le temps de tout lire !

La dernière partie du livre est consacrée à l’étude de dix photos. Vous allez découvrir ce qu’est la lecture d’images, l’analyse de la composition. Pour chacune de ces dix photos, l’auteur vous invite à vous poser les questions suivantes :

• quelle intention a conduit l’auteur à faire cette photo ?
• comment a t-il fait pour guider le regard du spectateur ?
• pourquoi avoir choisi ce cadre, cette orientation, cet angle de vue ?

Imaginez que vous sachiez ensuite trouver vous-aussi les réponses à ces questions pour vos photos … Puis y répondre avant même de déclencher … instinctivement … Vous avez alors compris l’intérêt de ce livre pour vous.

Les secrets du cadrage photo : à qui s’adresse ce livre ?

Ce livre sur le cadrage photo et la composition s’adresse au photographe débutant qui va y trouver de quoi s’intéresser à l’image plus qu’à la technique. Cela ne nuit jamais.

Il s’adresse aussi au photographe amateur qui n’arrive pas à progresser, ne sachant pas ce qui coince dans sa production. Réfléchir en vous posant les bonnes questions va vous aider à trouver les réponses.

Il s’adresse enfin au photographe expert, satisfait par la plupart de ses images, mais qui voudrait développer une démarche plus aboutie, une démarche d’auteur. Si c’est votre cas, vous y trouverez de quoi « penser » votre production d’images, plutôt que de déclencher d’abord et de chercher à trouver du sens à vos images ensuite, en constatant bien souvent le manque d’unité caractéristique d’une démarche encore fragile.

Proposé par l’éditeur au tarif public de 23 euros, ce livre vous permet de prendre de la distance avec la technique pour (enfin) réfléchir à votre démarche créative personnelle. Un bel objectif non ?

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Le portrait photo est une pratique qui vous attire, vous avez le matériel adéquat mais vous ne savez pas faire poser vos modèle ni les diriger. Vous manquez d’idées pour faire des photos créatives, et au final vous vous découragez et vous ne faites rien. Je vous invite à découvrir « Maîtriser, l’art de poser », par Lindsey Adler.

L’approche de cette photographe américaine parmi les plus connues dans son domaine pourrait bien vous étonner.

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Lindsey Adler : présentation

J’ai découvert la photographe Lindsey Adler grâce à mes amis Céline et Guillaume Manceron (Studio dans les Nuages). Je les sentais sous le charme chaque fois qu’ils revenaient des conventions auxquelles Lindsey Adler participait.

Quand Céline me disait « Lindsay, une des meilleures photographes au monde ! On est tous les deux fans de son travail et amoureux de la photographe !« , je sentais bien qu’il devait se passer quelque chose. Mais je n’avais pas pris le temps encore de regarder de quoi il s’agissait.

Pourquoi cet engouement pour Lindsey Adler ?

Parce qu’elle est partout, déjà. Ses photos ont été publiées dans les magazines les plus connus tels Elle ou Marie-Claire pour les titres francophones. Vous pouvez avoir un aperçu de ses photos récentes sur son compte Instagram comme sur son site web.

Outre son travail avec les marques (Canon, Adobe, Microsoft) Lindsey Adler partage son expérience lors de formations, de conférences (comme WPPI à Las Vegas chaque année), et dans ses livres dédiés à l’art du portrait.

Les livres, parlons-en.

« Posing », la version originale que mes deux compères ont fait dédicacer par Lindsay « herself », est enfin traduit en français, chez First Editions dans la collection Focus. Cet éditeur ne manque pas de nez depuis plusieurs mois pour nous dénicher des ouvrages forts intéressants (comme La photographie de paysage, heure par heure). Je vous parle bientôt du livre de Valérie Jardin, le suivant dans ma pile, toujours chez First Editions.

Maîtriser l’art de poser, un livre de plus sur le portrait ?

Je ne compte plus les livres sur le portrait et le studio que j’ai eu l’occasion de découvrir et commenter. Certains m’ont attiré, comme 1 modèle, 50 portraits, d’autres moins (je n’en ai pas parlé). J’ai toujours un regard particulier sur ces livres car je ne pratique pas la photographie de portrait et le studio n’est pas ma tasse de thé. Je commente donc avec prudence.

Toutefois quand j’ai découvert le livre de Lindsey Adler, j’ai assez vite remarqué une particularité que je n’ai pas trouvé dans les ouvrages consultés auparavant, les qualités pédagogiques de l’auteur.

Lindsey Adler est aussi douée pour expliquer ce qu’elle fait que pour le faire.

