Comment utiliser des flashs de studio et des éclairages à lumière continue pour faire des photos de portrait ? En créant vos plans d’éclairage.

C’est ce que je vous propose de découvrir avec le livre « Studio » d’Andreas Bübl, un photographe professionnel spécialisé dans la photo de portrait. Ou comment créer huit séries de plans d’éclairage pour réussir vos portraits en studio.

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Studio, comment bien éclairer un portrait photo

Le portrait photo a ceci de particulier qu’il peut être réalisé en lumière naturelle comme en lumière artificielle. La nature de la lumière naturelle peut difficilement être modifiée, la lumière artificielle par contre peut être travaillée par le photographe.

Choix et emplacement des sources, qualité de la lumière, modelage constituent le plan d’éclairage. Le plan d’éclairage définit le résultat final, le portrait photo que vous souhaitez réaliser (voir des exemples de plans d’éclairage en studio).

Dans son livre « Studio », Andreas Bübl a regroupé la plupart des plans d’éclairage qu’il détaille lors de ses workshops.

Ce livre est pensé pour le portrait en studio. Vous n’y trouverez pas de plans d’éclairage pour la nature morte (regardez plutôt le livre de Jean Turco pour cela), mais vous y trouverez par contre une liste imposante de plans d’éclairage qui vont vous permettre de réaliser des portraits tout aussi différents.

Chaque plan fait l’objet d’une double-page dans laquelle vous trouvez :

• une présentation du plan et ce qu’il permet de faire comme image,
• les informations techniques associées (matériel nécessaire et niveau de difficulté),
• le type d’effet mis en oeuvre,
• le plan en lui-même soit la nature et la disposition des sources et accessoires,
• une image d’illustration présentant l’organisation des différents éléments et la place du modèle,
• la photo résultat commentée.

8 séries de plans d’éclairage

Pour vous aider à faire votre choix parmi les différents plans, l’auteur les a répartis en catégories :

• le portrait classique,
• le portrait beauté,
• le portrait glamour et mode,
• le portrait de caractère,
• le boudoir et le nu,
• les couples et groupes,
• les enfants et familles,
• le mouvement et l’action.

Si vous débutez en photo de studio, vous manquez peut-être des bases indispensables pour savoir ce que sont les sources de lumière, les modeleurs, les accessoires et autres instruments de mesure de lumière.

Rassurez-vous, vous allez retrouvez tout cela dans la première partie du livre, vous y apprendrez aussi à déterminer les paramètres d’exposition.

Mon avis sur Studio, les plans d’éclairage pour la photo de portrait

Je rejoins l’auteur du livre qui définit cet ouvrage comme un « livre de cuisine illustré pour les photographes ».

Ce livre ne va pas vous apprendre à diriger votre modèle, choisissez plutôt « Posez ! » pour cela.

Ce livre va par contre être votre ouvrage de référence pour :

• trouver des idées,
• savoir quel résultat attendre d’un plan d’éclairage,
• savoir quel matériel est nécessaire,
• mettre en pratique.

C’est un ouvrage que je ne peux que vous recommander si vous avez une vraie envie de vous mettre au portrait en studio.

Dans le cas contraire, je vous invite à commencer par un ouvrage de vulgarisation comme « Home Studio », avant de chercher à approfondir avec ce catalogue de « recettes ».

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L’effet filé et la pose longue en photo, vous connaissez ? Mais savez-vous ce que sont le zooming, le bougé intentionnel ou les ultra-hautes vitesses ? Dans « Les secrets du mouvement en photographie », Christophe Audebert vous présente plusieurs techniques pour gérer le mouvement en photographie.

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Gérer le mouvement en photographie, présentation

Pour la plupart des débutants en photographie, la quête de la qualité technique est le seul objectif à atteindre. En passant au reflex ou à l’hybride, vous souhaitez faire de meilleures photos qu’avec un smartphone ou un compact.

Avec le temps, toutefois, vous réalisez que faire des photos techniquement bonnes est une chose, mais qu’il y a peut être d’autres pistes à explorer pour faire des photos plus créatives.

La créativité passe par bien des étapes, l’un d’entre elles consiste à découvrir des techniques avancées de prise de vue. La pose longue est un des premiers champs d’expérimentation. L’effet filé aussi pour la photo d’action.

Ces deux techniques consistent à gérer le mouvement, celui de l’eau par exemple en pose longue ou celui d’un véhicule avec l’effet filé.

Mais gérer le mouvement en photographie ne saurait se résumer à ces seules techniques.

Dans la première partie de ce guide, Christophe Audebert revient sur ce qu’est le mouvement, et sur les différentes façons de le figurer ou de le figer. Car c’est bien là le point essentiel : que souhaitez-vous montrer et comment ?

Si ta photo n’est pas nette, c’est que tu n’as pas réussi à figer correctement le mouvement !

Un libre détournement par l’auteur de la célèbre citation de Robert Capa pour illustrer ce que ce guide va vous apporter.

Comment photographier le mouvement, les différentes techniques

Pour gérer le mouvement en photographie, encore faut-il bien le comprendre. Tous les mouvements ne se ressemblent pas, la 2CV en pleine action de la page 2 ne se déplace pas comme les passants de Central Station à New-York en page 53.

En introduction, Christophe Audebert positionne le débat et vous donne les bases nécessaires pour passer à la suite.

J’ai apprécié le grand tableau en double page (24 et 25) qui résume ce qu’il vous faut savoir à défaut de tout retenir (faites une copie !).

Chacun des chapitres suivants présente une des techniques citées en introduction, depuis le filé dynamique jusqu’à l’utilisation des ultra hautes vitesses en open flash avec déclencheurs distants.

L’auteur a pris soin de présenter ces techniques de façon détaillée, avec leurs avantages et contraintes avant de vous fournir une liste de 6 à 8 étapes à suivre pour arriver à vos fins.

Cette approche très didactique peut sembler ne pas laisser beaucoup de place à l’improvisation, mais c’est justement ce qu’il faut éviter lorsque vous souhaitez gérer le mouvement en photographie. Le seul petit reproche que je ferais au livre est de ne pas proposer ces fiches prêtes à reproduire ou à découper. Notez toutefois que prendre vos propres notes facilite la mémorisation.

Vous noterez au passage que vitesses lentes et poses longues font chacune l’objet d’un chapitre distinct. Vous pourriez penser qu’il s’agit de la même chose puisque la pose longue fait appel aux vitesses lentes (temps de pose longs). Et bien non, vous allez voir qu’il est tout à fait possible d’utiliser des vitesses lentes pour traduire le mouvement sans pour autant faire des photos en pose longue.

Parmi les autres types de mouvements intéressants à photographier, citons les phénomènes naturels (photos d’orages) comme plus artificiels (photos de feux d’artifice). Il s’agit bien là-aussi de traduire en images un phénomène bref mais en mouvement.

Une autre technique photo capable de vous aider à figer le mouvement, c’est le Light Painting. En « peignant avec la lumière » vous allez immortaliser le mouvement d’une source lumineuse sur un fond sombre, la nuit par exemple, et créer des images particulières. Christophe Audebert a fait appel au savoir-faire de Jadikan, un photographe professionnel spécialisé dans le Light Painting qui l’a autorisé à reproduire plusieurs de ses photos. Inutile de vous dire que vous risquez de passer quelques nuits dehors si vous vous prenez au jeu !

