Vous avez déjà entendu parler de l’effet de filé en photo. Vous avez vu des exemples impressionnants. Mais vous ne savez pas comment faire ? Ce tutoriel, illustré en vidéo, vous explique pas à pas comment obtenir cet effet et vous invite à passer à l’action.

Qu’est-ce que l’effet de filé en photo

Vous avez déjà vu ces photos où un cycliste ou une voiture semble surgir dans un décor flou, étiré par la vitesse ? C’est l’effet de filé.

Un rendu spectaculaire qui ne demande ni trépied, ni formule magique, juste une compréhension simple de ce qui rend une photo vivante.

Voici comment faire, même si vous débutez, même si vous n’avez pas le dernier boîtier.

Comment faire un effet de filé photo ?

Réglez votre appareil en priorité vitesse, choisissez une vitesse lente (autour de 1/125 s), suivez le sujet dans le viseur, déclenchez lorsqu’il est perpendiculaire à vous, et poursuivez le mouvement après le déclenchement.

Visionnez la vidéo ci-dessous pour en savoir plus sur l’effet de filé photo. Les explications détaillées se trouvent sous la vidéo.

Pourquoi utiliser l’effet de filé en photo ?

L’effet de filé photo est une technique qui permet de photographier un sujet en mouvement, notamment en sport mécanique, en gardant ce sujet bien net et en disposant d’un arrière-plan flou ou « filé ».

Le résultat permet de donner du dynamisme ainsi qu’une sensation de déplacement du sujet dans l’image. D’autres diront également que cette technique permet de rendre la sensation de vitesse du sujet.

Il est important de rappeler que la photographie sportive, plus particulièrement pour les sports mécaniques, demande des temps de pose adaptés pour toutes les photos d’action, sans qu’il s’agisse pour autant d’un « filé ».

Une image totalement figée (et donc les roues aussi) ne donne pas l’impression ni la sensation de déplacement alors qu’avec les roues au minimum « filées », la même image permettra de mieux comprendre que le véhicule n’est pas garé sur la piste mais bien en pleine action.

Avec le filé, l’effet est plus esthétique, le dynamisme mieux rendu, l’intérêt de l’image est plus grand.

Les avantages de l’effet de filé

L’effet de filé photo, on parle aussi de panoramique de mouvement, permet :

• d’isoler le sujet de l’arrière plan,
• de noyer un arrière-plan et/ou un avant-plan par le fait qu’il sera « filé »,
• de donner une sensation de dynamisme et de mouvement du sujet par rapport au reste de l’image.

Les inconvénients de l’effet de filé

La technique de l’effet de filé photo n’a pas que des avantages. Il n’est pas forcément toujours facile de la réaliser et encore moins de réussir une belle image. Beaucoup d’images dites « filées » ne le sont pas réellement, partant du principe que le sujet lui-même doit être net et ce n’est pas toujours le cas.

Voici quelques contraintes importantes à prendre en compte :

• l’objectif utilisé et le couple ouverture/focale (le filé est plus facile avec une longue focale)
• la focale utilisée et la distance entre le sujet et vous
• un dégagement suffisant permettant d’utiliser la bonne focale
• un champ de vision important (c’est toujours mieux de voir arriver le sujet)

En conclusion, on peut admettre la règle suivante :

Pour qu’un effet de filé photo soit réussi, il faut que le nombre qui désigne le temps de pose soit inférieur à celui qui désigne la focale.

Par exemple, si vous utilisez un 200 mm, le nombre qui désigne le temps de pose doit être inférieur à 200, par exemple 1/125 ème de seconde.

Les étapes pour réussir l’effet de filé

Les réglages photo essentiels

Commencez par vous placer dans un lieu où le sujet se déplace latéralement par rapport à vous, comme une route ou une piste.

Réglez votre boîtier sur le mode S (priorité vitesse). Choisissez un temps de pose adapté : commencez à 1/200 s, puis descendez progressivement à 1/125 s, 1/80 s, voire 1/30 s selon la vitesse du sujet.

Utilisez une focale suffisante (de 70 mm à 300 mm en général).

Travaillez si possible à main levée pour plus de souplesse. Un trépied ou monopode peut aider, mais n’est pas indispensable. Et surtout, suivez le mouvement du sujet avant, pendant et après le déclenchement.up sûr.

Effet filé et position du photographe

La technique est assez simple : tout d’abord il vous faut chercher un spot (un lieu de prise de vue) qui va vous permettre d’utiliser l’optique avec laquelle vous comptez faire du filé.

Rien ne sert de se mettre à 20 m de la piste si vous avez un grand-angle, l’inverse est par conséquent valable : éloignez-vous pour utiliser une longue focale.

Ensuite, cherchez la focale (si vous avez un zoom) ou la distance (si vous avez une optique fixe) qui va vous permettre d’intégrer le sujet dans l’image de façon adéquate. L’idée étant ici de ne pas avoir un sujet qui remplit seulement 15% de l’image mais bien une bonne partie du champ de l’image.

Pour terminer, le spot doit permettre une vision importante de l’action, idéalement 180°. Vous serez ainsi plus à l’aise pour préparer la prise de vue, vous pourrez voir venir le sujet, le voir s’éloigner, le suivre plus facilement. En fonction de votre expérience vous pourrez vous permettre de réduire le champ, cela viendra avec le temps.

Effet filé et réglages

Maintenant, il faut le faire ce filé et c’est là que tout se complique : quels réglages utiliser, quel temps de pose choisir, quel trépied, quel monopode, etc.

Une solution simple est de n’utiliser ni trépied ni monopode. En travaillant à main levée, vous garderez une plus grande flexibilité dans vos mouvements et vos déplacements.

Réglez votre boîtier sur le mode S, priorité vitesse. Comme on cherche à faire du « filé » et que par conséquent il faudra jouer sur le temps de pose, privilégiez ce mode. Ensuite commencez avec des temps de pose assez courts, histoire de régler un peu le cadrage, la position (ex : assis, debout, couché).

Exemples de réglages pour un effet de filé réussi

• Cycliste : 1/125 s à 85 mm
• Voiture rapide : 1/250 s à 200 mm
• Piéton : 1/30 s à 50 mm

Photos (C) Jean-Christophe DICHANT

EXIF : 1/200 ème de sec. focale 140 mm (APS-C équiv. 210 mm) f/2.8, le nombre désignant le temps de pose est proche de celui qui désigne la focale et l’effet filé léger, le fond n’est pas très flou

Maintenant commencez à augmenter le temps de pose en faisant diminuer le nombre qui le désigne (par exemple 1/125 au lieu de 1/200). Vous êtes en mode priorité vitesse, vous pouvez régler ce temps comme vous le voulez.

Effet filé et cadrage

L’angle de 180° mentionné plus haut doit vous permettre de viser/cadrer votre sujet à distance, de le suivre dans votre viseur et lorsque ce sujet est perpendiculaire à vous (en face de vous), vous déclenchez.

Le plus important dans le « filé » est d’initier le mouvement avant le déclenchement, de le poursuivre pendant mais aussi après le déclenchement. C’est la raison pour laquelle il est important d’avoir un champ de vision important sur la droite et la gauche de votre cadre. Le fait de poursuivre votre mouvement, conjugué au temps de pose, vous permettra d’obtenir le filé. Simple non ?

Comment déclencher au bon moment ?

C’est souvent au moment où le sujet est perpendiculaire à vous que l’effet de filé est le plus fort. Vous devez donc l’anticiper, le suivre dans le viseur, et déclencher tout en poursuivant le mouvement de suivi.

N’interrompez surtout pas ce mouvement au déclenchement : c’est la continuité du geste qui génère le flou d’arrière-plan. Avec l’habitude, ce geste devient naturel.

Exemples concrets de photos avec effet de filé

Photo (C) Olivier Comment

Premier exemple : le sujet est net, on distingue un peu le mouvement dans les roues du véhicule. L’arrière plan est visible, flou mais pas « filé ». Dès lors, cette image ne peut pas être considérée comme un filé.

Voici les exifs qui démontrent que la règle n’est pas respectée : 1/500 ème sec., objectif Nikon AFS VR 200-400 à 400 mm, ISO 200, f/5.6. Le nombre « 500 » du temps de pose est supérieur au nombre « 400 » de la focale.

Un temps de pose plus long (donc un nombre inférieur) aurait permis d’obtenir l’effet de filé désiré (par exemple 1/250 ème de sec.).

Photo (C) Olivier Comment

Deuxième exemple : un temps de pose plus long a permis d’accentuer le filé de l’arrière plan et des roues tout en gardant le sujet net.

Les données EXIF donnent : 1/320 ème de sec., objectif Nikon AFS VR 200-400 à 400 mm, ISO 200, f/8

Vous suivez ? Le temps de pose a varié par rapport à la focale donc l’effet de filé commence à apparaître.

L’effet filé est là mais pas forcément suffisant encore pour donner toute la dimension de vitesse au véhicule.

Si vous êtes dans ce cas, faites quelques vues supplémentaires en augmentant encore le temps de pose et comparez les résultats. Le mieux étant parfois l’ennemi du bien, vous choisirez peut-être la photo pour laquelle le temps de pose n’est pas le plus long mais qui au final donne le meilleur rendu.

Il vous reste maintenant à multiplier les tests.