C’est une qualité rare, certains photographes de studio, portraitistes, ayant tendance à considérer que leur Art est à ce point unique que vous ne pourriez le comprendre, ils se contentent de décrire ce qu’ils font, sans véritable envie de partager.

Lindsey Adler, elle, vous prend par la main de la première à la dernière page et vous invite à suivre ses explications. Le rythme anglo-saxon est de mise :

• une illustration + un texte = un enseignement,
• une série d’enseignements = un apprentissage.

Des conseils « actionable » donc, comme disent nos amis américains, que je traduirais par « pas de baratin mais du concret« .

Autre particularité de ce livre, sa maquette à la mise en page rythmée, comptant de nombreuses photos, des explications accessibles à tous, un langage simple. Tout l’art du formateur qui maîtrise … son art.

Les rappels visuels sont importants dans un livre dont la vocation est de vous enseigner un sujet aussi complexe. Dans « Maîtriser l’art de poser », Lindsey Adler en use à chaque double page.

Une notion importante à mettre en avant ? C’est l’encart grisé « Conseil de pro ».

Deux poses à comparer pour vous apprendre à faire la différence entre « la réussie » et « celle à éviter » ? Suivez les coches vertes et rouges.

« Le studio, ce n’est pas pour tout le monde »

[su_frame][/su_frame]Un des freins souvent évoqué lorsqu’il est question de portrait en studio, c’est … le studio. Vous n’êtes peut-être ni équipé, ni prêt à l’être, car ce qui vous intéresse, vous, c’est le portrait mais pas le studio. En intérieur, en extérieur, peu importe, mais sans accessoires.

Je vais être franc avec vous, ce livre parle beaucoup de portrait « en studio ».  Mais si l’art de faire poser vos modèles vous attire, vous pouvez reproduire à peu près tout ce qui est expliqué hors studio. Une pose reste une pose.

Vous photographiez des couples ? Des mariés ? C’est le portrait de famille qui vous intéresse ? Vous serez comblé par les chapitres dédiés.

Je vous passe les chapitres sur la pose en lingerie, jamais vulgaire, les photos de grossesse (Guillaume, je comprends maintenant !),  la photographie de rondeurs.

De même je ne peux que vous inviter à apprendre par coeur les dix étapes pour réussir une pose, et ses variantes, que vous trouverez pages 144 et suivantes.

Mon avis sur « Maîtriser l’art de poser » de Lindsey Adler

Il m’arrive d’être attiré par un livre quand je le découvre, puis de réaliser qu’il n’est pas si fascinant.

Il m’arrive aussi, moins souvent, de ne pas ouvrir un livre quand je le reçois, puis de découvrir plus tard que j’aurais du le faire.

C’est le cas pour « Maîtriser l’art de poser » de Lindsey Adler qui attendait sur mon bureau que je trouve le temps de vous le présenter.

Ce livre rassemble tout ce qu’il vous faut savoir, comprendre et appliquer pour réussir vos portraits.

Il est fort bien illustré, accessible, que vous soyez débutant ou déjà rodé à l’exercice.

Et, surtout, il va vous donner envie de vous lancer. Parce que c’est aussi ça un bon livre, un contenu qui vous touche, qui vous ouvre les yeux et vous fait avancer.

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Parmi les nombreux livres sur la photographie que je lis et commente, certains ont plus d’importance que d’autres pour développer votre pratique de la photographie. « Une vision de la photographie », l’adaptation française de l’ouvrage de Joel Meyerowitz qui accompagne sa Master Class, est devenu en quelques jours mon nouveau livre de chevet.

Voici pourquoi et ce qu’il peut vous apporter à vous aussi.

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Une vision de la photographie, ou les principes fondateurs de la pratique photo

L’initiative Masters of Photography consiste en une plateforme de formation en anglais via laquelle vous pouvez suivre en ligne les enseignements des grands noms de la photographie.

Parmi eux, un des photographes de rue les plus connus, dont les photos ont fait l’objet de plus de 350 expositions dans les musées et galeries du monde entier, reconnu par ses pairs comme un des pionniers de la photographie en couleur, vous aurez reconnu Joel Meyerowitz (voir son site).

Afin de compléter l’offre de formation en ligne, l’équipe fondatrice de Masters Of Photography décline des ouvrages tirés des Master Class, des condensés de ce que chaque photographe présente dans sa Master Class.

La version originale du livre de Joel Meyerowitz accompagnant sa Master Class a été adaptée en français récemment par les éditions Eyrolles, et pour avoir eu vent du projet avant qu’il ne soit finalisé, je dois dire que j’étais emballé.

Une fois le livre sur mon bureau, il ne m’a fallu que quelques dizaines de minutes pour me l’approprier, en faire mon nouveau livre de chevet, que je traîne partout avec moi depuis.

