Vous ne savez pas comment utiliser le D-Lighting actif sur votre Nikon ? Savez-vous qu’il existe deux réglages D-Lighting qui n’ont pas le même usage bien que leur nom soit presque identique ?

Qu’est-ce que le D-Lighting et le D-Lighting actif ? Voici ce qu’il vous faut savoir pour améliorer le rendu de vos photos immédiatement.

Qu’est-ce que le D-Lighting  ? Utilisations possibles

Avez-vous déjà rencontré cette situation ? Vous êtes face à votre sujet qui se trouve à contre-jour (il est éclairé de l’arrière) et le premier-plan se trouve dans l’ombre. Ou bien vous avez en face de vous une scène très contrastée avec des hautes et des basses lumières très prononcées.

Si le sujet est un visage (par exemple pour un portrait), il apparaît noir ou très sombre sur la photo alors que l’arrière-plan est correctement exposé.

En réaction, vous avez modifié l’exposition et cela a provoqué l’effet inverse : le visage est correctement exposé mais l’arrière-plan se retrouve très clair voire brûlé.

D-Lighting désactivé : notez le contraste important entre les zones très claires et les zones très sombres
les livres du haut n’apparaissent pratiquement pas

D-Lighting position élevée : notez l’écart de contraste réduit entre les zones claires et sombres
les livres du haut apparaissent plus distinctement

Ces situations à fort contraste imposent une grande maîtrise de l’exposition pour donner des résultats satisfaisants, il arrive même qu’il ne soit pas possible d’obtenir le bon rendu car le capteur de votre appareil photo atteint ses limites en terme de dynamique.

Ce capteur est de plus en plus performant, son électronique encode les données sur 14 bits et non plus 12 uniquement, mais il n’est pas encore l’égal de vos yeux. Sa dynamique (capacité à capturer sur une même photo des zones très lumineuses et d’autres très sombres) reste inférieure à celle de la vision humaine. Il vous impose donc un choix : exposer pour les hautes lumières ou pour les basses lumières, mais pas pour les deux en même temps.

Le capteur a aussi d’autres limites : il détecte mieux les différences de niveaux dans la partie centrale de l’histogramme (les tons moyens) qu’il ne le fait dans les zones latérales (les noirs et les blancs).

Il existe des techniques pour augmenter la dynamique apparente, comme le HDR (High Dynamic Range) ou l’exposition à droite (en référence à l’histogramme) sans brûler les hautes lumières tout en gardant du détail dans les ombres. Mais elles ne sont pas toujours aisément utilisables (voir Comment régler un reflex en basse lumière).

Pour en savoir plus sur ce sujet si vous vous intéressez à la technique photo je vous conseille le guide « Les secrets de l’exposition » qui vous donne tous les détails à connaître.

Les fabricants d’appareils photo cherchent des parades en attendant que la dynamique des capteurs progresse. Chez Nikon la parade s’appelle D-Lighting pour Dynamic Lighting ou éclairage/exposition dynamique.

Le D-Lighting a pour objectif de réduire la perte des détails dans les hautes comme dans les basses lumières pour compenser les faiblesses du capteur, à la prise de vue. C’est l’appareil photo qui agit à votre place sur l’exposition pour préserver un contraste satisfaisant sur l’image.

Utiliser le D-Lighting permet de récupérer des informations dans les basses lumières, et de mettre ainsi en valeur ces zones particulières de la scène.

Il peut s’agir d’un choix créatif aussi, conserver un écart de contraste important sert à mettre en valeur des zones différentes si la photo s’y prête.

D-Lighting désactivé : les zones sombres sont bouchées tandis que la façade des bâtiments apparaît plutôt claire.
L’image finale a du relief.

D-Lighting réglage élevé : l’écart de contraste est réduit,
les zones sombres dans la pelouse sont moins denses, la façade moins lumineuse.
L’image finale est plus plate, moins intéressante.

Les deux types de D-Lighting Nikon

La fonction D-Lighting propose deux modes de mise en oeuvre :

• le D-Lighting actif adapte l’exposition à la prise de vue pour réduire le contraste et préserver hautes et basses lumières en fonction des réglages d’exposition choisis,
• le D-Lighting « tout court » ou « passif » traite la photo après la prise de vue, dans le boîtier, pour réaliser une correction proche de ce qu’aurait fait le D-Lighting actif si vous l’aviez utilisé.