Photo (C) Olivier Comment

Troisième exemple avec une focale de 190 mm. Les rayons des roues sont parfaitement invisibles et les pneus parfaitement en mouvement. L’arrière plan est parfaitement filé. On a l’impression que les feuilles des arbres et les troncs ont été déformés. Cette sensation est typique du filé.

Les EXIF donnent 1/125 ème de sec., objectif Nikon AFS VR 70-200 à 190 mm, ISO 100, f/5

Le temps de pose plus long permet de garder le sujet net et de donner la sensation de filé sur l’arrière plan. CQFD.

Ce type d’optique est idéal pour commencer à réaliser des filés. Peu encombrant et pas forcément très lourd non plus, la flexibilité du zoom 70-200 mm et la réactivité de son autofocus lui confèrent une grande utilité pour ce style d’image. Une focale 70-300 mm convient aussi pour s’entraîner au filé.

Photo (C) Olivier Comment

Quatrième et dernier exemple de ce tutoriel filé en photo, une image réalisée sur les bords d’une piste d’aviation en fin de journée.

Données EXIF 1/80 s, objectif Nikon AFS VR 200 mm, ISO 500, f/2

Le temps de pose utilisé est volontairement très lent par rapport à la focale (« 80 » vs. « 200 »). On peut constater néanmoins que ce temps de pose a permis de noyer l’arrière plan à tel point qu’il est difficile de déterminer de quoi il s’agit.

Il y a une part de chance dans ce type d’images, surtout avec des temps de pose longs. Toutefois la conjugaison entre la stabilité, la régularité de la vitesse du mouvement de droite à gauche et surtout la continuité du mouvement après le déclenchement sont les facteurs de réussite de cette image.

Quel matériel pour s’y mettre ?

Un zoom 70-200 mm ou 70-300 mm est idéal : flexible, relativement léger, avec un autofocus rapide.

Le stabilisateur (VR chez Nikon) vous aidera à compenser les petits mouvements parasites.

Un boîtier APS-C ou plein format, peu importe. Ce qui compte, c’est votre capacité à suivre le mouvement et à choisir le bon moment.

Où s’entraîner facilement à faire des filés ?

Pas besoin d’aller sur un circuit de F1. Une voie rapide, une rue passante, un rond-point, un coureur à pied, un cycliste… Tout sujet mobile est un prétexte pour s’exercer.

Observez. Suivez. Déclenchez. Et recommencez. Encore. Et encore.

FAQ – Questions fréquentes sur l’effet de filé photo

Qu’est-ce qu’un effet de filé en photo ?
C’est une technique qui permet de montrer le mouvement d’un sujet en le suivant avec votre appareil photo pendant la prise de vue. Le sujet reste net, mais le fond devient flou, créant une impression de vitesse très visuelle.

Quel mode faut-il utiliser pour faire un effet de filé ?
Le mode priorité vitesse (S sur les Nikon, Tv sur Canon) est le plus simple. Il vous permet de choisir précisément la vitesse d’obturation tout en laissant l’appareil gérer l’ouverture.

Quelle vitesse choisir pour réussir un filé ?
Il n’y a pas une seule bonne valeur. Pour une voiture ou un vélo, commencez avec 1/125 s. Si le sujet est plus lent, descendez à 1/60 ou 1/30 s. L’essentiel, c’est d’ajuster la vitesse en fonction du mouvement et de ta stabilité.

Est-ce que je dois utiliser un trépied ?
Pas forcément. Beaucoup de filés réussis se font à main levée. Mais si vous avez du mal à suivre votre sujet de façon fluide, un monopode ou un trépied peut aider, à condition d’avoir une rotule souple.

Quel objectif utiliser pour un bon filé ?
Un zoom de type 70–200 mm est idéal pour isoler un sujet en mouvement. Mais vous pouvez très bien réussir un filé avec un 35 mm ou un 85 mm si vous êtes plus proche du sujet.

A vous de jouer

Le filé, ce n’est pas qu’une technique : c’est une manière de rendre le mouvement visible, de raconter l’action. Entraînez-vous, osez rater, cherchez votre style. Et souvenez-vous : un bon filé, ce n’est pas une photo parfaite, c’est une image qui fait ressentir la vitesse.

Question: quel est le problème principal que vous rencontrez avec le filé photo ?

Le guide pratique Photo de Paysage est un recueil de fiches détaillées pour vous aider à maîtriser la photo de paysage sous tous ses aspects. Voici la présentation de ce guide très abordable.

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Le guide pratique Photo de Paysage : format magazine relié

A l’inverse des nombreux guides que j’ai pu vous présenter précédemment, ce guide pratique Photo de Paysage reprend le format magazine déjà utilisé pour le précédent guide pratique photo reflex 2016.

La reliure cousue, l’impression sur papier épais et l’absence d’encarts publicitaires font de cet ouvrage un véritable livre qui se démarque des magazines photo traditionnels tout en conservant un tarif accessible. Pour 15 euros vous aurez en effet accès à 162 pages bien denses, de nombreux conseils et illustrations et 15 cas pratiques de type “pas à pas”.

Les 7 sujet à maîtriser

Si vous êtes débutant ou plus avancé dans votre pratique, et que vous ne savez pas trop comment faire des photos de paysage de qualité, voici ce que ce guide vous apporte :

• la liste de l’équipement photo utile, indispensable et ce dont vous pouvez vous passer,
• les règles de composition s’appliquant aux photos de paysage, ce ne sont pas les mêmes qu’en portrait par exemple,
• les réglages et paramètres relatifs à l’exposition, la mesure de lumière et la gestion des contrastes,
• les techniques plus avancées d’exposition pour retrouver à l’écran ce que vous avez vu sur le terrain,
• les réglages et techniques pour faire des photos nettes,
• comment traiter vos photos au format RAW pour leur donner un rendu personnel,
• comment corriger les défauts de vos photos et retoucher ce qui doit l’être (ou pas).

Chaque double page traite d’un sujet particulier, avec un texte descriptif, des schémas annotés, une ou plusieurs photos d’illustration de bonne taille et un encart “conseil” pour approfondir certains sujets.

15 cas pratiques

J’ai particulièrement apprécié le dernier chapitre de l’ouvrage qui présente 15 photos et l’ensemble des étapes qui ont conduit à les réaliser. Plus que les enseignements théoriques, ces images ainsi décrites vous permettent de comprendre la démarche de l’auteur, ce qu’il s’est passé avant, pendant et après la prise de vue pour arriver au résultat final.

Au final

J’avais bien apprécié les précédents guides de cette série et je pense la même chose de ce nouveau guide pratique de la Photo de Paysage. Les informations données sont pertinentes – et nombreuses – et le tarif est particulièrement attirant.

Le format de l’ouvrage en fait un guide que vous consulterez plus difficilement sur le terrain que d’autres livres plus petits. L’ensemble est assez dense pour tenir dans une pagination réduite, sans pour autant nuire à l’apprentissage. C’est un guide d’initiation que vous pourrez compléter, si vous voulez aller plus loin, par des ouvrages plus spécialisés comme Les secrets du Paysage de Fabrice Milochau.

Vous avez une série de photos sur un même thème faites dans des lieux différents, avec des conditions de lumière différentes et donc des rendus différents ?

Savez-vous que vous pouvez accorder très simplement toutes vos images à l’aide d’une commande (un peu) oubliée de Photoshop ?

Il est fréquent de faire des photos sur un thème donné pour préparer une série photo. Mais bien souvent vous réalisez après coup que les rendus diffèrent et qu’il vous faut passer beaucoup de temps en post-traitement pour faire correspondre toutes vos images à la tonalité voulue.

Photoshop, depuis la version CS2, possède pourtant une commande dédiée qui peut vous faire gagner des heures !

Suivez le tutoriel vidéo ci-dessous pour voir comment mettre cette commande en oeuvre très simplement sur une ou plusieurs photos.

Ce tutoriel est extrait de la formation Photoshop CC proposée par Julien Pons. C’est un ensemble de plus de 13H de leçons vidéos pour apprendre à utiliser Photoshop pour le post-traitement photo.

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Encore plus de tutoriels vidéos gratuits

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Certains photographes ont le don de résumer en une phrase une pensée qui leur est propre et les fait avancer dans leur démarche créative. J’ai regroupé ci-dessous quelques citations photo relevées au fil de mes lectures.

Je vous invite à découvrir et à partager sans modération chacune de ces citations. J’ai volontairement inclus des photographes connus comme d’autres moins connus. C’est le sens des mots qui m’importe plus que leur auteur.

Vous connaissez d’autres citations photo qui méritent d’être connues ? Faites-m’en part via les commentaires !

Citations photo inspirantes

David duChemin

« Un bon photographe est celui qui est capable non pas de représenter la réalité objective, mais de traduire les sensations et les émotions ressenties au moment de déclencher. »

En savoir plus sur David duChemin …

Anne-Laure Jacquart

« Pour être photographe, il faut non seulement regarder à travers son objectif, mais aussi et surtout avec son ‘subjectif’. »

En savoir plus sur Anne-Laure Jacquart …

Raymond Cauchetier

« La photo ne s’apprend pas, elle se ressent. Les règles élémentaires peuvent être comprises en quelques instants, ensuite c’est une question de regard. »

En savoir plus sur Raymond Cauchetier …

Robert Doisneau

« La technique, il est bon de la fréquenter pour la connaître intimement et attirer ses bonnes grâces, après quoi elle doit vous ficher royalement la paix. »

En savoir plus sur Robert Doisneau …

Citations photo à apprendre par coeur : Willy Ronis

« L’appareil ne pense pas, c’est le cerveau du photographe qui pense. »

En savoir plus sur Willy Ronis …

Gildas Lepetit-Castel

« Trouver son identité n’est pas chose simple. Et pourtant seule cette recherche personnelle vous permettra d’évoluer et de ne pas rester dans l’ombre de ce que vous aimez. »

En savoir plus sur Gildas Lepetit-Castel …

Citations photo à apprendre par coeur : Elliott Erwitt

« Une photographie ne se prépare pas, elle se fait cueillir ».