Si ce n’est pas net, c’est flou ! Découvrez les techniques de gestion du mouvement au travers du flou, comme le bougé intentionnel de l’appareil photo.

Il s’agit ici de bouger, volontairement, votre appareil à la prise de vue de façon à provoquer un flou de bougé. En maîtrisant cette technique et les paramètres de prise de vue très précis qu’il convient d’utiliser, vous allez faire des photos au flou contrôlé, une démarche créative particulière qui ne manque pas d’intérêt (voir les photos d’Arnaud Vareille).

Vous utilisez un zoom ? Finissez votre apprentissage du mouvement en photographie avec le zooming. Cette autre technique vous permet de créer un mouvement là où il n’y en a pas, en tournant la bague de zoom de votre objectif pendant la prise de vue. Bien maîtrisée, cette technique donne des images très dynamiques.

Enfin, si la photo en studio vous tente, vous apprécierez de photographier en ultra-haute vitesse. Vous avez déjà vu des photos de gouttes d’eau rebondissant hors d’un récipient ? C’est de cela dont il s’agit – mais pas que. Vous allez découvrir l’open flash et déclencher votre flash à l’aide d’une simple application pour smartphone pour capturer votre sujet en pleine action.

Afin d’illustrer son livre avec des images très créatives autour du mouvement, l’auteur a invité trois autres photographes à présenter leur démarche. Il s’agit de Cédric Marcadier avec ses filés sur les circuits automobiles, de Jadikan et ses images de Light Painting ainsi que de Warren Kealan et ses paysages  marins (c’est magnifique !).

Mon avis sur Les secrets du mouvement en photographie

Cette série n’a plus de secrets (!) pour vous si vous avez déjà lu mes précédentes chroniques à son sujet. Ce nouvel ouvrage vient la compléter de fort belle façon, en traitant de techniques transverses aux domaines photographiques habituels. Vous pouvez en effet photographier le mouvement que vous fassiez du portrait, des photos nature, des photos de sport ou de l’animalier.

Christophe Audebert a pris soin de tout détailler en vous fournissant une démarche claire et précise. Il vous suffit de reproduire les différentes étapes pour vous lancer et réussir vos premières photos avant de prendre le temps de maîtriser la technique de votre choix.

Proposé au tarif très abordable de 23 euros, ce livre comporte de nombreuses (et très belles) illustrations, et vous évite de devoir passer des heures à chercher les infos, l’investissement est très rentable. Le photographe urbain que je suis a déjà trouvé quelques idées de séries, je ne doute pas que vous y trouviez les vôtres aussi.

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« Je suis fait de tout ce que j’ai vu« , cette citation d’Henri Matisse ouvre la quatrième de couverture du livre « L’inspiration en photographie » de Gildas Lepetit-Castel et résume à elle seule ce que va vous apporter cet ouvrage.

Vous pensez être trop technicien, pas assez créatif ? Vous n’avez pas d’idées pour trouver des sujets ? Vous pensez manquer de « ce petit quelque chose » que les autres ont et pas vous ? Vous vous trompez, Gildas Lepetit-Castel vous explique pourquoi.

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L’inspiration en photographie, Gildas Lepetit-Castel

Comment ce petit livre pourrait me permettre de trouver l’inspiration en photographie ? Je suis plus habitué à parcourir des ouvrages conséquents comme 50 pistes créatives de Michael Freeman quand il s’agit de chercher des idées. Alors un petit format, 122 pages à peine dont des photos pleine page, ça questionne quand on découvre l’ouvrage.

Je connais Gildas Lepetit-Castel pour ses précédents ouvrages Photo argentique : démarche, matériel, développement, tirage et Les secrets de la photo de rue : approche, pratique et editing. Pour avoir animé récemment une table ronde sur la photo de rue à laquelle il participait, je sais combien l’homme est entier et honnête quand il nous parle de photographie (lisez l’Interview de Gildas, c’est passionnant). Ce livre ne pouvait donc pas être un ouvrage au rabais.

Quelques heures plus tard j’ai fini la lecture et le doute est levé, ce livre rejoint ma bibliothèque au rayon « A relire souvent ».

Je pourrais vous parler du sommaire, vous présenter les différents chapitres du livre comme je le fais pour d’autres. Mais tout comme pour L’âme d’une image de David duChemin, je passerais à côté de ce qui fait l’intérêt de ce livre.

Ce n’est pas un « guide de photographie« , ce n’est pas non plus un « cours d’inspiration » à suivre de la première à la dernière page pour progresser.

Ce livre est avant tout un travail d’analyse personnelle de l’auteur sur son propre parcours, ce qui l’a nourrit et le nourrit encore quand il s’agit de photographie. Vous ne trouverez  – heureusement – pas dans ce livre une liste de sujets « qui marchent à tous les coups » ni de « recettes pour des photos Instagrammables » qui vendent du Like à tour de bras. Ce n’est pas le propos de l’auteur.

Vous y trouverez par contre la présentation de sa démarche et comment il l’a construite au fil des années, de sa plus tendre enfance à aujourd’hui.

Votre démarche photo se nourrit de votre parcours personnel

Gildas Lepetit-Castel ose se mettre à nu dès les premières pages du livre quand il nous raconte son adolescence. Passionné par le cinéma et le dessin, c’est dans son labo argentique au temps du lycée qu’il développe sa pratique photo. Et qu’il comprend petit à petit « qu’il faut apprendre à décloisonner les choses, à les faire fusionner » pour développer une démarche photographique personnelle.

Vous avez vous-aussi un parcours personnel, des expériences de vie, vous avez fait des rencontres, vécu des moments forts, tout cela doit participer à votre quête de l’inspiration en photographie.

Pour l’auteur, tous les arts nourrissent notre démarche. Nous écoutons tous de la musique, lisons tous des livres, regardons tous des films, et certains d’entre vous sont peut-être même dessinateurs, peintres ou sculpteurs. Ce regard que nous portons sur notre monde doit nous servir à trouver les idées. Retenez d’ailleurs que « il n’y a pas de mauvais sujet, il n’y a que des mauvais regards« .

Pourquoi il faut savoir choisir

La pratique de la photographie vous force à faire des choix. De matériel, de sujet, de domaines, de distances, d’environnement … Faire des choix est souvent ce qui bloque l’apprenti photographe qui cherche « l’objectif à tout faire« , veut « garder toutes ses photos« , veut « couvrir tous les sujets« . C’est en faisant des choix que vous affinerez votre démarche.

Le cœur du livre vous permet de vous poser les bonnes questions :

• quelle distance adopter face au sujet (pas uniquement en mètres !),
• quels moyens mettre en oeuvre pour arriver à vos fins,
• quel matériel utiliser,
• quel rendu adopter,
• quelles sélections faire,
• quels mots pour accompagner vos photos,
• quelles formes de publications privilégier.

En abordant chacun de ces sujets et en les reliant à sa pratique personnelle, Gildas Lepetit-Castel vous incite à faire de même.

Pour finir, quelques exercices ?

Le petit cahier d’exercices concluant ce livre vous permettra de préciser vos affinités, de développer des idées, de les tester, ce que nous ne faisons jamais assez.

Pourquoi « L’inspiration en photographie » a changé ma vision

Après avoir lu ce livre, vous ne vous poserez plus la question de savoir comment trouver les bons sujets puisque vous réaliserez qu’ils sont déjà en vous et que vous venez de les lister (conseil, prenez des notes en cours de lecture).