Comment utiliser le D-Lighting actif

La fonction D-Lighting actif est accessible depuis le menu Prise de Vue de votre Nikon.

D-Lighting actif Nikon : les 4 niveaux d’intensité et le réglage automatique

Cette fonction vous permet de régler l’intensité de l’effet, de faible à élevé. Nikon recommande l’utilisation du mode de mesure de lumière matriciel avec le D-Lighting actif pour que le boîtier puisse tenir compte de l’ensemble des données de la scène.

Cet effet agit sur la luminosité des zones sombres (sous-exposées) dans l’image en ayant tendance à exposer pour rattraper les basses lumières. Elle applique également un contrôle localisé des tons et des hautes lumières ayant pour but d’étendre la dynamique de l’image résultante.

D-Lighting désactivé : les tuiles au premier plan sont peu visibles, la façade de gauche est très lumineuse, le tronc de l’arbre est sombre.

D-Lighting valeur élevée : les tuiles du premier plan sont plus visibles, la façade de gauche est moins claire, plus agréable, le tronc de l’arbre est débouché. L’image est plus équilibrée.

L’intensité de l’effet à appliquer dépend de la scène et du rendu souhaité : plus la scène est contrastée et plus vous voulez atténuer le contraste, plus il faut augmenter l’intensité du D-Lighting actif (par exemple ‘élevé’).

A l’inverse pour une scène moins contrastée ou pour laquelle vous voulez conserver du contraste, utilisez des valeurs plus faibles.

Dans le doute utilisez la valeur Automatique, c’est l’appareil photo qui va décider par lui-même quelle valeur appliquer pour chaque photo.

Notez qu’il est possible de voir apparaître du bruit numérique additionnel lorsque le D-Lighting actif est utilisé avec des valeurs de sensibilité ISO élevées. Faites quelques tests pour voir comment réagit votre boîtier.

Comment utiliser le D-Lighting (passif)

La fonction D-Lighting « passif » est accessible depuis le menu Retouche de votre Nikon.

D-Lighting Nikon : accessible dans le menu Retouche

Cette fonction s’applique sur une photo déjà faite, elle ne peut donc modifier l’exposition comme le fait le D-Lighting actif. Cette fonction tient compte des données contenues dans le fichier pour générer une nouvelle image dont le contraste et la luminosité sont modifiés en fonction de la scène initiale.

Différence entre D-Lighting actif et D-Lighting

Les deux types de D-Lighting sont des fonctions indépendantes, vous pouvez utiliser l’une ou l’autre mais cumuler les deux ne sert à rien.

Le résultat sur l’image diffère : le D-Lighting actif est plus performant car il agit sur la prise de vue directement tandis que l’autre fonction ne peut intervenir que sur une image déjà exposée, avec moins de souplesse.

Cette dernière fonction est à réserver aux photos déjà prises et que vous souhaitez améliorer en post-traitement sans utiliser un logiciel spécialisé (c’est le rôle du menu Retouche).

D-Lighting actif et post-traitement RAW

La fonction D-Lighting actif des Nikon est propre à la marque et elle ne peut être modifiée en post-traitement (par exemple pour changer l’intensité) qu’avec les logiciels Nikon (comme Nikon NX Studio), Nikon ne proposant pas l’accès à ce réglage aux autres éditeurs de logiciels.

Si vous utilisez le format JPG la question du post-traitement logiciel est secondaire, adaptez le D-Lighting actif selon vos besoins pour produire des JPG satisfaisants.

Si vous utilisez le format RAW vous noterez une différence plus ou moins sensible d’exposition sur le fichier RAW selon la valeur de D-Lighting utilisée, ce qui vous facilitera le traitement dans un logiciel autre que Nikon mais vous ne pourrez pas modifier la valeur du réglage.

Les avis divergent sur la nécessité d’utiliser ou non le D-Lighting actif en RAW quand vous faites du post-traitement. Nikon ne communique pas d’informations techniques sur les traitements véritablement appliqués aux images, ce qui ne facilite pas la compréhension fine de cette fonction.