Le titre original du livre, « How I make photographs » annonce la couleur (sans mauvais jeu de mot), c’est le léger regret que j’ai face à la version française dont le titre « Une vision de la photographie » est moins pertinent.

Plus qu’une vision, le terme cher à Michael Freeman, il s’agit bien ici de découvrir comment Joel Meyerowitz pense sa pratique photographique, comment il met en perspective les vingt principes qu’il présente dans la Master Class. Autant de notions très concrètes.

Si le contenu du livre est forcément moins complet que celui de la Master Class comptant elle cinq heures de leçons vidéo, il n’en reste pas moins que ce condensé d’informations est d’une pertinence rare.

Chaque principe fondateur de la démarche de Joel Meyerowitz fait l’objet d’un chapitre dédié, le livre comporte en outre 95 photos parmi les plus influentes extraites de l’auteur. Vous compléterez ce livre de « Rétrospection » pour découvrir l’oeuvre complète de l’auteur.

J’ai beaucoup apprécié la présentation de ces vingt principes : c’est simple, lisible par tout le monde, concret, et applicable immédiatement. Le livre ne coûte que 15,90 euros, autant dire rien pour ce que vous pouvez en retirer.

Joel Meyerowitz vous livre des conseils essentiels pour :

• faire des photos au quotidien,
• savoir comment mettre vos sujets à l’aise,
• savoir choisir la focale qui convient à ce que vous voulez faire,
• comment observer le monde qui vous entoure pour trouver l’inspiration nécessaire,
• comment composer vos photos.

« Lorsque vous tenez un appareil photo, vous disposez d’un permis de voir. »

Joel Meyerowitz

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Comment profiter de ce livre ?

Attention : ne pensez pas qu’il vous suffit d’acheter le livre, de le lire à la va-vite et de retenir deux ou trois petites choses pour faire de meilleures photos. Vous seriez déçu et je m’en voudrais de vous avoir laissé penser que c’était aussi simple.

Prenez ce livre comme un cadeau que vous fait Meyerowitz qui partage de si belle façon sa démarche. Prenez le comme un carnet de bord que vous allez consulter souvent, sur lequel vous allez peut-être prendre des notes. Lisez une première fois chaque chapitre, c’est rapide. Revenez sur ceux qui vous parlent le plus. Approfondissez, prenez du recul pour comprendre ce que veut vraiment dire l’auteur, ne vous contentez pas de la surface, grattez.

Etudiez votre pratique, regardez vos photos, ressortez vos archives. Grâce au livre, vous allez trouver des réponses petit à petit. Joel Meyerowitz a mis 60 ans pour en arriver là où il en est, ne pensez pas que vous ferez le même parcours en 60 jours !

À qui s’adresse ce livre de Joel Meyerowitz ?

« Une vision de la photographie » s’adresse au photographe débutant qui pense que le choix du matériel prime sur la démarche personnelle. Il verra pourquoi ce n’est pas le cas.

Il s’adresse aussi à l’amateur de photographie qui veut aller plus loin, passer un cap dans sa pratique.

Il s’adresse à l’expert qui veut découvrir les secrets d’un pro, comprendre ce qui peut faire la différence.

Il s’adresse au professionnel qui souhaite comparer sa démarche à celle d’un des plus grands photographes, et réfléchir à sa pratique.

Il s’adresse enfin à … vous qui pourrez profiter de la passion et de l’enthousiasme communicatif de Meyerowitz, et ça, ça n’a pas de prix !

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Avec « La photo de paysage », le photographe et formateur américain Scott Kelby vous propose près de 200 conseils pratiques, compréhensibles par tous, et qui vont vous aider sur le terrain.

Si vous ne comprenez pas le sens des mots « hyperfocale et profondeur de champ » quand vous cherchez à faire la mise au point, mais que « fais le point à 1/3 de la distance totale dans l’image » vous parle mieux, lisez la suite …

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La photo de paysage, un domaine facile ?

La photo de paysage est le terrain de prédilection des photographes débutants et amateurs. Il est en effet plus facile de photographier un paysage que des gens, il est gratifiant de montrer la nature sous ses plus beaux jours et il y a des paysages partout. Si de plus le paysage s’y prête, le résultat est souvent flatteur.

Mais la photo de paysage s’avère en réalité un domaine complexe, et ne réussit pas qui veut.

L’apparente facilité s’avère vite limitante sur le terrain si vous n’avez pas les bases nécessaires. Quel matériel utiliser, quels réglages utiliser, quels cadrages choisir, autant de questions qui reviennent souvent dans les échanges entre photographes amateurs.