Vous réaliserez que ne pas avoir une grande culture photographique n’est pas un handicap pour vous lancer, que tout ce que vous avez fait, vu ou entendu va vous servir et compenser.

A trop vouloir « penser photographie » pour développer ma propre démarche, j’en arrive à omettre parfois tout ce qui fait mon environnement personnel. Ce livre m’a remis les idées en place, m’a rassuré sur certains choix fait comme à faire, m’a fait imaginer des possibilités auxquelles je ne pensais pas.

Rien que pour cela il mérite largement les 15 euros et les quelques heures nécessaires à sa lecture.

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L’art du photographe est un livre de Bruce Barnbaum, photographe et formateur américain spécialisé dans la photographie de paysage et d’architecture.

A mi-chemin entre guide pratique et beau livre de photographie, cet ouvrage imposant est illustré de près de 200 photographies qui permettent à l’auteur de développer son sujet. Une nouvelle approche de la photographie que j’ai particulièrement appréciée.

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L’art du photographe, chronique du livre de Bruce Barnbaum

Parmi les livres traitant de la photographie je distingue deux catégories : les guides pratiques (par exemple la série Les Secrets de …) et les Beaux Livres de Photographie (par exemple 6 beaux livres de photographie).

Les uns vous présentent des informations vous aidant à développer votre maîtrise du matériel et de la prise de vue tandis que les autres sont des recueils de photographies proposés par des auteurs photographes.

Quand j’ai reçu le livre L’art du photographe de Bruce Barnbaum, j’ai tout de suite pensé au Beau Livre. Un ouvrage imposant, de nombreuses et très belles photos, une « classe » qui n’est pas le propre des guides pratiques même si certains sont de beau objets.

En ouvrant le livre pour en prendre connaissance (je fais toujours cela au début, pendant quelques jours), j’ai fait un autre constat : il était question d’apprentissage. Avec de belles photos, mais des notions concrètes de photo.

En lisant ce livre avec plus d’attention, afin de préparer cette chronique, j’ai fait un autre constat encore : l’art du photographe de Bruce Barnbaum est autre chose. Un subtil mélange des deux catégories ci-dessus.

Ce n’est pas un guide pratique, au sens premier du terme. Ce n’est pas un Beau Livre de photographie non plus puisqu’il y est question d’apprentissage.

C’est un livre dans lequel, grâce à ses photos mais aussi son expérience, l’auteur utilise en permanence l’opposition entre technique et art pour nous montrer qu’au final ce n’est ni l’un ni l’autre qui sont importants, c’est ce que vous avez envie de représenter au travers de vos images.

Il s’agit d’un ouvrage qui rompt avec la notion de catégorie, et comme au final je me moque un peu des catégories, l’important est le message.

Communiquer par la photographie, l’avis de Bruce Barnbaum

Comment ne pas être d’accord avec Bruce Barnbaum quand il nous dit « Une photographie dit tout. Inutile d’y rajouter quoi que ce soit. »

En introduction, Bruce Barnbaum nous livre une thèse bien personnelle.

En tant qu’outil de communication non verbale, la photographie permet au photographe de transmettre sa vision au spectateur. Elle transmet son message quand bien même son auteur n’est pas présent.

J’aime particulièrement cette question :

Quelles réactions suscitent vos centres d’intérêt, et comment les traduire photographiquement ? »

S’en suit un exposé sur la passion, censée être à la base de votre pratique, et les réactions qui doivent être les vôtres pour traduire vos sentiments en images.

Loin d’être le discours philosophique auquel nous pourrions nous attendre, cette première partie du guide se veut plutôt un guide de questionnement personnel. Et ça fait drôlement du bien de s’éloigner de la technique pour en revenir aux fondamentaux : qu’est-ce qui fait que nous photographions et que cherchons nous à montrer ?

Parce que la composante « apprentissage » n’est jamais très loin, Bruce Barnbaum ne passe pas à côté de la notion de composition, vous pousse à vous intéresser à votre façon de voir et d’exprimer votre point de vue. Là-aussi une approche décalée qui s’avère très pertinente.

Les photos d’illustration servent à l’auteur à expliquer :

• pourquoi il n’a pas cherché à renforcer les ombres sur cette photo d’un parc parce que la composition s’appuie sur les tons moyens,
• pourquoi il n’a pas éclairci le ciel de cette autre image au ciel gris prédominant,
• pourquoi un contraste élevé guide le regard,
• comment un arbre déraciné peut créer un mouvement puissant dans la composition de la photo page 33,
• …

Cette section du livre est une des plus intéressantes : s’appuyant sur autant d’exemples puisés dans sa propre collection, l’auteur détaille sa démarche. Pourquoi il a fait ses photos, avec quelle idée en tête et qu’est-ce qui l’a attiré ? Les amateurs de paysages en noir et blanc ne verront plus la nature de la même façon.

C’est aussi ici que vous apprendrez à intégrer dans votre démarche des notions comme la profondeur de champ ou la focale, sans qu’il ne s’agisse jamais de rentrer dans le détail de notions techniques. Ces outils sont là pour servir votre démarche, sachez les identifier et les utiliser, c’est le message.

La vision, concept philosophique ou rapport de communication ?

La réponse à la question tient en une phrase :

« Nous montrons nos images à d’autres, dont nous attendons une réaction en retour. Cette simple constatation confirme que nous sommes bien dans un rapport de communication. »

Cette seconde partie du livre vous permet d’appréhender les cinq notions relatives à la vision du photographe, un concept cher à Michael Freeman aussi :

• regarder et voir de manière photographique,
• composer une image,
• imaginer la photo finale,
• suggérer une technique à ceux qui rencontrent des difficultés à imaginer la photo finale,
• établir une stratégie pour établir l’image finale.

La lumière

Cette phrase à elle-seule donne le ton de cette nouvelle partie :

La lumière doit être envisagée comme un moyen pour le photographe de guider l’œil du spectateur sur l’image.

Découvrez comment chercher la lumière, en apprécier la qualité, et aussi pourquoi la lumière perçue par votre œil n’est pas celle que voit votre capteur ou votre film.

Cette prise de conscience devrait vous aider à penser « sensations » plus que « scène », et à attirer le spectateur autrement. Les exercices proposés page 82 vous y aideront.

La couleur, parce que c’est un concept aussi

Vous savez ce qu’est la couleur, et vous savez qu’elle se gère dès la prise de vue comme en post-traitement. Mais avez-vous conscience que la couleur est un élément déterminant de la composition ?

C’est l’objet de cette section que d’entrer dans le détail. Depuis l’argentique, un domaine cher à l’auteur, jusqu’au numérique, la gestion de la couleur a bien changé. 

Réfléchissons donc un peu encore : pourquoi vous photographiez en couleur ou en noir et blanc ? Pourquoi ne changez-vous jamais si c’est le cas ?

Grâce à quelques photos présentées en couleur et en noir et blanc, découvrez ce que vous pouvez espérer produire vous-aussi. Et essayez.

Mais aussi … 

Bruce Barnbaum a longtemps vécu la photographie sous le signe de l’argentique, il est passé au numérique pour la couleur uniquement, fidèle à ses films pour le noir et blanc.

Dans une longue partie, un bon tiers du livre, il développe différents concepts qui nous viennent de l’argentique et qu’il est possible d’appliquer au numérique.