En savoir plus sur Elliott Erwitt …

Gianni Berengo Gardin

« La bonne photo est quelque chose que tu n’as pas vu et que le photographe te dévoile ».

En savoir plus sur Gianni Berengo Gardin …

Michael Freeman

« Lisez, intégrez pour ensuite mieux oublier car, au final, la photographie est un acte qui vous unit, vous, l’appareil et le sujet que vous photographiez. »

En savoir plus sur Michael Freeman …

Lisa Tichané

« Aussi sophistiqué que soit votre appareil, il ne pourra pas faire de belles photos à votre place. Votre appareil n’est qu’un outil, votre œil doit le guider. »

En savoir plus sur Lisa Tichané …

Céline Jentzsch

« La photographie est une discipline qui demande de la patience, de l’entraînement et de l’assiduité tel un musicien qui répète des gammes. »

En savoir plus sur Céline Jentzsch …

Citations photo, à vous !

Vous connaissez d’autres citations inspirantes ? Quelques mots qui peuvent aider à comprendre ou à avoir le déclic ? Dites-nous ça via les commentaires !!

Le guide pratique du Nikon D7200 est disponible ! Ecrit par Vincent Lambert, déjà auteur de plusieurs autres guides dont le guide du Nikon D810, cet ouvrage vous livre tous les secrets du reflex expert DX Nikon !

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Le Nikon D7200 est le modèle le plus expert de la gamme APS-C DX Nikon. Son capteur, son autofocus, sa mesure de lumière, son ergonomie font du D7200 le boîtier le plus proche des modèles pros de la marque disposant eux du capteur plein format.

Si le D7200 n’est pas une révolution face à son prédécesseur D7100, il n’y a pas grand-chose à lui reprocher sur le strict plan des performances.

Pour pouvoir tirer le maximum du D7200, encore faut-il en comprendre tous les réglages et savoir quelles fonctions utiliser.

C’est le but du guide pratique de Vincent Lambert qui, outre une présentation détaillée du boîtier et de ses nombreuses fonctions, a le mérite de mettre en perspective l’ensemble.

Le manuel utilisateur vous dit à quoi servent chaque touche et chaque entrée du menu mais ne vous dit pas quand et pourquoi les utiliser. Le guide pratique le fait, c’est la grosse différence.

Parmi les chapitres les plus importants, citons :

• la gestion de l’autofocus
• la gestion de l’exposition
• l’utilisation du flash intégré et des flashs complémentaires et distants
• l’utilisation du mode vidéo
• la gestion et l’utilisation des Picture Control (rendu des images)

Vincent Lambert, également formateur à la Nikon School, vous propose de découvrir tous les objectifs et accessoires compatibles avec le Nikon D7200. Il fait la distinction entre ceux qui sont plutôt indispensables et ceux dont vous pouvez largement vous passer.

Parce qu’un tel boîtier nécessite de post-traiter les fichiers RAW pour en tirer la quintessence, l’auteur a bien évidemment ajouté un chapitre conséquent sur l’utilisation du logiciel Nikon Capture NX-D de même qu’il décrit l’utilisation de Lightroom et DxO Optics Pro.

Le dernier chapitre du guide est entièrement consacré aux différentes situations de prise de vue et aux réglages conseillés pour réussir vos photos dans ces conditions :

• paysage
• portrait
• action et reportage
• nature morte et studio

Voici donc un guide qui complète à merveille le manuel utilisateur et vous permettra de maîtriser le Nikon D7200 et ses différentes fonctions. Quand on voit le nombre d’entrées dans le menu et la complexité des modules autofocus et mesure de lumière, autant dire que c’est un guide indispensable à garder précieusement pour le consulter aussi souvent que nécessaire !

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Vous cherchez des idées de sujets photo proches de chez vous ? Vous pensez qu’il faut absolument aller dans un lieu paradisiaque pour trouver des idées photo originales et créatives ? Vous ne savez pas quoi photographier quand vous sortez de chez vous ?

Voici une série de conseils pour pratiquer la photo et faire de belles séries d’images sans vous éloigner beaucoup.

Trouver des idées photos, oui mais …

Vous êtes nombreux à me dire que vous n’avez pas suffisamment l’occasion de voyager pour faire de belles photos. Ou que vous habitez dans un lieu qui se prête difficilement aux belles images. Ou encore que vous souffrez du syndrome de la page blanche.

Vous regardez les photos d’autres photographes et vous pensez toujours « oui mais forcément, à cet endroit j’aurais fait moi-aussi de belles images …« . Et vous êtes frustrés.

Et pourtant …

Vous avez pourtant essayé de faire des photos autour de chez vous. Mais ça ne fonctionne pas, les résultats sont décevants et vous vous êtes découragé.

Vous vous contentez d’immortaliser quelques fêtes de famille, vos proches, et vous attendez patiemment le prochain départ en vacances ou weekend prolongé pour – enfin – passer aux choses sérieuses.

Alors que …

Il y a des dizaines d’occasions de faire des photos intéressantes autour de chez vous. Mais il faut savoir trouver les idées. Voici quelques conseils à appliquer immédiatement pour découvrir ce qui vous tend les bras.

1- Photographiez les évènements locaux

Soirée animation à la piscine municipale

Toutes les communes, petites et grandes, organisent toute l’année des événements locaux : fêtes, festivals, animations sportives …

Ce sont autant d’occasions de trouver des idées photo car ces événements sont généralement en libre accès, ils durent plusieurs heures ou jours et vous pouvez photographier librement.

Couvrir un tel événement c’est aussi avoir l’opportunité d’intéresser des partenaires locaux. Pensez à partager vos meilleures images et vous aurez peut-être l’opportunité de les voir citées par les organisateurs.

Pour vous organiser il suffit d’aller à la pêche aux infos sur le web et de préparer votre programme : horaires, parcours, temps forts. Adaptez votre matériel aux photos à réaliser. Faites simple. Inutile de charger votre sac de plusieurs objectifs et boîtiers, faites un choix et concentrez-vous sur ce qui vous passe sous les yeux.

2- Revisitez les lieux

Passer toujours au même endroit et lever les yeux (iPhone)

Quel que soit l’endroit où vous habitez, il y a forcément un lieu particulier à photographier. Ne pensez pas que seuls les jolis sites méritent votre attention. Une friche industrielle, un terrain vague, une forêt ou une avenue commerçante sont autant de lieux potentiels pour faire de belles images.

Adoptez un regard différent : ne cherchez pas la beauté du lieu mais attachez-vous à traduire ce que vous ressentez. Trouver des idées photo c’est par exemple documenter la vie quotidienne, les travaux, les transports, les gens, les détails. Il y a plein d’opportunités à saisir.

3- Pour trouver des idées photo suivez les saisons

Exposition temporaire au Musée, de quoi varier les plaisirs

C’est en travaillant sur la durée que vous allez petit à petit mettre en œuvre votre démarche personnelle.

En photographiant les mêmes lieux tout au long de l’année vous montrez le défilement des saisons et les inévitables changements.

En parcourant la campagne de janvier à décembre, vous montrez l’évolution de la faune et de la flore. C’est aussi l’occasion de photographier des animaux différents d’un mois à l’autre.

Le travail sur la durée est le plus enrichissant pour un photographe car il permet de réaliser ce qui vous plaît vraiment, ce à quoi vous êtes attaché. Revisitez vos archives et vous verrez que vous avez peut-être déjà accumulé bon nombre d’images du même sujet et qu’il ne manque pas grand-chose pour en faire une série intéressante.

4- Frappez aux portes

Il y a forcément de la vie autour de chez vous. Faites le tour des associations et proposez vos services. Vous serez souvent accueilli à bras ouverts car un photographe bénévole dans une association c’est toujours un avantage.

Ne cherchez pas pour autant à prendre la place des professionnels établis mais jouez la différence. Adoptez une démarche décalée, faites des images moins institutionnelles, plus personnelles.

Proposez vos services, il en restera toujours quelque chose (Nikon D750)

5- Rejoignez un club photo

Les clubs photo sont en déclin avec la montée en puissance des forums et réseaux sociaux mais ils restent intéressants pour rencontrer d’autres passionnés et vous aider à trouver des idées photo. De plus les clubs photo vous offrent souvent des opportunités que vous ne sauriez couvrir seul, ou ils ouvrent des portes que vous ne pourriez ouvrir vous-même.

6- Etudiez les cartes

Jeux et art urbain (Nikon D5300)

J’ai souvent découvert des sujets photos proches de chez moi par hasard, en regardant une carte. Le niveau de précision des cartes actuelles, numériques en particulier, et la possibilité d’accéder aux vues satellite, vous permet de découvrir des lieux proches dont vous n’avez peut-être pas connaissance.