Devenir un expert en photo de paysage demande de la pratique, avant tout. Mais il vous faut connaître quelques astuces aussi sans quoi vous ne progresserez pas et vous serez déçu.

Saviez-vous par exemple que la quasi totalité des photos de paysage qui vous plaisent sont prises à l’aube et au crépuscule (pages 52 et 53) ? Mais qu’il est pourtant possible de réussir en pleine journée en connaissant quelques astuces (page 54) ?

Plutôt que de rédiger un ouvrage de référence sur le sujet, comme peut l’être « La photographie de paysage, heure par heure », Scott kelby que je ne présente plus tant il occupe le terrain en photographie (en savoir plus), a conçu un livre pratique.

Pratique car l’auteur va droit au but, emploie un vocabulaire compréhensible par tous, et traite chaque conseil l’un après l’autre dans un format court. En 10 lignes, par exemple, vous saurez comment obtenir des reflets dans l’eau, à coup sûr et sans rien dépenser (page 73). Vous utilisez des filtres ND avec un reflex (en savoir plus) ? Saviez-vous qu’il faut faire la mise au point en Live View dans ce cas (page 114) ?

Adapté en français par Gilles Théophile qui connaît son sujet, et un peu aussi la façon de s’exprimer de Scott Kelby (ses introductions de chapitres, vous savez ?), ce livre reprend donc la formule qui a fait le succès des précédents ouvrages de l’auteur, comme « Conseils photo : 220 trucs et astuces » ou « La photo au flash ».

Qu’allez-vous apprendre avec ce livre ?

Vous allez apprendre tout ce qu’il faut connaître pour réussir une photo de paysage. Cela va de la préparation au post-traitement, en passant par le choix du matériel, les réglages du boîtier, la composition, les techniques avancées comme la pose longue, les panoramas ou le HDR.

Vous rêvez de beaux nuages dans les ciels de vos photos ? Apprenez à les avoir en post-traitement et en quelques minutes (pages 170 et 171).

Vous allez aussi apprendre à préparer vos séances de prise de vue, car l’improvisation paye rarement pour ramener de belles images. Qu’il s’agisse de photographier à l’heure bleue comme de faire les bons repérages, Scott Kelby partage ses astuces de pros, toujours dans un langage simple, pour vous permettre de vous lancer sans plus attendre.

A qui s’adresse ce livre ?

A vous ! Sauf si vous êtes déjà photographe de paysage professionnel et que vous n’avez plus rien à apprendre.

Ce livre s’adresse aux plus débutants qui se posent plein de questions sans jamais trouver les bonnes réponses. Celles-ci font souvent référence à d’autres connaissances que les débutants n’ont pas, ils ne maîtrisent pas le vocabulaire technique, et ont du mal à trouver des ouvrages adaptés.

Ce livre s’adresse aussi à ceux qui ont une première expérience en photographie et en photo de paysage, mais ne sont pas satisfaits par les résultats. Une phrase, une idée peuvent souvent débloquer une situation, c’est ainsi que Scott Kelby a pensé son livre : vous apporter des informations concrètes, applicables immédiatement.

Ce livre s’adresse enfin aux plus experts, qui maîtrisent déjà la photo de paysage, mais qui ont toujours soif d’apprendre. Si l’expérience en photographie s’acquiert sur le terrain, les connaissances s’acquièrent elles au contact d’autres photographes et dans les livres.

Mon avis sur le livre « La photo de paysage » de Scott Kelby

Je ne suis pas photographe de paysage, je ne fais que rarement des photos nature, et pourtant, en parcourant ce livre, j’ai eu envie de m’y mettre.

Je connais les ouvrages de Scott Kelby, j’apprécie le photographe, le formateur, bien qu’il en fasse parfois un peu trop. Mais l’adaptation française de ce livre a gommé les excès de l’auteur, et c’est un bon point. Pour chacun des quelques 200 conseils, droit au but : une problématique (le titre), une image d’illustration, des conseils (le paragraphe).

Vous pouvez lire ce livre de la première à la dernière page si vous débutez, il y a une logique dans l’enchaînement et c’est ce que je vous conseille.

Vous pouvez aussi picorer comme vous l’entendez, si vous êtes plus expert, et revenir aussi souvent que vous le voulez sur un chapitre ou un thème précis.

Pour moins de 20 euros, voici de quoi développer votre pratique de la photo de paysage, vous faire plaisir en progressant, et ramener de meilleures images. Avouez que c’est tentant non ?

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Pour vous, la photo de spectacle consiste à faire des images lors de spectacles de danse, de représentations théâtrales, de spectacles de cirque, des photos de concert et vous n’êtes pas satisfait de vos photos.