Pour l’argentique citons le zone system avec les négatifs noir et blanc (chapitres 8 et 9), le tirage (chapitre 10) dont la numérisation des négatifs.

Pour le numérique c’est au chapitre 11 que vous trouverez comment utiliser le zone system et comment convertir vos fichiers RAW, comment retoucher vos images avec les les outils numériques (chapitre 12) pour leur donner le rendu souhaité.

Le chapitre 13 m’a particulièrement intéressé puisqu’il y est question du choix entre argentique et numérique. Cela ne va pas intéresser tout le monde, mais pour qui a connu la période argentique, il y a matière à réfléchir à notre pratique actuelle aussi. 

Dépasser les mythes photographiques

S’il y a un chapitre du livre à garder en tête c’est bien celui-ci.

« Un certain nombre d’idées manifestement erronées perdurent encore aujourd’hui, certains mythes doivent être dépassés car ils entraînent souvent les photographes dans la mauvaise direction ».

Attention, amateurs d’idées reçues et de contre-vérités, vous pourriez tomber de haut. Dix mythes photographiques sont analysés avec pertinence pour vous montrer que les idées reçues, parfois, ne sont pas toutes à gober.

Si plusieurs concernent l’argentique, le numérique n’est pas en reste, mais la trame de fond est bien la déconstruction de croyances comme le fait de vouloir à tout prix respecter les règles de composition (mythe numéro 10), un sujet que j’ai traité dans une vidéo ayant entraîné bon nombre de réactions houleuses.

« Finir le travail en photographie c’est présenter vos images ». Ce dont l’auteur nous parle au chapitre 15 avant de passer, un peu rapidement je trouve, à d’autres thèmes comme l’abstraction (chapitre 16), l’approche intuitive (chapitre 17), la philosophie personnelle (chapitre 18).

Mon avis sur l’art de la photographie de Bruce Barnbaum

Comme je le disais en introduction, il s’agit d’un ouvrage à part dans la production actuelle. Ce livre interpelle, fait réfléchir. Intégrer tout ce que l’auteur présente prend du temps, il est important d’y revenir souvent. Je n’en ai d’ailleurs pas fini avec certains sujets.

S’appuyant sur une expérience personnelle impressionnante, mêlant habilement notions techniques et notions créatives, Bruce Barnbaum nous propose un ensemble solide et fort bien illustré.

L’argentique y tient une place non négligeable, le poids des années, et l’on sent que l’auteur a du travailler son approche personnelle pour réussir sa reconversion en numérique. Reconversion toute relative puisqu’il nous avoue utiliser encore le film. 

Cet ouvrage s’adresse aux photographes amateurs passionnés par l’image, comme aux plus experts, qui ont vécu la grande époque de l’argentique et cherchent leur voie dans le monde du numérique. C’est une source d’inspiration, un outil de travail qui vous permettra de voir la photographie sous un autre angle. Il livre des clefs pour comprendre comment les outils à votre disposition, qu’ils soient conceptuels comme physiques, peuvent vous aider à produire des images plus fortes et attirantes.

Bien qu’il soit déjà lourd, l’ouvrage aurait mérité une belle couverture cartonnée – c’est mon attirance personnelle pour l’objet livre – et s’avère, au tarif public de 34,95 euros une nouvelle référence venant compléter les livres d’auteurs plus médiatisés comme Michael Freeman ou David duChemin, une belle découverte à apprécier sur la durée.

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Paru sous le titre « L’esprit du photographe » en 2010 aux éditions Pearson, voici la nouvelle édition du livre de Michael Freeman, « Qu’est-ce qu’une photo réussie », paru cette fois chez Dunod.

Titre et sous-titre changent, peu puisque le titre de cette nouvelle édition n’est rien moins que le sous-titre de la première. Le contenu est le même. Mise en page et illustrations ne changent pas non plus (seul l’avant-propos est réécrit). Mais ce livre garde tout son intérêt, et je ne pouvais passer à côté de cette nouvelle édition.

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Qu’est-ce qu’une photo réussie, une nouvelle édition de L’esprit du photographe

Le principal intérêt de cette nouvelle édition est de vous permettre de trouver à nouveau dans les bacs de votre libraire cet ouvrage de Michael Freeman, qui complète « L’oeil du photographe et l’art de la composition« .

L’édition 2010 devient difficile à trouver, certains vendeurs indélicats profitant de l’occasion pour proposer des exemplaires à des tarifs exorbitants. Oubliez ces offres, le livre neuf est désormais disponible au tarif public plus normal de 24,90 euros.

Si vous possédez déjà l’édition initiale, n’allez pas plus loin, celle-ci est identique. Si vous découvrez cet ouvrage, achetez-le les yeux fermés prenez le temps de lire la suite, vous allez comprendre pourquoi vos photos ne sont pas toujours celles que vous aimeriez faire.

« Ce n’est pas l’appareil qui est à l’origine d’une photographie ni même la scène qui apparaît au travers du viseur, mais l’esprit du photographe. »

Le ton est donné, c’est du Freeman pur jus, le Freeman que j’adore car le photographe et formateur, dont les ouvrages ont dépassé le million d’exemplaires, nous pousse à réfléchir.

Réfléchir à notre approche de la photographie, à notre pratique, à nos envies. Pas à notre matériel photo, ou si peu. Pas à la technique. Freeman vous incite à surprendre, à vous démarquer, à donner « âme et visibilité » à vos photos.

En trois chapitres principaux, à l’aide de nombreux exemples illustrés, Michael Freeman détaille sa démarche tout en vous proposant de construire la vôtre. Simplement.

Tout commence par … l’intention

J’ai piqué à Michael Freeman, depuis de longues années, cette question simple « quel est le sujet ?« . Je vous la pose souvent dans la section Critique Photo. C’est LA question que vous devriez vous poser avant même de porter l’œil au viseur.

Pour Freeman, toute photo doit faire apparaître, au premier regard et sans ambiguïté, le sujet principal. C’est loin d’être évident en pratique aussi à l’aide de cas précis, Michael Freeman vous aide à vous poser cette seconde question qui vous donnera la réponse à la première : « quel est le point de départ de toute photo ? »

Viennent ensuite différentes considérations esthétiques, parce que la photographie est avant tout un art : beauté du sujet, beauté apparente, beauté imaginée. Une ruine peut être belle ? Oui, c’est aussi ça le rôle du photographe que de savoir magnifier un sujet qui ne l’est pas au premier regard.

A l’aide d’études de cas, Michael Freeman vous livre petit à petit les clés de ce qu’est une photo réussie :

• comment traiter les paysages et être créatif,
• comment adopter un point de vue nouveau,
• comment élever le banal au rang d’extraordinaire,
• etc.

Autant d’occasions pour développer un style personnel et produire des images différentes de sujets pourtant communs et trop souvent photographiés. Vous ne saviez pas comment vous démarquer ? Vous avez déjà les premières réponses.

Vient ensuite le style

L’esprit imagine, l’œil et le cerveau composent. Capturer des expressions, équilibrer une composition, jouer la complémentarité, revenez aussi souvent que nécessaire sur ces principes car ils sont fondateurs.

• pourquoi décentrer une photo,
• comment jouer les harmonies de couleurs,
• qu’est-ce que les harmoniques et les proportions.

(re)Découvrez des notions qui peuvent vous paraître évidentes mais sont loin de l’être bien souvent, quand il s’agit de cadrer, composer et déclencher.