Survolez virtuellement votre région et vous allez peut-être découvrir un site ou un parcours intéressant. Regardez les photos accompagnant les cartes, ce sont autant de sources d’inspiration.

7- Suivez les sites de partage photo

L’architecture urbaine et les lieux peu fréquentés sont de bons sujets (iPhone)

Sans sortir de chez vous, vous pouvez accéder à des milliers de photos de votre région. Il suffit de chercher sur un site connu – par exemple Instagram – ce que d’autres photographes ont fait dans votre région pour vous en inspirer.

La recherche géolocalisée de la plupart des sites de partage est un excellent moyen de découvrir des lieux mais aussi – et surtout – des regards. Prenez le temps d’étudier ces images. Prenez des notes, repérez des lieux, des styles de prise de vue.

8- Suivez les concours photo

Il y a des dizaines de concours photos lancés chaque semaine. En vous intéressant aux thèmes de ces concours, vous allez probablement trouver de quoi faire une série d’images.

Peu importe si vous participez aux concours ou pas, intéressez-vous au sujet et faites les images. Ce sont autant d’occasions de photographier différemment auxquelles vous n’aviez peut-être pas pensé.

9- Lisez la presse locale

Festival des cultures urbaines (Nikon D750)

Rien de tel que de parcourir la presse locale pour savoir ce qu’il se passe autour de chez vous. C’est d’autant plus vrai si vous vous êtes installé récemment et si vous ne connaissez pas encore très bien la région.

Les magazines municipaux sont des sources d’inspiration permanentes. Images, textes, thèmes traités, personnes citées, expériences vécues, autant de sujets à reprendre et auxquels vous intéresser.

Trouver des idées photos, mais encore …

C’est en photographiant que l’on devient photographe (!). Ayez toujours avec vous de quoi faire des images, qu’il s’agisse de votre équipement reflex ou d’un simple smartphone. L’important est de recueillir des idées, de prendre des notes, de faire des repérages pour pouvoir revenir ultérieurement.

Multipliez les prises de vue, apprenez à trier et à choisir vos meilleures photos, partagez-les et … recommencez ! C’est en persévérant que vous développerez un regard, des thèmes, une démarche créative. Et c’est ce qui fait tout l’intérêt de la photographie amateur non ?

A vous !

Vous avez trouvé des idées de photo proches de chez vous ? Des conseils à ajouter ? Complétez l’article via les commentaires et parlons-en !

Avez-vous déjà eu cette impression étrange en regardant vos propres photos ? Elles sont nettes, bien exposées, techniquement correctes… mais elles n’accrochent pas. Elles ne racontent rien. Elles font flop.

Et oui, même avec le meilleur appareil photo, vos images peuvent sembler plates. La solution ne consiste pas à changer de matériel, mais à changer de regard. Tant que vous penserez technique avant de penser composition photo, vos images resteront plates. La bonne nouvelle, c’est qu’il suffit de changer de manière de voir, pas de matériel.

Dans ce guide, je vous montre comment transformer vos photos grâce à 25 principes de cadrage et de composition photo simples à appliquer. Pas de jargon. Pas de recettes toutes faites. Juste des repères visuels qui feront toute la différence dès votre prochaine sortie photo.

« Mes photos n’ont rien d’exceptionnel »

Je reçois souvent des messages de photographes frustrés : leurs images sont correctes, bien construites, mais elles n’accrochent pas. Elles ne déclenchent rien. Pas d’émotion. Pas d’histoire. Même pas de Likes (!).

Et presque toujours, la même conclusion revient, comme une règle absolue : « Il me faut un meilleur boîtier. »

Non. Ce qu’il vous faut, c’est un meilleur regard.

Penser que la solution se trouve dans le matériel est une erreur classique. Ce n’est pas votre appareil photo qu’il faut maîtriser, c’est votre façon de voir. La différence entre une photo ordinaire et une photo marquante tient rarement aux réglages. Elle tient à la composition photo et au cadrage, ces deux fondations qui donnent vie à l’image.

Avant de dépenser des sous dans ce satané matériel, prenez le temps de comprendre comment vos images s’organisent. Apprenez à placer les éléments visuels, à équilibrer les masses, à guider le regard. Peu importe votre boîtier : si vous appliquez les bons principes de composition, vous verrez vos photos changer immédiatement. Comment réagiriez-vous si cela se produisait dès demain pour vous… ?

Qu’est-ce que le cadrage et la composition en photographie ?

Qu’est-ce que la composition photo ?

La composition photo désigne la manière dont les éléments d’une image sont organisés pour guider le regard du spectateur. Elle repose sur le cadrage, les lignes, la lumière, les formes et les couleurs pour créer une image harmonieuse et expressive.

Cette organisation, pour être efficace, doit être simple et capturer instantanément l’attention du spectateur. C’est un des secrets des photographes que vous admirez : une photo sans une composition et un cadrage réfléchis n’est pas une image aboutie.

Quelle différence entre composition et cadrage photo ?

Le cadrage délimite ce que vous incluez dans votre image ; la composition détermine comment ces éléments interagissent entre eux.

Tout comme les Maîtres de la peinture ont su maîtriser l’art de la composition, vous pouvez vous approprier ces principes fondamentaux et les appliquer dès maintenant à vos photos pour de meilleurs résultats.

Ces principes, accessibles même si vous avez débuté ce matin, ne requièrent aucune dépense supplémentaire. Il s’agit de modifier votre approche du cadrage, de repenser la manière dont vous remplissez le champ de votre viseur et de voir votre sujet sous un angle nouveau.

Règles des tiers : utile, mais pas obligatoire

La règle des tiers semble le graal du photographe amateur, pourtant elle est souvent remise en question. Ne reposant sur aucune base établie, mieux vaut la considérer comme une possibilité qui vous est offerte mais pas comme une règle absolue.

1. Simplification Excessive : la règle des tiers est trop considérée comme une façon simple de réduire la complexité inhérente à la composition photographique.
2. Manque de Flexibilité : elle peut être restrictive et ne pas s’adapter à toutes les situations. Certains sujets ou scènes se prêtent bien mieux à une symétrie parfaite ou à un cadrage centré.
3. Risque de Banalité : la règle des tiers conduit à des compositions prévisibles et trop souvent banales (tout le monde fait les mêmes).
4. Exceptions Notables : De nombreuses œuvres d’art et photographies célèbres ne suivent pas la règle des tiers, ce qui tend à prouver que vous pouvez faire de même sans aucun état d’âme.

Les principes essentiels pour composer une photo

Pour maîtriser cadrage et composition en photographie, vous devez connaître les principales règles (voir les règles de composition). Et savoir vous en éloigner quand vous les maîtrisez. Plutôt que de parler de règles, je préfère parler de principes à  découvrir et à appliquer sans attendre.

J’ai listé quelques références bibliographiques qui vous aideront à en savoir plus car vous allez réaliser très vite en vous intéressant au cadrage et à la composition que vous voudrez en savoir toujours plus !

1. Utilisez les nombres impairs pour dynamiser vos images

Regardez attentivement une photo avec trois personnages. Votre œil ne cesse de circuler, de l’un à l’autre, comme pris dans un mouvement invisible. C’est tout sauf un hasard.

Un nombre impair crée une tension visuelle naturelle. Il empêche la symétrie plate. Il introduit un déséquilibre qui rend la scène plus vivante. Essayez avec des objets, des silhouettes, des arbres, peu importe : l’effet fonctionne toujours.

2. Donnez de l’échelle à vos photos

Une montagne sans randonneur. Une ruelle sans silhouette. Un monument sans passant. L’image est belle, mais elle est vide.

Sans repère de taille, votre spectateur est perdu. Il ne sait pas si ce qu’il regarde mesure un mètre ou cent. Il admire la forme, mais pas l’ampleur. Ajoutez un personnage, une ombre, une barrière… et soudain, tout prend sens.

En photographie de paysage, faites toujours plusieurs vues avec et sans personnage en variant cadrage et composition. Vous pourrez ainsi choisir  la photo qui s’avère la plus intéressante.

3. Servez-vous des lignes directrices pour guider le regard

Votre œil suit naturellement les lignes. Celles d’une route, d’un trottoir, d’un escalier. Elles agissent comme des rails visuels. Vous pouvez les utiliser pour conduire le regard vers un point précis, ou structurer votre image en profondeur.

Pensez à un couloir de métro, à une allée d’arbres ou à des façades urbaines : ce sont des compositions toutes prêtes. Il suffit de vous placer au bon endroit.

4. Laissez les courbes adoucir vos compositions

Les lignes droites structurent, les lignes courbes enveloppent. Une rivière, une colline, un chemin sinueux ou un nuage dans le ciel… Les courbes sont partout et elles adoucissent naturellement la lecture d’une image.

Elles apportent de la douceur, un rythme visuel. Là où une ligne droite impose une direction, une courbe invite à se promener. Servez-vous-en pour raconter autrement.

5. Osez le cadrage serré pour révéler l’essentiel

Quand on débute, on veut tout montrer. Alors on cadre large. Trop large. Résultat : l’image est confuse, sans hiérarchie, sans force.

Resserrez. Approchez-vous. Coupez ce qui n’est pas essentiel. Un cadrage serré attire l’attention, concentre l’énergie, évite les distractions. Il n’étouffe pas le sujet, il le révèle.