Vous ne savez peut-être même pas comment vous lancer, quel matériel utiliser, quels réglages faire, quel comportement avoir ?

Sébastien Mathé est photographe professionnel, il travaille pour l’Opéra Garnier, l’Opéra Bastille et d’autres scènes illustres, tout comme lors de spectacles plus intimistes. Il partage avec vous les secrets de la photo de spectacle pour vous aider à réussir, vous-aussi, vos images.

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Photo de spectacle : savoir-faire et comportement

Ne s’improvise pas photographe de spectacle qui veut. J’ai encore en tête ce photographe amateur qui, lors d’un concert auquel j’assistais, s’est posé devant la scène et a fait crépiter son flash sans cesse et son reflex bruyant en visant les musiciens en pleine action à deux mètres.

Outre le fait que cet éclairage a donné des photos bien peu intéressantes, vous imaginez bien que les musiciens comme le public en veulent encore à ce Monsieur plusieurs années après …

Photographe professionnel de spectacle est un métier, mais le photographe amateur qui souhaite rapporter quelques belles images d’une représentation (concert du plus jeune, spectacle de danse des petits-enfants, pièce de théâtre jouée à l’école, …) peut arriver à de très bons résultats avec un minimum de savoir-faire.

Nul besoin d’avoir un matériel « de pro », c’est votre préparation et – surtout – votre comportement qui vont faire la différence.

Rencontre avec Sébastien Mathé

J’ai eu l’opportunité d’échanger avec Sébastien Mathé lors du Salon de la Photo 2019, et de l’interroger sur sa pratique de la photo de spectacle, c’est sa spécialité. Étant moi-même régulièrement sollicité pour faire des photos de danse, j’étais curieux de connaître son approche, sa vision. Et un peu ses trucs de pros aussi …

La double contrainte du lieu et du temps

La photo de spectacle vous ouvre les portes d’un monde merveilleux : des éclairages, de la musique, des artistes, des spectateurs, de l’émotion, des sensations. Même si la représentation ne vous attire pas plus que ça, la photographier doit toujours rester un moment de grand bonheur.

Mais vous devez faire avec les contraintes :  le lieu et le temps.

[su_frame][/su_frame]Le lieu car vous n’avez pas toute la liberté de mouvement que vous aimeriez avoir. Vous devez rester discret dans vos déplacements, quand ils sont possibles, ne déranger ni les artistes ni le public, ne pas faire de bruit.

Dans son livre, Sébastien mathé vous explique comment il procède et comment vous pouvez faire aussi (par exemple « la bonne distance », page 40).

Il vous parle des contraintes temporelles, car un spectacle, à l’inverse d’une scène de paysage, a une durée limitée. Vous devez être performant tout de suite et tout le temps.

Vous verrez que selon votre intention, vous devrez faire des choix pour satisfaire le demandeur (compagnie, artiste, parents,  …) quitte à ne pas faire les images que vous aimeriez faire. Et que vous pouvez aussi faire un travail d’auteur, personnel, comme Sébastien le montre dans la toute dernière partie du livre avec « Viva Danza », son projet personnel qui m’a rappelé les « rêves dansés » d’Arnaud Vareille dans une certaine mesure.

La préparation, avant tout

Vous constaterez en parcourant ce livre que le chapitre consacré à la préparation de la prise de vue occupe une place prépondérante.

Peut-être plus que dans d’autres domaines, la préparation est fondamentale en photo de spectacle, vous n’avez que très peu de marge de manœuvre pendant la représentation et il faut faire les bons choix très vite.

Des réglages pour chaque discipline

Les réglages génériques de votre appareil photo, abordés dans le premier chapitre, sont importants, mais ne pensez pas que les connaître suffit.

Ce qu’il faut retenir ici c’est que connaître votre matériel va vous servir bien plus que « le bon réglage » qui, par définition, n’est jamais le même d’une scène à l’autre. Vous trouverez toutefois ici des conseils de choix pour les boîtiers, les objectifs, les accessoires.

Les différentes disciplines

Vous allez trouver de nombreux conseils spécialisés et des réglages types dans la troisième partie du livre, « s’adapter aux différentes disciplines » :

• les concerts,
• le théâtre et l’opéra,
• la danse,
• le cirque et les comédies musicales,
• les spectacles en extérieur et en déambulation.

Des règles différentes

Sachez que la photo de danse n’obéit pas aux mêmes règles que la photo de concert ou la photo de cirque, et que respecter les codes de chaque discipline est fondamental.