Votre style c’est aussi votre regard : sa direction, l’opposition entre les éléments contrastants de la scène. Autant de principes à étudier pour apporter à vos photos la touche personnelle qui fait la différence.

Exemple ? Selon vous, comment séparer les différents plans d’une image ? Il existe au moins cinq façons différentes d’y arriver.

La présentation des différents styles graphiques conclut cette partie centrale du livre, et fondamentale. Prenez le temps d’assimiler, c’est là que ça se passe !

Et pour finir … le traitement

Parce que le post-traitement doit faire partie de votre démarche créative, même si vous maîtrisez la prise de vue en JPG. Traiter une photo vous permet d’obtenir ce que vous recherchiez, au-delà du simple rendu général de vos images.

Saviez-vous que réactivité, planification, spontanéité, anticipation dans l’action sont aussi des phases de traitement de vos photos ? Le temps de pose comme le mouvement, par exemple, influent sur la prise de vue : vous ne faites pas la même photo d’un même sujet selon qu’il est statique ou se déplace.

Pour vous permettre d’affiner vos choix et traitements, Michael Freeman consacre la dernière partie de son livre aux différents rendus d’images et pourquoi vous devriez choisir l’un plutôt que l’autre.

L’aspect d’une photo, l’hyperréalisme apportés par certains traitements (accentuation, grande plage dynamique par exemple) sont des outils à votre disposition. Il vous faut savoir pourquoi et comment les utiliser, et – surtout – ne pas en abuser.

Michael Freeman vous donne là-aussi les clés pour utiliser à bon escient ces effets.

Mon avis sur « Qu’est-ce qu’une photo réussie ? »

Je commente de nombreux livres de photographie, des guides techniques comme des ouvrages plus génériques. Celui-ci fait assurément partie de la seconde catégorie, tout comme « 50 pistes créatives » du même auteur.

Vos photos sont techniquement bonnes mais ne sortent pas de l’ordinaire ? Investissez dans ce livre pour comprendre comment passer un cap, concrétiser et penser vos prises de vues autrement.

Véritable outil de travail pour le photographe désireux de mettre en oeuvre sa démarche créative, cet ouvrage devrait déjà figurer en bonne place dans votre bibliothèque. Cette nouvelle édition le rend à nouveau accessible aussi n’attendez pas qu’il soit épuisé une fois de plus, foncez !

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« Qu’est-ce que ça peut bien faire la combinaison vitesse/ouverture que j’utilise ? Si le posemètre m’indique que l’exposition est bonne, je prends la photo !« .

Ça vous rappelle quelque chose ? Votre approche de la prise de vue peut-être ? Si vous répondez oui, alors vous passez à côté de ce que la pratique de l’exposition peut vous apporter.

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Dans cette nouvelle édition de son guide photo, Bryan Peterson, photographe et formateur, vous propose de vous faire découvrir comment l’exposition, un sujet bien obscur pour de nombreux photographes, peut devenir un outil simple au service de votre créativité.

Cette troisième édition de l’ouvrage a été remaniée et inclut un chapitre sur l’exposition au flash ainsi que plusieurs nouveaux passages absent des précédentes éditions.

Pratique de l’exposition en photographie, pourquoi Bryan Peterson ?

Vous avez déjà entendu parler du triangle de l’exposition, cette tentative de modélisation qui permet de comprendre pourquoi ouverture, temps de pose et sensibilité ISO sont liés quand vous ajustez l’exposition de vos photos.

Bryan Peterson est à l’origine de la notion de triangle d’exposition, en 1975. Il a rendu célèbre son triangle d’exposition en enseignant cette technique à de nombreux étudiants en photo et, surtout, grâce à son livre diffusé à plus d’un million d’exemplaires si l’on compte les différentes éditions et langues.

L’arrivée des technologies numériques, des fonctions avancées des flashs et des nouveaux systèmes de mesure de lumière a justifié la mise à jour de cet ouvrage au fil des années. Cette troisième édition française reprend le contenu de la quatrième édition anglaise et inclut de nouveaux paragraphes sur l’exposition au flash.

Qu’est-ce que l’exposition ?

Dans la première partie de ce guide, Bryan Peterson vous explique ce que recouvre le terme Exposition et pourquoi c’est important pour vous. C’est un sujet maintes fois abordé dans les tutoriels, les guides et les formations, et ce n’est pas pour rien car comprendre ce que signifie « bien exposer » c’est comprendre une bonne part de la photographie.

L’ouverture, quand l’objectif est à votre service

Votre objectif dispose d’un diaphragme, ce « trou » dont la taille varie selon le réglage appliqué. Vous allez comprendre ici pourquoi la taille de ce trou a tant d’importance.

Sans refaire ici un tutoriel sur l’exposition, sachez que l’ouverture définit la profondeur de champ, que la sélection que vous faites dans l’image à l’aide de ce réglage a un impact direct sur ce que votre photo va montrer.

Votre appareil photo dispose d’un bouton de test de la profondeur de champ ? Vous allez apprendre à l’utiliser si vous ne le savez pas encore.

Si vous pratiquez la macrophotographie, savoir gérer l’ouverture avec précision est critique, vous trouverez plusieurs conseils pour vous en sortir sans faire d’erreur grossière.

La vitesse, quand l’obturateur est à votre service

Une des erreurs la plus fréquente chez les photographes débutants, c’est le mauvais choix de la vitesse d’exposition. Ce paramètre, plus communément désigné par « Temps de pose » en référence au temps pendant lequel la lumière impressionne le capteur, vous permet de capturer le mouvement de votre sujet.

Savoir saisir le mouvement, le suggérer comme le créer de toutes pièces (c’est possible aussi) est l’autre résultante d’une pratique de l’exposition affirmée.

La lumière, parce qu’elle est essentielle

Vous vous attendiez à trouver ici des notions sur la sensibilité ISO ? Non, c’est de lumière dont il est question, ou plus exactement de gestion de la lumière.

Gérer la lumière c’est d’abord la comprendre. Comment éclaire-t-elle le sujet ? En frontal et en plein soleil ? En frontal mais avec un ciel voilé ? De côté ? En contre-jour ?

Bryan Peterson analyse ces différentes situations pour vous aider à comprendre l’impact que la lumière a sur le résultat final, votre photo.

Vous comprendrez comment fonctionne la mesure de lumière matricielle sur votre appareil photo, pourquoi la paume de votre main peut vous aider à mieux exposer, ou pourquoi il faut vous aider d’une charte gris neutre dans certaines situations.

Les techniques spéciales, des accessoires à votre service

La pratique de l’exposition passe parfois par des artifices. Les filtres polarisants comme les filtres gris neutres en font partie. L’exposition multiple aussi.

Cette partie traitée assez rapidement contient l’essentiel de ce qu’il vous faut savoir, je vous renvoie vers l’excellent guide sur la pose longue de Christophe Audebert qui vous permettra toutefois d’aller plus loin sur le sujet.

Le flash, la lumière artificielle à votre service

Le triangle d’exposition s’applique aussi en photographie au flash. Si l’approche diffère un peu, il est toujours question de doser la quantité de lumière qui arrive sur le capteur de votre appareil photo.

Savez-vous quels sont les trois facteurs qui déterminent une exposition correcte au flash ?

Il s’agit de :

• l’ouverture,
• la distance au sujet,
• la vitesse d’obturation.