Le D-Lighting actif agissant sur l’exposition à la prise de vue, il génère des fichiers RAW qui portent des informations différentes de celles que vous obtiendriez sans D-Lighting actif. En ce sens il paraît judicieux de l’utiliser.

Vous pouvez toutefois rattraper des écarts d’exposition importants sur un fichier RAW (de -2 à +2 Ev) avec un logiciel de traitement des fichiers RAW disposant d’outils de traitement locaux (voir ma présentation des outils de retouche locale – vidéo 2 de la série).

Quand la sensibilité ISO est élevée, en photographie pose longue ou de nuit, il vaut mieux désactiver le D-Lighting actif car il risque de générer du bruit supplémentaire sur vos images.

Différence entre D-Lighting actif et HDR

La différence principale entre D-Lighting actif et HDR tient en la technique de génération de l’image finale :

• le D-Lighting actif agit sur la prise de vue pour fournir une image unique à la dynamique étendue,
• le HDR nécessite plusieurs prises de vues à des expositions différentes pour permettre ensuite leur fusion et la génération d’une image HDR à l’aide d’un logiciel approprié.

L’approche diffère, le HDR nécessite un traitement logiciel plus lourd à l’aide d’un logiciel spécialisé.

Le résultat n’est pas le même non plus, les images HDR sont générées à partir de plusieurs images RAW et une plage dynamique bien plus élevée (par exemple +/-10Ev pour 5 images) tandis que les images D-Lighting actif le sont à partir d’une exposition classique (+/_2Ev de latitude maximale). Pour en savoir plus sur le HDR, je vous conseille l’ouvrage présenté ici.

En conclusion

Obtenir le résultat attendu est plus que jamais une question de réflexion lorsque vous faites des photos. Si la plupart des scènes photographiées sont correctement exposées avec les systèmes de mesure matricielle actuels, il n’en reste pas moins que certaines peuvent piéger ces systèmes.

Reflets, contre-jour, surfaces brillantes, soleil direct sont autant de situations qui appellent une exposition particulière.

Le D-Lighting actif est une réponse à la prise de vue, le D-Lighting « passif » un moyen de récupérer des photos en mode retouche, mais il ne remplace pas une bonne compréhension de ce qu’est l’exposition pour éviter d’avoir à multiplier les vues ou à les traiter dans un logiciel dédié.

Comment faire des portraits au quotidien sans dépenser une fortune en matériel et accessoires ? Découvrez les conseils d’un photographe pro dans un guide dont la particularité est d’être illustré de 50 portraits du même modèle dans différentes situations de prises de vue qui pourraient être les vôtres.

Ce livre chez vous via Amazon

1 modèle, 50 portraits : prise de vue, éclairage, poses – présentation du guide

Il existe de nombreux livre pour apprendre la photo de portrait, comme L’éclairage pour la photo de mode et de portrait ou Comment installer un studio photo chez soi. Ces livres vous présentent ce qu’il vous faut savoir en matière de techniques et d’accessoires, car le portraitiste fait souvent appel à du matériel spécialisé (éclairages, fonds, etc.).

Le photographe amateur qui veut se mettre au portrait, qu’il s’agisse de portraits de famille ou de quelques séries de photos « pour voir », n’ose pas toujours se lancer dans cette pratique quand il voit ce que cela suppose.

Il est pourtant tout à fait possible de réussir de jolis portraits sans devoir passer par la case « dépenses ». Et sans devoir passer non plus par des semaines d’apprentissage des différentes techniques.

Le guide « 1 modèle, 50 portraits » est conçu dans cet esprit. Un photographe, Mark Wilkinson, photographie le même modèle, Imogen Dyer, dans de nombreuses situations. Il vous montre comment il prépare ses séances, comment il utilise son appareil photo sans accessoiriser à outrance. Autant de situations que vous pouvez connaître ou mettre volontairement en place.

Vous pouvez retrouver ces deux personnages sur leur chaîne Youtube Weekly Imogen sur laquelle ils publient de nombreux tutoriels. 