Ainsi, vous devrez tenir compte des mouvements des danseurs, différents de ceux des acteurs au théâtre ou des artistes au cirque. Vous apprendrez qu’au sein même d’une de ces disciplines, les codes varient (la danse contemporaine ne se photographie pas comme la danse classique, les codes diffèrent, pages 68 et 69).

Vous devrez apprendre à écouter, à suivre la musique, à anticiper le déclenchement.

Vous apprendrez aussi, autre exemple, que déclencher en mode rafale ne sert pas, mieux vaut anticiper et déclencher à l’instant fatidique sans quoi vous n’aurez que « le moment d’avant » et « le moment d’après ».

Une question d’éclairage

En photo de spectacle, les éclairages vous sont imposés, et vous devez en tenir compte. Sébastien Mathé vous explique comment faire pour adapter l’exposition quand la lumière manque, comme lors de ces scènes de théâtre où seule une bougie éclaire les acteurs (truc : l’usage du trépied est possible, voir page 65).

Mais aussi …

Vous allez découvrir que compléter vos photos par des photos des coulisses et des artistes peut être une belle idée pour agrémenter votre reportage, qu’il soit à usage personnel ou à destination de la presse locale.

Enfin vous apprendrez à traiter vos photos en post-production pour leur donner un rendu personnel, traduire des ambiances, mettre en valeur des éclairages.

Mon avis sur « Les secrets de la photo de spectacle »

L’exercice était difficile car la photo de spectacle impose d’être capable de photographier des disciplines différentes, dans des conditions toujours différentes. Sébastien Mathé, dont c’est le métier (quand même) a réussi à traduire en mots ce qu’il a appris sur le terrain depuis qu’il pratique cet art.

Selon vos besoins, vous serez plus intéressé par une discipline que par une autre au chapitre 3, mais je vous invite à tout lire car :

• ce qui s’applique à une discipline peut s’envisager pour d’autres,
• cela vous donnera envie d’élargir votre horizon et d’aborder d’autres situations.

C’est un des ouvrages les moins généralistes dans la collection « Les secrets de … » chez Eyrolles, mais ce n’est pas le moins intéressant !

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« L’essence de la photographie » est un complément au premier livre de Bruce Barnbaum, « L’art du photographe », paru chez First Editions.

Dans ce second ouvrage, le photographe et formateur américain vous propose de travailler votre regard pour renforcer votre créativité.

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L’essence de la photographie, présentation

« La créativité ne peut ni s’enseigner ni s’apprendre ». C’est pour combattre cette idée reçue que le photographe américain Bruce Barnbaum a pensé le contenu de ce second ouvrage qui fait suite à « L’art du photographe ».

Je disais de son premier livre que « l’auteur utilise en permanence l’opposition entre technique et art pour nous montrer qu’au final ce n’est ni l’un ni l’autre qui sont importants, c’est ce que vous avez envie de représenter au travers de vos images ».

extrait de « L’essence de la photographie » de Bruce Barnbaum

Dans ce second ouvrage qu’il faut prendre comme une suite sans qu’il ne soit pour autant un tome 2, l’auteur vous incite à regarder, à développer une acuité visuelle, à définir votre approche. C’est l’indispensable travail sur votre style qui conditionne votre évolution et l’intérêt de vos photos.

Ce livre est conçu sur le même principe que le précédent, une réflexion menée par l’auteur, des  photographies d’illustration, de nombreuses invitations à vous poser des questions sur votre démarche.

En substance le concept est proche de ce que vous pouvez trouver chez David duChemin avec « L’âme d’une image » ou Michael Freeman avec « L’œil du photographe ». Plus proche de nous, Denis Dubesset présente sa méthode aussi dans « Les secrets du style en photographie », un ouvrage plus concret par contre que ne le sont les précédents.

Bruce Barnbaum développe donc son approche créative dans ce livre, et vous présente les pistes à suivre pour mettre en place votre démarche bien à vous.

Résumer cette imposante masse d’informations en quelques lignes est un exercice complexe, et cela pourrait donner cette liste :

• comment développer votre expression personnelle par le biais de la photographie,
• comment utiliser la photographie comme un laboratoire de recherche visuelle,
• qu’est-ce que l’exploration visuelle, l’expérimentation et comment atteindre la satisfaction personnelle,
• comprendre et maîtriser l’instant photographique,
• comment créer des images photographiques susceptibles de laisser une empreinte.

J’aime particulièrement cette dernière formulation plus que « comment faire une belle photo » ou autre « comment devenir un meilleur photographe ».