La distance entre appareil photo et sujet est critique puisqu’elle doit être inférieure ou égale à la portée de votre flash. Trop de débutants oublient cette notion et ne comprennent pas pourquoi leurs photos sont sombres ou noires.

En quelques pages vous allez comprendre les bases de l’exposition au flash et pourquoi c’est essentiel de savoir de quoi l’on parle.

Mon avis sur le guide « La pratique de l’exposition » de Bryan Peterson

Ce guide a été parmi les premiers à détailler ce qu’est l’exposition et comment la maîtriser. Bryan Peterson connait son sujet, les photos d’illustration montrent son savoir-faire et le succès bien mérité de cet ouvrage est une autre preuve de sa pertinence.

Toutes les notions importantes sont abordées, les encarts pleine page permettent de détailler certaines notions pour faciliter la compréhension. Les nikonistes apprécieront que Bryan Peterson utilise lui-aussi un reflex de la marque, et en parle souvent pour citer les réglages choisis.

L’ensemble est pertinent, agréable à consulter, les explications techniques sont claires et omniprésentes.

Si vous cherchez un ouvrage d’apprentissage, c’est un bon choix.

Si vous cherchez un ouvrage pour développer votre créativité, la petite touche de magie qu’apporte Michael Freeman en prenant du recul sur la technique est un plus qui mérite votre attention (voir par exemple L’art de l’exposition en photo numérique).

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David duChemin fait partie des photographes dont le métier est de faire des photos, mais aussi (surtout ?) de réfléchir à ce qu’est une pratique photographique réfléchie et assumée. Auteur de plusieurs livres sur l’intention du photographe, le photographe et formateur canadien nous revient avec un nouvel ouvrage intitulé « L’âme d’une image« .

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L’âme d’une image, David duChemin, présentation du livre

L’auteur le dit lui-même dès les premières pages, il a déjà beaucoup parlé de vision et d’intention dans ses précédents ouvrages et en parler à nouveau dans celui-ci est un challenge : comment éviter de reproduire ce qui a déjà été dit, comment inciter le lecteur à réfléchir autrement, comment illustrer et parler d’art plus que de technique, comment montrer l’essentiel mais pas le superflu.

Conscient de la difficulté du challenge, David duChemin a choisi un angle inhabituel pour un tel ouvrage : laisser de côté la technique (il va jusqu’à retirer les informations de prise de vue des photos), jouer la sobriété avec le noir et blanc, choisir des illustrations centrées sur l’humain (ce n’est pas innocent) et parler d’art.

Vous pensez que ce livre n’est pas pour vous ? Lisez la suite.

A nouveau livre, nouvelle formule. Ce livre, dans sa version française, est un beau livre relié. Une couverture rigide, une belle reliure, et une impression sur papier glacé de qualité. Nous sommes loin du guide photo habituel, plus proche du livre de photographies.

Des photographies, justement, il y en a. L’auteur a choisi d’illustrer son livre avec des photos en noir et blanc, exclusivement. Un noir et blanc qui gagne la maquette. Ce choix délibéré est une façon de montrer qu’il s’agit bien de parler d’art et non d’une technique photo particulière. Ce n’est en aucun cas non plus un ouvrage sur le noir et blanc (voir plutôt L’art du noir et blanc).

Le message est clair : si vous cherchez un guide pratique de photographie et des recettes toutes prêtes, arrêtez la lecture de cette chronique ici, ce n’est pas le bon ouvrage.

Si par contre vous voulez réfléchir à votre pratique, si vous ne savez pas où vous en êtes, ce que valent vos photos et vos projets, si vous aimez lire d’abord pour réfléchir puis agir ensuite, poursuivez.

Pourquoi vous intéresser à ce livre ?

Je pourrais vous faire une revue exhaustive de chacun des chapitres de ce livre, mais cela n’aurait guère d’intérêt car je serais forcé de faire des raccourcis et d’interpréter la pensée de l’auteur. Je préfère transmettre ici ce que je retiens de ce livre, bien qu’une première lecture ne suffise pas à intégrer tout ce que nous dit David duChemin.

Et justement, que nous dit l’auteur ? Allez page 268 :

« Nous ne photographions pas tous pour les mêmes raisons »

Il est rare qu’un auteur précise ainsi à qui s’adresse son livre, duChemin le fait. Vous faites des photos pour vous amuser sans autre ambition créative ? Vous n’êtes pas le premier public visé.

Vous aimez « la créativité, le processus, l’histoire, la beauté » ? Vous êtes les bienvenus.

David duChemin dit tout haut ce que bien des photographes pensent tout bas  :

« lorsque l’appareil capte votre affection, c’est lui que vous étudiez […] Et vous devenez alors très bon en utilisation d’appareil ».

Pour avoir réalisé cela il y a quelques années déjà, je sais que cette phrase est lourde de sens pour le photographe amateur et peut choquer. Mais elle est essentielle. Devenir meilleur pour raconter des histoires que pour déchiffrer des fiches techniques est essentiel.

Vous êtes toujours d’accord ? Continuons, c’est le sujet du livre.

Des idées personnelles partagées avec vous

« Plus vous serez à l’aise avec vos boutons, vos molettes et votre capacité à utiliser votre appareil, moins celui-ci se mettra en travers de votre chemin, et plus vous pourrez être présent et réceptif ».

Des phrases comme celle-ci, il y en a plein dans ce livre. Vous les trouverez en introduction à chacun des chapitres. Un fond noir, un texte blanc, une idée qui saute aux yeux, on se prendrait presque à découper chaque page pour en faire un recueil à consulter chaque jour (si l’éditeur me lit, c’est un message …).

Vous trouverez aussi dans les pages qui suivent cette introduction le développement de l’idée, ce qui se cache derrière, ce que pense duChemin. Autant de réflexions personnelles à intégrer avant de les faire vôtres. Soyez prévenu, vous avez du pain sur la planche !

Un fil conducteur : on ne naît pas créatif, on le devient

C’est la réflexion la plus fréquente chez le photographe amateur désireux de passer un cap :

• « Je n’ai pas de don particulier »,
• « Je suis bon en technique mais je ne suis pas créatif »,
• « Je n’arrive pas à trouver d’idées »,

… vous vous reconnaissez ? Moi oui, encore beaucoup trop.

David duChemin a une réponse : prenez les choses sous un autre angle, ouvrez grand vos chakras ! La créativité est en vous mais vous ne le savez pas encore.

Peu de photographes célèbres sont nés avec un don pour la photographie. Beaucoup ont par contre travaillé dur pour arriver là où ils en sont.

Qu’est-ce que ça signifie pour vous ?

• Qu’il va vous falloir apprendre à parler le langage photographique (page 21 et suivantes),
• à être patient (page 57),
• à respecter un processus créatif (page 79),
• à obéir à la curiosité (page 107),
• …

Autant de qualités que vous devez développer si vous ne les avez pas déjà. Je vous l’ai dit, vous avez du travail.

Nous avons tous un parcours personnel riche d’expériences, de rencontres, de savoir-faire et de savoir-être. Puisez dans ce parcours pour développer votre pratique photographique, c’est le sens du texte de David duChemin.

Mon avis sur ce livre

Je n’ai pas pour habitude d’être aussi peu bavard quand je commente un livre de photo. J’aime citer les qualités et les défauts du texte comme de la présentation, et guider votre choix.