Lire aussi : 9 raisons d’utiliser un zoom en photo

6. Bougez : le bon point de vue change tout

Rester debout, appareil à hauteur d’yeux, c’est le réflexe par défaut. Et c’est souvent le plus plat.

Abaissez-vous. Levez les bras. Inclinez-vous. Montez sur un banc. Agenouillez-vous. Chaque angle raconte une autre histoire.
Un enfant vu du sol. Une rue vue d’en haut. Un visage vu de côté. Le changement de point de vue, c’est le début de la création.

7. Décalez votre sujet pour laisser stimuler l’imaginaire

Tout le monde centre son sujet. C’est rassurant. Mais c’est souvent banal.

Décalez. Placez votre personnage sur le bord du cadre. Laissez-le sortir ou entrer. Ce vide libéré dans l’image devient espace mental. Le spectateur imagine ce qu’il ne voit pas. Il est impliqué. Un bon cadrage n’enferme pas. Il suggère.

8. Harmonisez les espaces pour équilibrer l’image

L’expression que nous devons à Anne-Laure Jacquart signifie que si vous prenez la peine de donner le même espace à plusieurs zones proches d’une même photo, vous obtiendrez un résultat plus harmonieux.

Regardez une façade. Si les bords sont déséquilibrés, vous le sentez immédiatement. Ça penche, ça grince, ça gêne.

Prenez le temps de mesurer visuellement les espaces. Donnez autant de place à gauche qu’à droite, au sol qu’au ciel. Cela vaut aussi pour les angles, les diagonales, les coins. L’harmonie naît souvent d’un équilibre discret.

9. Jouez la plongée et la contre-plongée pour donner du relief

Vous voulez écraser un sujet ? Prenez-le de haut. Vous voulez le magnifier ? Prenez-le de bas.

La plongée et la contre-plongée transforment tout. Elles changent les proportions, allongent les lignes, exagèrent les volumes.
Avec un grand-angle, c’est flagrant : un personnage devient immense, une ruelle devient décor de cinéma.

À utiliser avec intention. Et avec modération.

10. Cherchez les formes géométriques cachées

Un rond. Un carré. Un triangle. Un losange. Vous n’êtes pas en classe de géométrie, mais votre appareil photo, lui, adore ces formes.
Un hublot, une bouche d’égout, une table de bistrot, un panneau de signalisation : ces figures simples créent une structure visuelle immédiate. Et elles donnent à votre photo un côté graphique, presque symbolique.

Cherchez-les. Elles sont partout.

11. Révélez l’invisible grâce aux reflets

Un reflet dans une flaque. Une vitrine. Une carrosserie de voiture. Une surface métallique. Ces doubles images ajoutent de la profondeur, de la surprise, du mystère.

Les meilleurs reflets sont souvent symétriques. Sujet et reflet se répondent, comme deux moitiés d’un même monde. Et quand vous les trouvez, ne les laissez pas passer. C’est de l’or visuel.

Les techniques avancées de composition photo

12. Servez-vous du premier plan pour encadrer le sujet

Un arbre flou. Une rambarde. Une silhouette proche. Le premier plan n’est pas qu’un décor. C’est un outil puissant pour encadrer votre sujet, créer de la profondeur et ajouter une dimension narrative. Pensez-le comme un rideau de théâtre : il s’ouvre sur l’action.

Floutez-le volontairement. Jouez avec les ouvertures. Et regardez votre sujet s’en détacher comme jamais.

Pour flouter l’avant-plan, faites la mise au point sur l’arrière-plan, le sujet, et choisissez une ouverture de diaphragme suffisamment grande (par exemple f/4 ou f/2.8) pour bien différencier les deux zones de la photo, ce qui va renforcer le cadrage et la composition.

13. Maîtrisez le contre-jour pour créer du drame

Le soleil en face. L’exposition difficile. L’image bouchée ou cramée. Beaucoup fuient le contre-jour. À tort. Avec un peu de pratique, c’est une arme redoutable.

Il suffit de bien mesurer la lumière, ou d’utiliser le bracketing si besoin. Et soudain, vos photos gagnent en contraste, en intensité, en drame. C’est le clair-obscur moderne. Ne l’ignorez pas.

14. Utilisez les silhouettes pour suggérer plutôt que montrer

Un sujet en ombre chinoise. Aucun détail. Juste la forme. La silhouette, c’est l’abstraction parfaite. Elle raconte sans révéler. Elle intrigue sans décrire. L’effet silhouette aussi un moyen élégant d’éviter les problèmes d’image en photo de rue : pas de visage, pas d’identification.

Cherchez un contre-jour, baissez l’exposition. Et laissez la magie opérer.

15. Changez de format pour changer la lecture visuelle

Votre appareil propose un ratio. Mais votre œil n’a pas à s’y limiter.

2/3, 4/3, carré… chaque format change la composition de l’image. Un format large évoque le cinéma. Un format carré renforce la stabilité. Recadrez à la prise de vue ou en post-traitement, mais pensez-y dès la composition : ce que vous incluez ou coupez fait toute la différence.

16. Simplifiez vos images : moins, c’est plus

« A vouloir trop montrer on ne montre rien. A montrer moins on montre mieux.« 
Anne-Laure Jacquart dans Composez, réglez, déclenchez.

Trop d’informations noient le sujet. Trop de détails saturent l’image. Montrez moins. Isolez. Simplifiez.

L’œil humain aime comprendre vite. Il cherche un point d’ancrage. Si vous le forcez à tout décrypter, il se perd.
Offrez-lui un message visuel clair. Le reste, il l’imaginera.

17. Coupez pour concentrer l’attention

Pourquoi vouloir tout montrer d’un corps humain ? Une main, un pied, un profil suffisent.

En cadrant sur une seule partie, vous provoquez l’attention. Vous suggérez. Vous laissez au spectateur le soin de reconstituer.
Et ce qu’il reconstitue l’implique. C’est là toute la force du cadrage partiel.

18. Inclinez votre cadrage pour créer du mouvement

Tout droit, c’est statique. Légèrement penché, c’est vivant.

Inclinez votre boîtier. Pas par maladresse, mais par choix. Pour déséquilibrer. Pour créer une tension.
C’est risqué. Parfois raté. Mais parfois… brillant. Faites des essais. Écoutez ce que l’image vous dit.

19. Centrez… quand cela renforce votre propos

On vous a dit de fuir les compositions centrées ? Parfois, c’est la meilleure option.

Un sujet parfaitement symétrique. Un couloir. Un visage. Un monument frontal. Le centrage peut être d’une puissance graphique redoutable. À condition qu’il soit net, assumé, précis. Et que tout le reste y contribue.

Simplifier, équilibrer, raconter : l’art de composer une photo

20. Le pouvoir du point unique

Dans une image saturée de détails, l’œil cherche un repère. Un seul. Clair. Net. Ce repère, c’est le point. Il attire. Il magnétise. Il structure toute la lecture.

Ce peut être une silhouette au loin, une lumière allumée, un objet isolé. Supprimez le superflu autour. Le point, seul, suffit à raconter.

Le point n’a pas de place précise en matière de cadrage et composition, il peut être au centre, dans un angle, sur un point fort (voir la règle des tiers).

21. Créez une ambiance avec les couleurs chaudes et froides

Les couleurs parlent plus vite que les mots.

L’orange rassure, le bleu apaise, le rouge alerte.

Composez une image autour d’un jeu de températures : un coucher de soleil, une lumière de matin d’hiver. Choisissez une dominante. Ou jouez le contraste chaud/froid. Et laissez l’émotion surgir.

22. Exploitez le contraste lumineux pour hiérarchiser

Une scène baignée de lumière uniforme peut être plate. Une scène contrastée est plus lisible. Plus dramatique.

Cherchez les zones d’ombre et de lumière. Intégrez-les à la composition. Cachez une partie du sujet, éclairez-en une autre. Et si nécessaire, accentuez en post-traitement.

Le contraste guide. Il hiérarchise. Il raconte.

23. Osez le contraste de couleur pour donner du rythme

Une borne rouge sur un mur bleu. Un manteau jaune dans une foule sombre. Une touche vive sur un fond terne.

Les contrastes colorés sont puissants. Ils révèlent. Ils mettent en valeur. Ils créent du rythme. Utilisez-les avec parcimonie. Trop de contrastes tuent le contraste. Un seul, bien placé, suffit à faire vibrer l’image.

24. Pensez vos photos en série pour raconter une histoire

Une photo isolée peut sembler faible. Mais dans une série, c’est la répétition, la variation, la progression qui créent la force narrative. Un cadrage similaire, un motif récurrent, une couleur dominante.

Pensez vos images comme un tout. Composez une séquence. Et racontez plus large que le cadre.

25. Fermez les bords pour guider le regard

Chaque bord d’image est une frontière. S’il est ouvert, le regard peut fuir. Fermez-le.

Un mur flou, un tronc d’arbre, un rideau, une rambarde… Ces éléments peuvent servir de barrière douce. Ils retiennent l’œil. Ils renforcent la mise en scène.

Mais attention : flous, sombres, discrets. Le cadre ne doit jamais voler la vedette.

Les 8 types de plans en photographie

Vos choix de cadrage influencent beaucoup la perception du sujet. Voici les 8 types de plans les plus courants, à utiliser comme un vocabulaire visuel.