Parmi les séries de photos que vous allez pouvoir découvrir, vous trouverez des conseils pour :

• soigner l’arrière-plan sans avoir un fond de studio,
• jouer avec les lignes directrices quel que soit le lieu,
• faire des portraits au travers d’une vitre,
• jouer avec les couleurs de l’environnement comme des vêtements et du maquillage de votre modèle.

Vous allez apprendre à faire des portraits agréables en jouant avec l’angle de prise de vue, la distance au modèle ou le format de vos photos. Autant de possibilités illustrées et accompagnées d’explications. celles-ci sont des supports aux images plus que des fiches détaillées mais permettent de bien comprendre ce qui a conduit à la réalisation des photos.

Dans les premiers chapitres vous trouverez l’essentiel de ce qu’il faut comprendre du portrait pour aller plus loin :

• les accessoires de votre modèle,
• les objectifs (vous allez voir que vous avez déjà ce qu’il faut),
• les techniques d’éclairage naturel de base.

Bien qu’il s’agisse d’un livre à destination des plus débutants, j’ai apprécié le nombre conséquent d’exemples donnés et de petits conseils en encarts. C’est simple, concret, pratique, applicable immédiatement.

Les situations de prises de vue présentées s’avèrent toutes donner de jolis résultats bien qu’elles soient très communes parfois :

• le portrait et la photo de rue,
• le portrait sur le vif,
• le portrait qui raconte une histoire,
• l’autoportrait,
• le portrait quand il neige,
• le portrait en ambiance polar,
• le portrait dans un miroir,
• un visage dans la foule.

Prenez le temps de noter toutes les propositions qui vont vous donner des photos moins monotones :

• accessoirisez votre modèle (avec ce que vous avez chez vous),
• demandez-lui de choisir plusieurs tenues,
• de changer de coiffure,
• de soigner son maquillage et d’en changer,
• d’avoir une tenue particulière que vous pourrez reprendre comme fil conducteur d’une série à l’autre.

Vous ne finirez pas ce livre sans avoir plusieurs idées de séances portrait en tête qu’il vous tardera de réaliser. C’est mon cas !

Une des difficultés principales en portrait c’est la pose que va prendre votre modèle et l’angle de prise de vue que vous allez choisir.

Vous trouverez à nouveau plein d’idées pour varier les plaisirs. Certaines comme les jeux de mains ne sont pas évidentes à trouver et pourtant les résultats sont très intéressants.

Mon avis sur « 1 modèle, 50 portraits : prise de vue, éclairage, poses »

Ce livre s’adresse aux photographes amateurs qui souhaitent aborder la photo de portrait sans vouloir pour autant se spécialiser dans un premier temps. Il est riche de nombreuses idées, de conseils pratiques et de « petits trucs » simples qui vont vous aider à faire des photos plus intéressantes.

Plus qu’un guide de référence sur la photo de portrait comme peut l’être Les secrets de la photo de portrait ou sur l’éclairage en studio comme Manuel d’éclairage photo, il s’agit ici de découvrir ce domaine photographique et de faire vos premières séries de photos sans plus attendre, sans être dépendant d’un studio ou de matériels spécifiques.

Si vous avez déjà un appareil photo et un objectif polyvalent, vous avez ce qu’il vous faut pour vous lancer. Ne cherchez pas plus loin et passez à l’action.

Prenez des notes, faites des photos, étudiez les résultats, recommencez et quand vous aurez épuisé toutes les idées données dans le livre, vous pourrez aller plus loin avec un ouvrage de référence sur la technique photo et l’étude des éclairages.

Proposé à un tarif très abordable (19 euros) ce livre s’avère sans prétentions mais très inspirant pour vous lancer et obtenir des résultats dont vous serez fier.

Reste à convaincre votre modèle de jouer le jeu, pour cela contentez-vous de lui montrer les photos illustrant le guide, cela devrait bien se passer !

Ce livre chez vous via Amazon

Si comme Michael Freeman vous éprouvez l’envie de rejeter toute référence au matériel pour vous concentrer sur ce qui fait une image, alors « L’œil du photographe et l’art de la composition » est un livre fait pour vous.