Avec « L’âme d’une image » je n’ai pu faire cet exercice.

J’aimerais vous convaincre que lire un tel ouvrage est essentiel pour progresser. J’aimerais vous convaincre aussi que c’est au moins aussi important que de lire le manuel de votre appareil photo (bien que savoir le maîtriser est important nous dit duChemin). J’aimerais vous convaincre, enfin, que vous pouvez vous-aussi faire des photos qui vont toucher les autres.

Je n’ai pas le talent de David duChemin pour cela (en savoir plus sur son site).

Tout ce que je peux vous dire c’est qu’investir 26 euros dans cet ouvrage vous rapportera bien plus qu’investir dans une nouvelle carte mémoire ou un accessoire pour votre appareil photo.

Vous connaissez ma passion pour la technologie comme pour les livres. Point de technologie ici, mais un livre. Essentiel.

Proche dans l’esprit des 50 pistes créatives de Michael Freeman, ce livre est assez éloigné au final des précédents ouvrages de David duChemin. La sobriété de la présentation, le noir et blanc, la qualité de l’impression et de la reliure, l’objet et – surtout – les idées développées méritent que vous vous y intéressiez.

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La photo au flash est un des sujets qui intéresse le plus les photographes débutants et amateurs car savoir utiliser un flash est complexe. Il existe différents modèles de flashs, intégrés ou non, fixés sur le boîtier ou distants, et arriver à bien gérer ces éclairages artificiels n’est pas évident.

Dans ce guide très concret, Scott Kelby que l’on ne présente plus en matière d’apprentissage de la photo, fait le tour des équipements, des techniques et vous livre une méthode à appliquer immédiatement.

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Photo au flash, présentation du guide

Il existe déjà un ouvrage de référence sur le flash dans lequel vous trouvez tout ce qu’il faut savoir pour comprendre comment fonctionne un flash, comment l’utiliser et comment gérer les flashs distants, c’est L’éclairage au flash avec le système Nikon CLS. Ce guide intéresse les nikonistes puisqu’il ne concerne que le système Nikon.

Le guide Photo au flash présenté ici se distingue de l’ouvrage précédent :

• il ne traite pas uniquement des boîtiers et flashs Nikon,
• il décrit une méthode et livre des conseils applicables immédiatement.

Plus qu’un ouvrage encyclopédique sur l’éclairage au flash, ce guide vous livre une méthode pour apprendre à utiliser un flash de la compréhension du matériel au flux de travail en intérieur comme en extérieur.

Scott Kelby a un ton bien personnel dans ses ouvrages, l’adaptation française faite par les éditions Eyrolles s’attache d’ailleurs à soulager le lecteur des élans lyriques de l’auteur, c’est une bonne chose.

Difficile de reprocher à Scott Kelby, par contre, son manque de pédagogie (voir par exemple ses 220 trucs et astuces en photo numérique ou son livre sur la photo de paysage). Ce guide est conçu pour vous aider à prendre en main votre équipement – boîtier et flash Cobra – pour réussir vos premières photos très vite.

L’approche pragmatique de l’auteur va vous aider. Vous allez apprendre à faire les réglages indispensables sur votre boîtier et sur votre flash tout en comprenant pourquoi les automatismes ne sont pas toujours vos meilleurs mais en éclairage au flash.

Nul besoin d’être expert pour savoir comment procéder : suivez les instructions, faites des essais, corrigez et recommencez. C’est le coeur de la méthode de Scott Kelby que l’auteur distille tout au long des 190 pages de l’ouvrage.

Cette méthode quelque peu empirique parfois s’appuie toutefois sur une longue expérience personnelle de l’auteur. Les conseils sont précis, compréhensibles quel que soit votre niveau et ils s’appliquent à tous les modèles de boîtiers et de flashs si vous prenez la peine d’avoir avec vous votre manuel utilisateur.

J’ai particulièrement apprécié le sentiment de facilité éprouvé à la lecture de ce guide : la photo au flash qui paraît bien complexe de prime abord s’avère en fait d’une simplicité presque déconcertante si vous suivez la méthode proposée.

Sachez qu’il pourra vous en coûter quelques accessoires pour compléter votre équipement : réflecteurs, pieds et fixations, gélatines ou fonds de studio. Scott Kelby vous présente ce qu’il utilise, quelques accessoires sont plus professionnels mais la majorité sont financièrement accessibles et plusieurs peuvent même être faits maison si vous êtes un tant soi peu bricoleur (les gélatines, supports et fixations par exemple).

La structure du guide facilite l’apprentissage :

• vous commencez par découvrir les commandes et les réglages de votre flash Cobra (les flashs de studio ne sont pas abordés),
• vous passez au niveau supérieur en apprenant à piloter des flashs distants et à utiliser des réflecteurs,
• vous apprenez à régler votre boîtier en tenant compte de l’influence de l’ouverture, du temps de pose et de la sensibilité.

Une fois ces notions techniques comprises et maîtrisées, Scott Kelby passe aux cas concrets.

• comment réussir un portrait au flash,
• comment utiliser le flash en extérieur,
• comment bien éclairer le fond,
• comment faire des photos de mariage au flash.

Pour vous aider à aller plus loin dans votre pratique, l’auteur détaille tous les supports de flashs qu’il vous est possible d’utiliser. C’est là que vous pourrez imaginer vos propres fixations en prenant modèle sur les accessoires présentés.

L’avant-dernier chapitre de ce guide de la photo au flash vous livre des notions plus avancées sur les flashs, la technique d’éclairage du fond, les filtres, la gestion des reflets et du rendu.

Le dernier chapitre présente lui le flux de travail au flash :

• flux de travail au flash en studio,
• flux de travail au flash en extérieur,
• flux de travail au flash pour la photo de mariage et de groupes.

Mon avis sur le guide de Scott Kelby

Autant je continue à apprécier le guide de l’éclairage au flash avec le système CLS Nikon, autant je trouve ce nouveau guide plus concret, pratique et plein de conseils à appliquer sans y passer du temps.

L’approche méthodique de l’auteur, le fait de laisser de côté les notions les plus complexes pour se concentrer sur le résultat et comment l’obtenir facilement m’a séduit. C’est un guide à consulter une première fois pour intégrer les différentes notions. Puis à avoir avec soi pour expérimenter.

Car c’est bien ce qui ressort de l’ouvrage : l’expérimentation mettant en oeuvre les bonnes pratiques vous aidera à réussir vos photos au flash sans y passer du temps et sans investir dans du matériel onéreux, le tout pour 19,90 euros que vous en coûtera le guide.

Vous avez besoin des notions essentielles pour pratiquer la photo au flash et d’une méthode pour les mettre en œuvre ? Ne cherchez plus, vous avez trouvé !

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Vous voulez photographier vos proches ou des modèles en les faisant poser mais vous n’avez pas d’idées de poses à leur proposer ? Vous posez parfois pour des portraits et vous aimeriez savoir quelles sont les poses possibles ? Le guide Posez ! vous présente 1.000 poses, autant d’idées pour vous aidez à réussir vos portraits … posés.

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Posez ! 1000 poses pour le photographe et son modèle

Un des problèmes du photographe qui débute portrait photo est de savoir diriger son modèle (l’autre est la gestion du plan d’éclairage).  Qu’il s’agisse de vos enfants, de vos proches ou d’un modèle recruté pour l’occasion le succès de la séance repose sur les poses et attitudes de vos sujets.