Type de plan	Cadrage	Usage principal	Focale conseillée
Plan général	Très éloigné	Montrer le décor, donner de l’échelle	18–24 mm
Plan moyen	Sujet entier	Portrait en pied, scène de rue	35–50 mm
Plan italien	Coupé sous le genou	Portrait naturel, scène de vie	50–85 mm
Plan américain	Mi-cuisse	Sujet en action	50–85 mm
Plan rapproché	Taille	Portrait narratif	85–105 mm
Plan en buste	Poitrine	Portrait classique	85–105 mm
Gros plan	Visage plein cadre	Expression, émotion	100–200 mm
Très gros plan	Détail (œil, main)	Intensité dramatique	200 mm ou plus

Lire aussi : Comment choisir un objectif pour le portrait photo

Exercices pratiques pour progresser en composition photo

1. Photographiez un même sujet sous trois angles différents.
2. Faites une série de dix images sur un thème visuel (courbes, reflets, symétrie…).
3. Analysez vos photos : qu’est-ce qui attire le regard en premier ?
4. Recadrez une photo que vous aimez en format carré ou panoramique.
5. Supprimez un élément par recadrage pour renforcer le message visuel.

FAQ – Questions fréquentes sur la composition photo

Comment apprendre la composition photo ?
En observant, en pratiquant et en analysant vos images. Travaillez les lignes directrices, la symétrie et le point d’attention principal.

Quelle est la différence entre cadrage et composition ?
Le cadrage délimite la scène (ce que vous incluez ou non), tandis que la composition organise les éléments à l’intérieur de ce cadre.

Comment composer une photo équilibrée ?
Cherchez la cohérence entre le sujet, la lumière, les couleurs et l’espace laissé dans l’image.

Faut-il toujours appliquer les règles de composition ?
Non. Les connaître permet justement de s’en libérer avec intention.

Faut-il toujours suivre la règle des tiers ?
Non. C’est un guide utile pour débuter, mais les plus belles photos naissent souvent quand on s’en affranchit.

Quel objectif choisir pour travailler la composition ?
Peu importe la focale : l’essentiel est de comprendre comment elle influence le cadrage et la perception.

Références et lectures recommandées sur la composition photo

Pour aller plus loin, voici une sélection d’ouvrages consacrés à la composition photo et au cadrage.

Ces livres ont inspiré la rédaction de cet article et m’accompagnent régulièrement dans ma pratique comme dans mes formations. Vous y trouverez des approches différentes mais complémentaires : certaines très visuelles, d’autres plus analytiques, toutes axées sur le regard, la construction et l’intention photographique.

Composez, réglez, déclenchez !

Composez, réglez, déclenchez ! – 2ᵉ édition : La photo pas à pas – Anne-Laure Jacquart
Cette nouvelle édition actualisée du best-seller d’Anne-Laure Jacquart reste une référence incontournable pour progresser en photo. Elle guide le photographe pas à pas dans la compréhension du cadrage, de la lumière et de la composition, avec un regard à la fois technique et sensible. Un livre à garder à portée de main pour photographier en conscience et développer son œil.
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La photo. Composition et couleur

La photo. Composition et couleur – Harald Mante
Un ouvrage de référence absolu sur la composition photographique. Harald Mante y explore les liens entre forme, structure et couleur pour révéler l’équilibre visuel d’une image. C’est un livre exigeant mais essentiel, qui montre comment penser en termes de lignes, de masses et de contrastes chromatiques avant même de déclencher.
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La composition – Masterclass

La composition : Les masterclass de Michael Freeman
Dans ce livre, Michael Freeman pousse plus loin son analyse de la composition photographique. Il aborde les choix de cadrage, d’équilibre, de rythme et de tension visuelle à travers de nombreux exemples commentés. Une lecture idéale pour ceux qui veulent aller au-delà des règles et comprendre la logique visuelle des images fortes.
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L’oeil du photographe et l’art de la composition

L’œil du photographe et l’art de la composition – Michael Freeman
Un classique absolu de la photographie. Michael Freeman y explore la manière dont le regard se forme, se structure et s’affine pour créer des images fortes. Plus qu’un manuel technique, c’est une véritable réflexion sur la composition, la perception visuelle et l’intention photographique.
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Les secrets du cadrage photo

Les secrets du cadrage photo : Paysage – Portrait – Reportage – Denis Dubesset
Un guide clair et accessible pour comprendre les fondamentaux du cadrage en photo. Denis Dubesset aborde les différents types de sujets – paysage, portrait, reportage – et explique comment adapter son cadrage pour renforcer le message visuel. Idéal pour progresser rapidement et donner plus d’intention à vos images.
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Capturer l’instant, l’art de la photographie

Capturer l’instant : L’art de la photographie – Michael Freeman
Dans cet ouvrage, Michael Freeman explore ce qui fait la différence entre une photo ordinaire et une image vivante. Il y analyse le moment décisif, le rythme visuel et la manière d’anticiper la scène pour saisir l’instant juste. Un livre essentiel pour comprendre comment intention, regard et composition se rejoignent au moment du déclenchement.
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Composition : Pratique photo

Composition : Pratique photo – Laurie Excell
Un guide visuel et concret pour comprendre comment organiser vos images et donner de la cohérence à vos cadrages. Laurie Excell explique avec clarté comment simplifier une scène, trouver un point d’équilibre et composer plus efficacement, quel que soit votre matériel.
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Serial photographer

Serial Photographer – Éric Forey
Un livre inspirant pour comprendre la force du travail en série. Éric Forey y partage sa méthode pour construire une cohérence visuelle, développer un thème personnel et créer un langage photographique identifiable. Accessible et stimulant, cet ouvrage aide à dépasser la simple photo isolée pour entrer dans une démarche d’auteur.
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Conclusion : regardez avant de déclencher

Vous souvenez-vous de cette question de lecteur citée en introduction : « Pourquoi mes photos n’ont rien d’exceptionnel ? ». Je vous le redis : ce n’est pas votre appareil photo qui est en cause. C’est votre regard.

En apprenant à penser composition photo avant de déclencher, vous transformez chaque scène ordinaire en une image forte. Vous ne photographiez plus pour montrer, mais pour raconter. Et c’est ce qui change tout.

Ces 25 principes ne sont pas des règles rigides. Ne cherchez pas à les appliquer à la lettre l’un après l’autre. Ce sont des pistes. Des principes. Des moyens d’éveiller votre regard, de vous faire comprendre pourquoi une image fonctionne… et pourquoi une autre est quelconque. Vous n’avez pas besoin de tout retenir.

Un seul principe appliqué avec intention peut suffire à faire basculer la qualité de vos photos.

La prochaine fois que vous lèverez votre boîtier, oubliez les réglages. Oubliez le matériel. Demandez-vous simplement : Qu’est-ce que je veux montrer ? Comment vais-je le montrer ?

C’est ce rapport silencieux entre vous et votre image qui fera toute la différence. Et c’est ainsi qu’une photo correcte deviendra, enfin, une photo remarquée. Ça vaut le coup d’essayer, non ?

Avec ce tutoriel vous allez apprendre comment faire de meilleures photos en appliquant les règles de composition les plus connues. Et en sachant également vous en écarter quand vous les maîtriserez suffisamment.

Ces quelques conseils pratiques vont vous permettre de donner à vos photos ce petit quelque chose qui leur manque pour passer d’une image banale à une photo plus percutante.

Un bon matériel oui, mais encore ?

Vous avez investi dans un reflex numérique et un bon objectif en vous disant que vos photos allaient – enfin – correspondre à vos attentes. Vous faites des photos à différentes occasions, lors des fêtes de famille comme lors des événements sportifs ou sociaux auxquels vous participez.

Vous avez remarqué qu’avec un peu de pratique vos photos sont meilleures qu’avec un compact ou un smartphone, mais elles ne sont toujours pas au niveau de celles que vous voyez chez les autres. Et vous ressentez pas mal de frustration car finalement ce bel équipement vous a aidé à progresser mais pas autant que vous ne le pensiez.

ça ne marche jamais …

Avec le temps, vous en avez assez de shooter sans cesse et de ne jamais avoir de photos vraiment percutantes. Vous remplissez votre ordinateur d’images à trier mais aucune ne sort du lot. Ou si peu.

Vous avez peut-être essayé de regarder les photographies des autres mais vous ne comprenez pas pourquoi elles sont meilleures que les vôtres.

Vous avez peut-être même investi dans un nouvel objectif, remis en cause votre boîtier ou acheté un de ces accessoires qu’on vous a annoncé comme indispensable pour faire de ‘belles photos‘.

Et vous vous êtes forcément intéressé à la technique pour comprendre comment maîtriser ce foutu reflex et ses réglages de vitesse, d’ouverture et de sensibilité, pour savoir quel mode de prise de vue choisir.

Mais vous n’arrivez toujours pas à faire les photos attendues. Le succès n’est pas au rendez-vous.

Un peu de théorie …

La méthode dont je vais vous parler ici consiste tout simplement à laisser de côté les aspects techniques (matériel, réglages) pour ne plus vous concentrer que sur la composition de vos images.

La composition est l’art d’arranger les différents éléments participant à une photographie de façon plaisante, agréable à regarder. Cette organisation doit être simple pour être efficace, et donner au spectateur l’émotion suffisante mais nécessaire pour qu’il s’intéresse à vos photos. C’est un des secrets (le secret ?) des meilleurs photographes : sans composition il n’y a pas de photographie réussie.