Si ce n’est pas le cas … lisez quand même la suite, vous pourriez changer d’avis !

Ce livre chez vous dans les meilleurs délais

L’œil du photographe et l’art de la composition, présentation

Il y a des auteurs que l’on ne présente plus, Michael Freeman en fait partie. Ses ouvrages sur la photographie ont déjà fait l’objet de plusieurs chroniques (voir 50 pistes créatives) et je suis toujours aussi fan de ce photographe.

Dix ans après avoir publié la première édition d’un livre qui a connu un vrai succès d’estime, voici la seconde édition qui a l’avantage d’être disponible (la première est épuisée) même si elle ne change guère par rapport à la précédente.

La composition est, comme l’exposition, un des deux piliers de la photographie. Vous voulez passer un cap, faire des photos plus attirantes, plus étonnantes ? Oubliez le dernier reflex à la mode ou l’objectif à grande ouverture de vos rêves. Ce ne sont pas eux qui vont vous faire progresser mais l’étude de la composition.

Je reprends les mots de Paul Strand, lui-même cité par l’auteur dans la nouvelle introduction car je pense qu’ils définissent mieux que je ne saurais le faire ce qu’est la composition :

« … comment on construit une image, de quoi une image est faite, comment les formes s’y agencent, comment l’espace s’y remplit, comment le tout compose, au final, une unité. »

Vous l’aurez compris, savoir ce qu’est la composition, acquérir ces notions et mettre en œuvre ce que vous retenez est essentiel quel que soit votre niveau.

C ‘est l’objet de ce livre, abondamment illustré de photos de l’auteur. Freeman développe sa thèse en six parties distinctes.

1- Le cadre de l’image

Vous allez découvrir ici ce qu’est le cadre d’une photo, quelle forme il peut prendre et comment le remplir.

Vous allez aussi apprendre qu’il y a une dynamique associée au cadre : verticales, horizontales, alignement …

Vous apprendrez pourquoi vous pouvez recadrer et quand (contrairement à ce que certains prétendent). Vous verrez les différents façons de remplir le cadre quand vous êtes face à votre sujet.

Enfin vous découvrirez ce qu’est le « cadre dans le cadre » et comment vous pouvez tirer profit de cela dans vos compositions.

2- L’art de la composition, principes de base

extrait du livre « L’art de la composition » de Michael Freeman

Pour faire simple la composition consiste à assembler les différents éléments à l’intérieur du cadre.

Vous allez apprendre ici à jouer avec les principes de composition comme le contraste ou l’équilibre des formes (vous connaissez la théorie de la Gestalt ?), avec les notions de forme et de fond pour travailler vos compositions. L’exemple de la photographie du moine birman en page 47 est parlant.

Rythme, perspective et profondeur sont aussi au programme. Vous allez voir que photographier ce qu’il y a devant vous peut se faire de différentes façons pour donner des vues totalement différentes (oui, il va falloir bouger !).

J’ai apprécié la présentation des notions relatives à l’impact visuel comme tout ce qui concerne le regard et l’intérêt, les contenus forts et les contenus faibles.

3- Graphisme et éléments photographiques

Saviez-vous que le point est l’élément graphique de base ? Que vous pouvez identifier un point dans vos photos et que selon qu’il est centré, proche du bord ou légèrement décalé vous allez obtenir des images totalement différentes.

Observez attentivement les photos du fermier thaï pages 68 et 69, vous allez vite comprendre.

Les lignes, horizontales, verticales ou courbes sont elles des suites de points qu’il ne vous faut pas négliger non plus tout comme les triangles, cercles et rectangles qui vont vous aider à produire des images plus fortes.

Mise au point et mouvement impactent vos compositions. En page 102 vous aller comprendre en quoi la focale de votre objectif influe sur le résultat final. Et vous saurez alors choisir en tout connaissance de cause vos objectifs. C’est aussi ça l’art de la composition !

4- Lumière, couleur et exposition

Dans ce chapitre vous aller apprendre à travailler avec le clair-obscur comme avec les différentes tonalités d’une scène. Regardez pages 112 et 113 les résultats possibles.