Mehmet Eygi est un photographe allemand qui a conçu ce guide de poses pour vous aider à imaginer les vôtres. Il s’agit d’un catalogue de poses types que vous allez pouvoir décliner à volonté pour photographier cinq types de sujets :

• les femmes,
• les hommes,
• les couples,
• les femmes enceintes,
• la famille.

Dans chaque partie vous allez trouver un ensemble de poses convenant à différents types de cadrages, du plan serré sur le visage au portrait de plein pied, debout.

Quelques explications succinctes accompagnent ces séries de poses. Il s’agit de savoir où porter votre regard de photographe comme de modèle.

Ne vous attendez pas à trouver des informations sur les réglages de votre boîtier, sur l’éclairage ou le post-traitement, ce n’est pas l’objet du livre.

Je n’ai pas compté le nombre de photos pour vérifier qu’il y en a bien 1.000 mais le moins que je puisse vous dire est que la variété des poses proposées devrait vous permette de vous faire votre propre liste avant shooting.

Mon avis sur « Posez ! », 1000 poses pour le portrait photo

Ce livre a le mérite de vous donner de nombreuses idées pour démarrer. Bien qu’il s’agisse d’un recueil de poses, je suis resté un peu sur ma faim après l’avoir consulté car j’aurais aimé trouver des informations complémentaires sur la direction du modèle et les types d’éclairage à favoriser pour chaque famille de poses.

De nombreuses poses sont très (trop) académiques et se trouvent assez facilement sans nécessiter les 28 euros d’investissement dans le guide.

Si vous êtes déjà photographe de portrait ce guide pourra tout au plus vous donner quelques pistes mais n’espérez pas y trouver d’idées très nouvelles ni créatives.

Si vous débutez en portrait ce catalogue de poses pourra vous aider à préparer vos premières séances. Vous ne passerez pas à coté d’un guide plus consistant sur les plans d’éclairage pour aller assez vite plus loin.

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Comment faire des portraits au quotidien sans dépenser une fortune en matériel et accessoires ? Découvrez les conseils d’un photographe pro dans un guide dont la particularité est d’être illustré de 50 portraits du même modèle dans différentes situations de prises de vue qui pourraient être les vôtres.

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1 modèle, 50 portraits : prise de vue, éclairage, poses – présentation du guide

Il existe de nombreux livre pour apprendre la photo de portrait, comme L’éclairage pour la photo de mode et de portrait ou Comment installer un studio photo chez soi. Ces livres vous présentent ce qu’il vous faut savoir en matière de techniques et d’accessoires, car le portraitiste fait souvent appel à du matériel spécialisé (éclairages, fonds, etc.).

Le photographe amateur qui veut se mettre au portrait, qu’il s’agisse de portraits de famille ou de quelques séries de photos « pour voir », n’ose pas toujours se lancer dans cette pratique quand il voit ce que cela suppose.

Il est pourtant tout à fait possible de réussir de jolis portraits sans devoir passer par la case « dépenses ». Et sans devoir passer non plus par des semaines d’apprentissage des différentes techniques.

Le guide « 1 modèle, 50 portraits » est conçu dans cet esprit. Un photographe, Mark Wilkinson, photographie le même modèle, Imogen Dyer, dans de nombreuses situations. Il vous montre comment il prépare ses séances, comment il utilise son appareil photo sans accessoiriser à outrance. Autant de situations que vous pouvez connaître ou mettre volontairement en place.

Vous pouvez retrouver ces deux personnages sur leur chaîne Youtube Weekly Imogen sur laquelle ils publient de nombreux tutoriels. 

Parmi les séries de photos que vous allez pouvoir découvrir, vous trouverez des conseils pour :

• soigner l’arrière-plan sans avoir un fond de studio,
• jouer avec les lignes directrices quel que soit le lieu,
• faire des portraits au travers d’une vitre,
• jouer avec les couleurs de l’environnement comme des vêtements et du maquillage de votre modèle.

Vous allez apprendre à faire des portraits agréables en jouant avec l’angle de prise de vue, la distance au modèle ou le format de vos photos. Autant de possibilités illustrées et accompagnées d’explications. celles-ci sont des supports aux images plus que des fiches détaillées mais permettent de bien comprendre ce qui a conduit à la réalisation des photos.

Dans les premiers chapitres vous trouverez l’essentiel de ce qu’il faut comprendre du portrait pour aller plus loin :

• les accessoires de votre modèle,
• les objectifs (vous allez voir que vous avez déjà ce qu’il faut),
• les techniques d’éclairage naturel de base.

Bien qu’il s’agisse d’un livre à destination des plus débutants, j’ai apprécié le nombre conséquent d’exemples donnés et de petits conseils en encarts. C’est simple, concret, pratique, applicable immédiatement.

Les situations de prises de vue présentées s’avèrent toutes donner de jolis résultats bien qu’elles soient très communes parfois :

• le portrait et la photo de rue,
• le portrait sur le vif,
• le portrait qui raconte une histoire,
• l’autoportrait,
• le portrait quand il neige,
• le portrait en ambiance polar,
• le portrait dans un miroir,
• un visage dans la foule.

Prenez le temps de noter toutes les propositions qui vont vous donner des photos moins monotones :

• accessoirisez votre modèle (avec ce que vous avez chez vous),
• demandez-lui de choisir plusieurs tenues,
• de changer de coiffure,
• de soigner son maquillage et d’en changer,
• d’avoir une tenue particulière que vous pourrez reprendre comme fil conducteur d’une série à l’autre.

Vous ne finirez pas ce livre sans avoir plusieurs idées de séances portrait en tête qu’il vous tardera de réaliser. C’est mon cas !

Une des difficultés principales en portrait c’est la pose que va prendre votre modèle et l’angle de prise de vue que vous allez choisir.

Vous trouverez à nouveau plein d’idées pour varier les plaisirs. Certaines comme les jeux de mains ne sont pas évidentes à trouver et pourtant les résultats sont très intéressants.

Mon avis sur « 1 modèle, 50 portraits : prise de vue, éclairage, poses »

Ce livre s’adresse aux photographes amateurs qui souhaitent aborder la photo de portrait sans vouloir pour autant se spécialiser dans un premier temps. Il est riche de nombreuses idées, de conseils pratiques et de « petits trucs » simples qui vont vous aider à faire des photos plus intéressantes.

Plus qu’un guide de référence sur la photo de portrait comme peut l’être Les secrets de la photo de portrait ou sur l’éclairage en studio comme Manuel d’éclairage photo, il s’agit ici de découvrir ce domaine photographique et de faire vos premières séries de photos sans plus attendre, sans être dépendant d’un studio ou de matériels spécifiques.

Si vous avez déjà un appareil photo et un objectif polyvalent, vous avez ce qu’il vous faut pour vous lancer. Ne cherchez pas plus loin et passez à l’action.

Prenez des notes, faites des photos, étudiez les résultats, recommencez et quand vous aurez épuisé toutes les idées données dans le livre, vous pourrez aller plus loin avec un ouvrage de référence sur la technique photo et l’étude des éclairages.

Proposé à un tarif très abordable (19 euros) ce livre s’avère sans prétentions mais très inspirant pour vous lancer et obtenir des résultats dont vous serez fier.

Reste à convaincre votre modèle de jouer le jeu, pour cela contentez-vous de lui montrer les photos illustrant le guide, cela devrait bien se passer !

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