La composition fait appel à un ensemble de notions, mais il est facile de vous approprier les règles essentielles à appliquer immédiatement pour obtenir de bien meilleurs résultats. Pour tout savoir sur la composition, consultez l’ouvrage ‘Composition et couleur‘ de Harald Mente.

Ces règles sont simples à comprendre, à la portée de tous, et elles ne nécessitent aucun investissement complémentaire. Il ne s’agit que de changer votre façon de voir, de cadrer, de remplir le champ de votre viseur.

… et quelques exemples

Voici comment j’ai utilisé une des règles de composition – la règle des tiers – pour faire la photo ci-dessous. La scène classique que j’aurais pu photographier était celle-ci :

Mais en m’intéressant un peu au sujet, en cherchant à savoir qui avait attiré mon œil, j’ai remarqué que la moto jaune à gauche était un peu isolée, et que je pouvais m’appuyer sur elle pour donner une toute autre vue de ce regroupement entre amis. Je me suis déplacé légèrement et j’ai cadré de façon à obtenir cette image :

Vous voyez que le résultat est totalement différent. La première photo est une scène banale, tandis que la seconde photo fait la part belle à la moto du premier plan, le point fort en haut à gauche servant de point d’ancrage au réservoir jaune (le seul jaune de la photo). Le regard est ensuite attiré par la moto rouge du fond, moins nette que la première en raison d’une profondeur de champ volontairement réduite.

Je n’ai rien fait d’autre que de me rappeler les règles bien connues, de choisir ce qui me parlait le plus et de déclencher en ayant tenu compte de la règle.

La composition en pratique : 3 notions fondamentales

Il y a trois notions principales pour ‘faire‘ une belle composition : le point d’intérêt, la structure et l’équilibre. Chacune de ces notions a un impact sur les autres, mais chacune est essentielle pour vous permettre d’obtenir des photos dont vous serez fier.

Le point d’intérêt

Le point d’intérêt d’une photo est tout simplement ce que le spectateur va voir en premier quand il va regarder votre photo. C’est l’élément qui va attirer le regard avant tout le reste. Bien souvent vos images sont difficiles à lire parce qu’il manque un point d’intérêt, ce que je résume souvent par quel est le sujet ??. Ou à l’inverse il y a tellement de points d’intérêt que l’on ne sait plus quoi regarder. Et c’est ennuyeux.

Il y a plusieurs façons de créer un point d’intérêt dans une photo, il suffit de choisir le bon élément :

• un contraste élevé
• une couleur particulière
• une profondeur de champ adaptée
• un mouvement
• un visage
• etc.

Un point d’intérêt est généralement guidé par la présence :

• de lignes directrices
• d’un cadre particulier
• de formes géométriques

La structure

Le second élément d’une bonne composition, c’est la structure. Vous savez déjà ce qu’est la structure si vous avez entendu parler des règles de composition : la règle des tiers, la spirale d’or, le triangle, la symétrie et le plein champ sont les principales.

La règle des tiers

ici j’ai disposé la rangée de cabines dans le tiers inférieur du cadre en laissant le ciel occuper les deux autres tiers, les points forts ne sont pas utilisés dans ce cas

La règles des tiers détermine comment vous pouvez diviser l’image en trois parties identiques en vous basant sur des axes horizontaux et verticaux. Ces axes déterminent les trois zones de l’image ainsi que les quatre points forts résultants, les intersections.

En plaçant dans chacune de ces trois zones trois parties différentes de votre photo, vous allez obtenir un résultat harmonieux. De même en plaçant sur l’un des quatre points forts votre point d’intérêt, vous allez attirer bien plus facilement le regard du spectateur.

Faites attention à ne pas abuser de la règles des tiers, car vos photos vont finir par toutes se ressembler et ce n’est pas l’idée non plus. Mais si vous ne savez pas comment obtenir la moindre image sympa, la règle des tiers est la plus simple à assimiler. De nombreux reflex permettent d’afficher dans le viseur des lignes correspondant à la règle des tiers, profitez-en.

La spirale d’or

en partant du coin supérieur gauche de la photo, le regard est irrémédiablement attiré par l’immeuble coupé situé à la source de la spirale

Directement inspirée de ce que la nature nous offre, la spirale d’or est une règle qui permet de reproduire cette forme si particulière pour donner une belle harmonie à l’image. Toute en rondeur comparativement à la règle des tiers plus géométrique, la spirale d’or incite le regard du spectateur à se déplacer dans l’image pour arriver sur le point d’intérêt. Puis à s’en éloigner pour finir par y revenir.

Le triangle

en adoptant un cadrage en contre-plongée et en me déplaçant légèrement, j’ai créé cette forme en triangle qui donne sa dynamique à l’image de ces deux façades

Cette règle s’inspire de la composition pyramidale très commune dans les arts créatifs. En utilisant cette forme géométrique particulière, vous allez donner à voir au spectateur une forme plus qu’un véritable point d’intérêt, mais c’est ce qui en fait le charme. A vous de trouver les éléments qui vont vous permettre d’arranger cette composition, le portrait et l’architecture s’y prêtent généralement bien.

La symétrie

cette vue très banale d’un village de Dordogne prend un tout autre aspect grâce au travail sur la symétrie et au reflet des maisons dans l’eau

La symétrie fait appel aux effets de miroir et autres réflexions souvent rencontrées en architecture et dans la nature. Cette règle permet de créer des images fortes, qu’il s’agisse d’une symétrie horizontale ou verticale.

Le plein cadre

en resserrant au mieux le cadrage autour du seul visage, ce portrait occupe tout le champ et les yeux du modèle attirent ceux du spectateur

Un peu à la marge, cette règle du plein cadre vous propose de remplir l’image avec un seul sujet et absolument rien d’autre venant perturber le regard. Ce type d’image s’applique assez bien aux portrait serrés et aux gros plans, quitte à jouer avec une très faible profondeur de champ pour renforcer encore un peu le caractère particulier de votre composition.

L’équilibre

Toute composition harmonieuse doit restée équilibrée. Plusieurs facteurs impactent l’équilibre d’une composition parmi lesquels :

• la taille des différents éléments de l’image
• le contraste entre zones sombres et zones claires
• la saturation des couleurs
• la taille d’un visage
• des formes géométriques
• etc.

Atteindre un équilibre parfait s’apprend avec le temps et la pratique mais si vous débutez, retenez simplement que pour qu’une composition soit équilibrée aucun élément ne doit venir ‘plomber‘ l’image au risque de détourner le regard du spectateur.

Trop de zones sombres dans une photo sans un seul élément clair et la composition est déséquilibrée. Trop de couleurs identiques sans aucune autre couleur en compensation rend la photo banale. Plusieurs visages identiques saus aucun d’entre eux ne ressortant particulièrement et votre photo ne procure aucune émotion.

Pour aller plus loin …

Il est communément admis en photographie qu’il n’y a pas de règle et que l’on peut faire ce que l’on veut. C’est vrai. Mais si vous débutez ou si vos photos n’attirent aucune réaction particulière, il est peut-être temps de vous intéresser aux règles de composition pour construire votre démarche créative.

C’est en appliquant les règles que vous allez les assimiler, que le cadrage va devenir plus instinctif, que vous n’aurez plus à réfléchir au moment de déclencher. Vos images seront plus fortes plus souvent.

Une fois ces règles assimilées, vous pourrez alors commencer à prendre quelque liberté pour vous en écarter et trouver votre style, montrer votre différence. A moins que vous ne préfériez en rester aux règles ci-dessus qui vous permettront de faire de meilleures photos sans trop avoir à y penser. C’est déjà bien non ?

Pour aller plus loin, découvrez le guide complet pour bien débuter en photo en 2025

QUESTION : quelle est la critique principale que vous faites en regardant vos photos, ce qui fait qu’elles ne vous plaisent pas ou pas toujours ?

Photographier avec son Nikon D810 est le guide technique sur le reflex Nikon du même nom et écrit par Vincent Lambert.

Comme les précédents guides de la même collection, cet ouvrage vous livre les secrets du reflex pro de la gamme Plein Format Nikon et vous explique comment bien l’utiliser.

Les guides pratiques sur les reflex ne sont plus très nombreux désormais car il y a un vrai paradoxe en la matière : les boîtiers sont renouvelés rapidement par les marques et les auteurs ont besoin de temps pour écrire des guides pertinents, deux critères difficiles à maîtriser pour toucher un grand nombre de lecteurs, gage de rentabilité économique.

De plus, bien que les nouveaux boîtiers soient de plus en plus performants et automatisés, ils s’avèrent de plus en plus complexes à utiliser, d’où des guides de plus en plus épais au tarif final élevé.

Vincent Lambert fait partie de ces photographes qui relèvent néanmoins le défi, et l’auteur, également formateur à la Nikon School, vous propose un guide du Nikon D810 pour le moins complet et qui vient compléter l’offre existante (voir le Guide du D810 de Bernard Rome).

Au-delà de la pertinence des propos et des différents chapitres du livre, j’ai bien aimé l’angle sous lequel l’auteur présente les choses. Plutôt que de passer en revue les fonctions et de vous dire comment les utiliser, il s’est focalisé sur les grandes thématiques avec une approche résultat.