« La distribution des tons et des couleurs constitue elle-aussi une approche de la composition photographique« .

C’est aussi là que vous découvrirez tout ce qui concerne la relation entre couleur et composition. Le noir est blanc est rapidement traité car c’est un des critères qui jouent sur la composition mais je vous conseille l’ouvrage dédié au noir et blanc du même auteur.

5- L’intention

extrait du livre « L’art de la composition » de Michael Freeman

Pour Michael Freeman c’est l’intention qui devrait être à la base de toute composition, rien d’autre. C’est ce qu’il vous explique en détail au chapitre 5.

Parmi les idées associés à l’intention, vous allez voir que le conventionnel ou l’original vont de pair avec une photo spontanée ou, à l’inverse, planifiée. C’est un chapitre qui fait le tour des types de photographie également (par exemple documentaire ou expressive).

Sans aller jusqu’à parler de minimalisme cher à Denis Dubesset dans « Les secrets de la photo minimaliste« , vous vous poserez la question de savoir si vous penchez pour des compositions simples ou complexes, une vision claire ou ambiguë et quel style ou mode vous suivez (ou ne voulez pas suivre).

6- Le processus

Le dernier chapitre de ce livre s’intéresse au processus photographique. Le processus est cette organisation des idées que vous devez mettre en œuvre pour être capable d’intégrer les éléments précédents, pour les utiliser à bon escient quand vous faites des photos.

De la recherche de l’ordre (des composants d’une image) à la chasse aux images (par exemple pour un reportage photo) vous devez être capable de faire appel à un certain nombre de modèles que vous aurez en mémoire si vous avez lu avec attention ce qui précède.

C’est en utilisant ces références que vous pourrez réagir au mieux face à une situation donnée, que vous saurez anticiper et explorer la scène qui s’offre à vous pour faire des photos qui vous ressemblent et ne sont pas les mêmes que celles des autres.

Mon avis sur L’art de la composition

J’ai pris la peine de détailler longuement le contenu de ce livre car il est pour moi une référence à posséder dans votre bibliothèque. Indémodable, bien construit, avec un contenu qualitatif, joliment illustré, ce livre va vous aider à mettre en œuvre votre démarche créative si vous avez du mal à avancer (ou que vous ne savez même pas ce que cette expression veut dire …).

Encore un Freeman ? Vous êtes en droit de vous poser la question car j’en parle beaucoup et Freeman vous propose d’autres livres dans lesquels il laisse la technique de côté volontairement.

« L’œil du photographe et l’art de la composition » ne fait pourtant pas doublon avec les autres. Les notions abordées diffèrent et complètent ce qui est présenté dans les autres ouvrages du même auteur. Une version précédente de ce livre faisait d’ailleurs partie de façon très justifiée de la série « Photo School« . Cette série n’est plus disponible à mon grand regret mais vous pouvez la recréer en partie à l’aide de ce nouvel ouvrage.

Vous aurez compris que je ne peux que vous conseiller l’investissement (22 euros, rien à dire) quel que soit votre niveau en photo :

• si vous êtes débutant vous aller gagner du temps en allant à l’essentiel sans vous perdre dans la technique,
• si vous avez déjà une certaine pratique vous passerez du niveau amateur au niveau expert,
• si vous êtes expert vous approfondirez vos connaissances, identifierez ce à quoi vous êtes le plus sensible pour enrichir votre démarche.

Ce livre chez vous dans les meilleurs délais

Derrière ce titre anglais se cache un livre en anglais aussi dans lequel la photographe Valérie Jardin vous parle de photographie de rue. Pourquoi vous parler de « Creative vision behind the lens » ? Lisez la suite.

MàJ Mai 2020 : ce livre est traduit en français désormais, découvrez-le ici.

Ce livre (en anglais) chez vous dans les meilleurs délais …

Creative vision behind the lens, Valérie Jardin

Valérie Jardin est une photographe française, d’origine normande, qui vit depuis de nombreuses années aux Etats-Unis.

Après un parcours de photographe pour des clients industriels, ce qu’elle appelle « la photographie commerciale », Valérie Jardin s’est spécialisée dans la Street Photography ou photographie de Rue.