Attention, vous avez du travail !

extrait de « L’essence de la photographie » de Bruce Barnbaum

N’achetez pas ce livre si vous pensez qu’il suffit de le feuilleter pour faire des progrès. Ce n’est jamais le cas en règle générale avec un livre, ça ne l’est pas du tout avec celui-ci. Le propos de Bruce Barnbaum est simple, il répond à la question citée ci-dessus : oui, la créativité peut s’enseigner et s’apprendre, mais cela suppose de votre part un véritable travail personnel, sur la durée.

Soyez donc prêt à vous investir sans quoi vous perdrez les 27,95 euros que coûte ce livre.

A qui s’adresse  » L’essence de la photographie » ?

Pas à tout les monde. Pas aux plus débutants.

Si vous cherchez un guide pratique pour maîtriser la photographie, passez votre chemin, orientez-vous plutôt vers « Mon cours de photographie en 20 semaines chrono », pour ne citer que celui-ci.

Ce livre s’adresse à vous si vous voyez quelque chose qui vous plait lorsque vous vous baladez, que vous voulez le capturer pour faire une « belle » photo, mais que le résultat ne vous satisfait pas.

Ce que Bruce Barnbaum va vous apprendre, c’est que cela n’a pas grand-chose à voir avec votre matériel photo, que vous ne pouvez pas non plus « réaliser des images uniquement pour des raisons matérielles, parce que celui-ci vous le permet ». Il va vous démontrer que la seule technique ne suffit pas à faire des photos qui vous plaisent, mais que la technique peut « servir de canal à votre expression ».

« Il n’y a rien de pire qu’une image nette d’un concept flou. »
Ansel Adams

Mon avis sur ce livre de Bruce Barnbaum

extrait de « L’essence de la photographie » de Bruce Barnbaum

Parmi les différents ouvrages que je commente, certains sont plus pertinents que d’autres lorsqu’il s’agit d’atteindre un niveau de satisfaction personnelle plus élevé en photographie.

Le terme « créativité » est au cœur du débat, et vous le retrouvez dans plusieurs ouvrages déjà présentés, ce n’est pas innocent puisque c’est ce qu’il vous faut développer pour atteindre votre but. C’est le plus difficile car l’expression artistique, c’est bien de cela dont il est question, n’est pas un domaine aussi rassurant et cartésien que ne l’est la technique photo.

C’est aussi, si vous vous prenez au jeu, le plus passionnant.

J’ai beaucoup aimé ce livre car il m’a fait me poser des questions sur ma pratique, que d’autres ouvrages n’ont pas susciter de la même façon. Rien que pour cela il mérite d’être découvert.

Feuilletez-le chez votre libraire car tant le style de l’auteur que ses photos sont importants pour comprendre dans quel domaine il évolue.

Retenez bien qu’il vous faut un certain degré de maturité en photographie pour aborder des ouvrages sur la créativité, et celui-ci en particulier, mais si vous avez atteint le stade où vous ne trouvez plus les réponses à vos questions, je ne peux que vous recommander cette lecture.

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Vous aimeriez passer un cap et faire de meilleures photos ? Bernard Jolivalt vous invite à découvrir les 111 fiches que comporte son dernier ouvrage « Photo, adoptez les bonnes pratiques ».

Vous allez apprendre les fondamentaux de la prise de vue, comment voir et être vu, découvrir des exemples de photos dans la galerie photo et savoir quoi faire après la prise de vue.

Ce livre chez vous en 24h …

Sur le site de l’éditeur …

Photo, adoptez les bonnes pratiques, les 111 conseils de Bernard Jolivalt

Les ouvrages d’apprentissage de la photographie ne manquent pas, je vous en présente régulièrement dans cette rubrique. Certains s’adressent plutôt aux débutants, d’autres aux amateurs, d’autres encore aux experts. En effet, il y a toujours quelque chose à apprendre quel que soit votre niveau.

Ce livre de Bernard Jolivalt s’adresse à ceux qui savent à peu près utiliser leur appareil photo mais veulent passer un cap. 

C’est votre cas si vous faites des photos correctes en mode automatique mais que vous ne savez pas comment (et pourquoi) sortir de ce mode.

C’est votre cas si vous trouvez vos photos quelconques sans savoir quoi changer.

C’est aussi votre cas si vous vous contentez de faire du JPG sans optimiser ni les réglages de votre appareil photo, ni les différentes étapes du post-traitement indispensables pour donner à vos photos le rendu qu’elles méritent.

Bernard Jolivalt, bien connu des lecteurs de Nikon Passion pour ses précédents ouvrages et conférences lors des Rencontres et du Salon de la photo, s’est remis au travail pour vous proposer un nouveau livre dans lequel il présente 111 fiches pratiques, ou tactiques, pour reprendre le vocabulaire du livre.