Au lieu de décrire ‘comment utiliser la mesure de lumière‘ il vous propose de voir ‘comment bien exposer vos photos‘ par exemple. Et la même approche est utilisée tout au long du guide.

Autofocus

L’autofocus du Nikon D810 est un ensemble à lui tout seul : comment obtenir une image nette, comment utiliser la bonne fonction selon le type de photo, autant de questions auxquelles vous trouverez la réponse dans le second chapitre (le premier est consacré à la présentation du boîtier)

Retenez que si l’autofocus du D810 est très performant, Vincent Lambert n’occulte pas pour autant les modes de mise au point manuelle et de retouche du point. Avec 36Mp et autant de capacités, l’automatisme aide mais ne saurait remplacer le photographe, autant découvrir l’étendue des possibilités qui vous sont offertes en la matière.

Mesure de lumière

Un autre module complet et complexe ! Comment bien exposer tout en tenant compte des contraintes de la haute définition liée aux 36Mp, des besoins de ne pas descendre trop bas en vitesse pour risquer le flou de bougé ou comment tenir compte de la dynamique du capteur du D810 (jusqu’à 13 IL en RAW 14 bits pour 8 seulement en JPG dynamique moyenne, page 103).

Au-delà du réglage d’exposition, ce sont aussi les aides au réglage qui sont abordées comme l’histogramme, le D-Lighting et les différentes variations possibles de tous ces critères.

Flash intégré et flash i-TTL

Photographier au flash avec le Nikon D810 ? Bien sûr, et vous allez découvrir tout ce qu’il vous faut savoir pour vous en sortir sans griller vos images ni vous perdre dans des calculs savants d’exposition.

Mode Vidéo

S’il y a un sujet qui est assez mal traité dans la plupart des guides reflex, c’est bien la vidéo. Ecrits bien souvent par des photographes qui manquent de recul sur la vidéo, ces fonctions sont à peine présentées la plupart du temps.

J’ai eu l’agréable surprise de constater qu’ici ce n’est pas le cas du tout. Vincent Lambert a pris le soin de détailler ce mode de telle façon que vous allez irrémédiablement avoir envie de le tester !

Le mode vidéo du D810 est à peu près aussi complet et complexe que le mode photo, et il vous faut quelques repères préalables si vous voulez le maîtriser. Mais vous trouverez dans le guide bien plus que le B-A-BA habituel pour vous en sortir. Ne sont pas oubliés non plus les accessoires indispensables aux tournages vidéos !

Optimisation du Rendu

S’il est un sujet sensible en matière de photo, c’est bien celui du rendu des images. Qu’il s’agisse d’utiliser les Picture Control dont certains se demandent encore pourquoi ils sont là ou de laisser libre cours à votre sensibilité, toutes les variations sont permises. Mais tous les résultats ne sont pas beaux à voir.

Le chapitre dédié au sujet du rendu vous guidera dans le choix des bons paramètres pour obtenir des images qui vous correspondent, en utilisant les fonctions intégrées du boîtier comme les capacités de post-traitement offertes par le format RAW.

Quels objectifs pour le Nikon D810

Ce guide ne serait pas vraiment complet s’il ne faisait un tour d’horizon des objectifs utilisables avec le D810. Sans être un guide Objectifs dédié comme peut l’être celui de JMS – par exemple Nikon D800, objectifs conseillés – il y a matière à faire le bon choix en toute connaissance de cause. Ou à vous rassurer sur la compatibilité de vos optiques si vous envisagez l’achat du boîtier.

Fichiers et post-production

Une bonne image finissant toujours par passer dans un logiciel de post-traitement, vous trouverez l’essentiel de ce qu’il vous faut savoir sur le traitement des fichiers issus du D810 dans DxO et dans Lightroom. Ce n’est pas non plus un guide complet de traitement des fichiers RAW mais les notions présentées vous aideront à voir clair dans votre flux de post-production.

Exemples de configurations

Après un chapitre un peu anecdotique consacré à l’entretien du boîtier, la toute dernière partie de l’ouvrage vous propose des exemples de configurations. Excellente initiative qui permet de résumer en quelques pages les usages les plus courants et vous donne des exemples à suivre pour bien démarrer.

Un tel boîtier nécessite d’être réglé à votre main, mais ces configurations sont de bons points de départ si vous êtes un peu perdu avec votre nouveau reflex pro !

En conclusion

Si vous découvrez votre D810 et que le manuel utilisateur vous rebute – je vous comprends – ce guide s’avérera un excellent moyen de vous faire plaisir. L’approche est simple, détaillée, précise. L’auteur a su se mettre à la portée de tous les photographes quel que soit leur niveau.

Présenté sous un format compact, ce guide reste dense avec une maquette chargée et des pages bien pleines. De nombreux encarts permettent toutefois de mettre en évidence les notions essentielles, favorisant la lecture et l’apprentissage. Les textes auraient mérité une police de caractères un peu plus grande, au détriment du nombre de pages et du tarif probablement par contre.

Vous voulez profiter pleinement de votre Nikon D810, faire de meilleures photos et comprendre les notions les plus avancées de votre boîtier ? Ce guide est un excellent outil pour y arriver !

Vous pouvez vous procurer ‘Photographier avec son Nikon D810′ de Vincent Lambert chez Amazon ainsi que dans toute bonne librairie.

Vous faites de bonnes photos mais le rendu final ne vous satisfait pas. Vous ne savez pas comment obtenir le résultat que certains arrivent à produire. Vous aimeriez savoir convertir en noir et blanc certaines photos. ‘Retoucher vos photos pas à pas‘ est un guide pratique écrit par Anne-Laure Jacquart qui vous livre tous ses secrets en matière de retouche. Vous ne verrez plus jamais la retouche photo de la même façon !

Beaucoup de nos lecteurs se posent la question de savoir si la retouche photo est vraiment nécessaire. Pourquoi devrait-on modifier le rendu d’une photo alors que les boîtiers récents sont très performants en matière de traitement dès la prise de vue.

La réponse est simple : sans traitement, vous ne pouvez pas exploiter le format RAW. De même vous ne pouvez présenter vos photos sous leur meilleur jour sans un minimum de retouche, ne serait-ce que pour retirer les quelques poussières présentes ou pour mettre en évidence une zone bien précise de l’image.

Le guide d’Anne-Laure Jacquart vient à point nommé vous aider dans votre démarche d’apprentissage de la retouche photo. Nous l’aurions volontiers renommé « Traitement et retouche photo pas à pas » d’ailleurs car le terme retouche est trompeur. Il n’est pas question ici d’apprendre à modifier vos photos comme les graphistes pourraient le faire dans Photoshop, mais bien de leur donner le rendu qu’elles méritent.

Ce guide vous présente donc ce qu’il vous faut savoir pour recadrer les photos, adapter la luminosité et le contraste, gérer les densités. Anne-Laure Jacquart est pédagogue et elle met à nouveau ses capacités au service du lecteur dans ce troisième guide qui complète « Composez, réglez, déclenchez » et « vivez, déclenchez, partagez » parus précédemment.

Nous avons particulièrement apprécié les chapitres traitant de l’intention qui se cache derrière la retouche : pourquoi faut-il le faire (ou pas) et dans quel but, comment percevoir ce qu’il vous faut modifier et où vous arrêter. L’ensemble est cohérent, complet et toujours aussi bien mis en page et illustré.

Vous trouverez une revue des différents logiciels de retouche gratuits dans le chapitre 3, de quoi vous mettre à la retouche sans rien dépenser même si certains logiciels cités sont un peu éloignés à notre goût des besoins du photographe amateur. Petit bémol en revanche concernant la présentation des logiciels phares du marché, ils sont cités trop rapidement sans que l’auteur n’explique les particularités de chacun.

Vous trouverez par contre tout au long de l’ouvrage des repères pour vous permettre de vous en sortir quel que soit le logiciel choisi, les termes utilisés par exemple sont associés aux différents logiciels pour ne pas vous y perdre.

Le guide est conçu de telle façon que vous allez avancer dans votre découverte et votre apprentissage du traitement d’images si vous le lisez du début à la fin. Vous pourrez également pratiquer puisque différents ateliers vous permettent de mettre en œuvre les notions présentées.

Si vous faites partie de ceux qui hésitent à se lancer en traitement d’image, c’est probablement l’ouvrage à parcourir pour démarrer. L’approche de l’auteur vous permet de partir de la base « pour aller vers une démarche de retouche aboutie et des rendus plus complexes« . Vous allez donc avancer à votre rythme et ne pas en faire trop au risque de dénaturer vos images.

Ce guide ne s’adresse pas à vous par contre si vous cherchez un guide d’utilisation de l’un ou l’autre de ces logiciels. Optez dans ce cas pour un guide dédié comme il en existe plein chez le même éditeur.

Anne-Laure Jacquart nous revient avec un nouveau guide dédié au traitement d’image qui vient compléter à merveille ses deux premiers ouvrages. Tout comme les précédents, c’est un guide que nous ne pouvons que recommander pour la richesse de son contenu, la clarté des propos et la présentation globale. Le tarif reste raisonnable également et ce guide vous permettra de donner à vos photos le rendu qu’elles méritent, de quoi vous satisfaire non ?

Vous pouvez vous procurer « Retouchez vos photos pas à pas » chez Amazon.