Bien lui en a pris car elle rencontre un succès fort mérité. Ses photos sont régulièrement exposées lors de manifestations aux Etats-Unis comme en Europe, elle anime de nombreux workshops dont certains à Paris, et a déjà écrit des dizaines d’articles sur son blog ainsi que des ebooks avant de se lancer dans l’aventure du « vrai » livre de photographie.

Pourquoi parler d’un guide en anglais ?

Parce qu’il a de l’intérêt pour ceux d’entre vous qui s’intéressent à la Street Photography !

J’ai l’occasion d’échanger régulièrement avec Valérie via les réseaux sociaux. Quand je l’ai contactée à propos de son livre dont j’avais suivi la naissance au fil du temps elle m’a laissé entendre qu’une version française pourrait voir le jour mais sans avoir de délai à donner encore. J’ai échangé avec certains d’entre vous via Instagram, vous êtes plusieurs à m’avoir dit que découvrir la version anglaise vous intéressait.

Ce livre est divisé en deux parties fort différentes mais très complémentaires.

Première partie : La Street Photography, quelle approche ?

La première partie est une introduction à la Street Photography, traitée sous un angle plus créatif que technique. Cela correspond tout à fait à l’auteur, il suffit d’écouter quelques-uns de ses podcasts pour comprendre bien vite que la technique n’est qu’un outil au service de sa démarche créative.

Cette première partie est fondatrice, elle pose les bases de ce que doit être l’approche du photographe de rue. Parmi les notions abordées :

• comment gérer la peur de photographier des étrangers,
• comment réagir à une situation donnée,
• comment participer à une scène de rue sans la dénaturer,
• comment gérer le contact visuel avec vos sujets.

Il est aussi question de composition comme de lumière, une lumière omniprésente dans les photos de Valérie Jardin. Et qui fait la force de nombreuses photos de rues, en noir et blanc particulièrement.

Le chapitre intitulé Technique vous livre des éléments de compréhension sur le quotidien du Street Photographer plus que sur le matériel à utiliser (il en est question dans les toutes premières pages si cela vous intéresse) :

• bouger,
• regarder dedans comme dehors,
• humour et respect face à un sujet,
• couleur ou noir et blanc en photographie de rue,
• photographier les enfants.

Seconde partie : Les Photo walks

La seconde partie de cet ouvrage est celle qui devrait vous intéresser le plus si vous pratiquez déjà la photo de rue mais que vous n’êtes pas satisfait des résultats.

Dans Creative Vision behind the lens, Valérie Jardin revient sur onze Photo Walks et trois séries de photos afin de présenter sa démarche et de vous livrer les clés nécessaires au développement de la vôtre.

En première approche cette partie peut être vue comme un portfolio de l’auteur se faisant plaisir à mettre en valeur son travail. Il n’en est rien.

Il s’agit bien de vous montrer plusieurs photos issues d’un Photo Walk, une séance de photo de rue en bon français, tout en détaillant la démarche personnelle qui a conduit à produire ces photos et à en retenir certaines au détriment des autres.

De Paris à Minneapolis en passant par Bruxelles, Rome et la Normandie, vous aller découvrir quelles images vous pouvez vous-aussi réaliser en ville et avec quelle approche.

Cette seconde partie s’avère la plus concrète et pratique du livre pour le photographe qui veut développer ses compétences.

Mon avis sur « Creative Vision behind the lens »

Connaissant le travail de Valérie Jardin, j’ai commandé ce livre aux Etats-Unis pour ma culture personnelle. Après l’avoir parcouru, j’ai pensé qu’il était pertinent de vous le présenter bien qu’il soit en anglais car ce type de contenu est assez rare et je n’ai pas d’équivalent en français à citer si ce n’est Les secrets de la photo de rue avec une approche différente.

La première partie m’a fait réaliser bien des choses et j’ai remis mon travail personnel en question après sa lecture.

La seconde partie est une source d’inspiration que je consulte avec plaisir quand ma pratique de photographe urbain connait quelques passages à vide (c’est fréquent).