Les recueils de fiches pratiques sont à la mode chez les éditeurs depuis plusieurs mois, Bernard Jolivalt a d’ailleurs publié son précédent ouvrage sur la photo de rue sous cette forme. Ils complètent les livres plus classiques dans lesquels les auteurs vous racontent une histoire, leur parcours, une façon de procéder (je pense aux ouvrages de Michael Freeman ou de David duChemin par exemple).

Il vous faut donc prendre ce livre pour ce qu’il est, un guide d’apprentissage, concret, pratique, qui vous livre des recettes. A vous ensuite de mettre en perspective ce que vous avez appris et de passer à l’action.

Pour vous aider dans votre apprentissage, ce livre est découpé en quatre parties distinctes :

• les fondamentaux
• voir et être lu
• la galerie photo
• après la prise de vue

Les fondamentaux de la photographie

Vous allez ici (re)découvrir les bases de la photo et même un peu plus :

• la règle des tiers,
• les notions de premier et arrière plan,
• le mouvement,
• le détail,
• la profondeur de champ,
• les couleurs,
• les reflets,
• etc.

[su_frame][/su_frame]Chaque fiche vous indique le niveau d’expérience requis pour mettre en œuvre ce qui est expliqué. Vous trouverez également les points importants à ne pas négliger, l’enjeu photographique lié à ce qui est présenté, ce que vous pouvez obtenir en mettant en œuvre cette technique, et des conseils pour savoir comment procéder.

Un encart de couleur vous présente des informations complémentaires.

Sur la page de droite de chaque fiche, qui en comprend donc deux, vous trouverez une photo illustrant la tactique mise en œuvre, ainsi que les données EXIF qui ont permis d’obtenir cette photo (et qui sont toujours fort appréciées par les plus débutants).

Voir et être vu

C’est bien de prise de vue dont il s’agit ici et non de publication de vos photos pour qu’elles soient vues ! Apprenez des tactiques simples pour photographier des sujets particuliers :

• une feuille mouillée,
• les jeux de miroirs,
• la typographie,
• les motifs,
• …

Il s’agit de comprendre ce qui fait l’originalité d’une photo, au-delà de son seul sujet, pour gérer par exemple le message (voir fiche 38 page 86) ou les contrastes (voir fiche 27 page 64).

La galerie photo

Sous ce titre un peu ambigu se cache une série de photos commentées, chaque fiche vous livrant la photo, bien évidemment, mais aussi et surtout pourquoi Bernard Jolivalt l’a faite, dans quel esprit, et comment.

Il s’agit de voir comment l’auteur utilise ce qu’il explique dans les deux précédentes parties pour faire ces photos. Et comment vous allez faire de même vous-aussi après avoir parcouru le livre (conseil : n’attendez pas la fin de la lecture pour commencer à pratiquer !).

Après la prise de vue

Les plus débutants ne le pensent pas, à tort, mais toute photo se doit d’être traitée pour apparaître sous son meilleur jour. Il n’est pas question de la retoucher, de la « Photoshoper », mais de lui donner le rendu qu’elle mérite :

• la recadrer,
• supprimer les poussières, taches de capteur ou autres éléments dérangeants,
• caler la luminosité et le contraste,
• travailler la colorimétrie,
• mettre en valeur une zone particulière,
• accentuer les détails.

Ce travail de post-traitement se fait à l’aide d’un logiciel. Si l’auteur utilise Photoshop, vous êtes libre de répliquer ce qu’il vous montre dans le logiciel de votre choix.

Mon avis sur ce livre

Je connais Bernard Jolivalt depuis plusieurs années et j’apprécie ses ouvrages qui sont toujours pensés pour vous aider à avancer sans autres arrière-pensées. Ce nouveau livre est de la même veine, concret, pratique, illustré.

La mise en page est agréable, avec une quantité d’illustrations limitées mais suffisante pour montrer ce qu’il y a à montrer. Quelques schémas explicatifs pourraient toutefois apporter un plus parfois (pour la profondeur de champ par exemple, page 26, une notion complexe pour les plus débutants).

Cet ouvrage va vous aider si vous n’avez pas encore investi dans un autre guide du même genre, auquel cas il ferait double usage car, au final, les notions à connaître sur la photographie sont forcément les mêmes.

Il va un peu plus loin que d’autres livres de vulgarisation grâce à la troisième partie, la galerie photo, que j’ai trouvée très démonstrative. Rien de tel en effet que de voir la photo et de lire les explications associées pour comprendre ce qu’a voulu faire le photographe et comment il est arrivé à ses fins.

Proposé au tarif public de 19 euros dans sa version brochée (le livre existe au format Kindle à 13,99 euros) c’est une proposition intéressante qui a le mérite de constituer un recueil de conseils complet.

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