Parcourir ce livre c’est aussi s’intéresser au travail de Valérie Jardin, les amateurs apprécieront (voir son site). Il y a beaucoup à apprendre en étudiant ses photos au-delà même du texte. Ce dernier est une autre source d’inspiration car il est conséquent et traduit la passion qu’a notre auteur pour son activité quotidienne.

Un reproche à faire à ce livre ? Oui. Qu’il n’existe pas une version française (mise à jour mai 2020, c’est le cas désormais, voir ici) pour faciliter sa découverte par ceux qui ne peuvent lire l’anglais. Valérie me dit qu’elle ne souhaite pas passer par les services d’un traducteur (elle est française !), elle souhaite réécrire elle-même cette version et monter ce projet demande du temps. Je ne peux que l’encourager à le faire !

Ce livre (en anglais) chez vous dans les meilleurs délais …

Vous voulez passer à la vitesse supérieure dans votre pratique photo ? Vous connaissez les bases de la photo mais souhaitez acquérir des compétences plus expertes ?

Le guide « Photo : mettez le turbo » de Gérard Michel-Duthel vous propose 67 leçons pour faire des photos qui vous plaisent.

Ce guide au meilleur prix …

Photo : mettez le turbo !

La photographie est une activité qui demande de la patience. Il faut comprendre les fondamentaux (choix du matériel, bases de la prise de vue, bases du post-traitement) avant de commencer à faire des images qui vous plaisent.

Une fois ce premier cap passé, vous avez envie d’aller plus loin. Une réaction fréquente est de vouloir changer de matériel (boîtier, objectifs) car « ça doit être mieux ». Et souvent vous n’êtes pas satisfait du résultat.

extrait de « Photo : mettez le turbo ! 67 leçons pour développer vos talents »

Passez du statut de débutant à celui d’amateur éclairé demande une démarche plus globale de votre part. C’est ce que Gérard Michel-Duthel s’efforce de décrire dans ce nouveau guide après avoir déjà écrit La photo c’est pas sorcier ! pour les plus débutants.

Une démarche plus globale c’est la prise en compte des 5 domaines ci-dessous, et du premier en particulier :

• la démarche photographique
• le matériel
• les réglages de l’appareil
• la prise de vue
• le post-traitement et l’impression

Vous aurez compris qu’il s’agit des différents thèmes du livre, dans l’ordre.

Je ne m’étonne pas de trouver en premier un chapitre sur la démarche photographique. Loin des considérations plus philosophiques d’un Michael Freeman ou, pire, d’un David DuChemin, Gérard Michel-Duthel cherche ici à vous sensibiliser à ce qui devrait être votre état d’esprit quand vous faites des photos. Je cite :

« Penser ses photos, savoir ce que l’on veut transmettre, intégrer la phase de post-traitement dans sa réflexion … se fixer un but »

Si vous faites partie de ceux qui pensent qu’un appareil photo plus cher et performant fera de vous un meilleur photographe à coup sûr ne lisez pas la suite. Dans tous les autres cas continuez.

Des bases aux questions plus avancées

extrait de « Photo : mettez le turbo ! 67 leçons pour développer vos talents »

Pour faire des photos il vous faut un appareil photo (vous avez peut-être déjà un smartphone pour cela). Mais il vous faut surtout « faire » des photos et « penser à » ce que vous faites.

C’est dans cet esprit que ce guide est écrit, et dans cet esprit également que l’auteur vous emmène de la première à la dernière page à la découverte de sujets qui peuvent vous être inconnus.

Comme tout guide un tant soi peu généraliste vous me direz que vous savez déjà certaines choses comme la différence entre un reflex et un hybride ou le triangle d’exposition. Mais savez-vous comment adopter une démarche cohérente ? Comment stabiliser vos prises de vues ? Comment éviter les pièges de la mesure de lumière et de la balance des blancs ?

Des outils au service de votre démarche

Au travers de ce guide vous allez découvrir pourquoi le matériel et les logiciels ne sont pas des fins en soi mais au contraire pourquoi ce sont des outils au service de votre démarche personnelle.

Je suis le premier à dire qu’avant d’acheter un nouvel objectif il faut vous poser la question de savoir pourquoi vous le faites. Idem pour le boîtier et les accessoires. En parcourant les différentes leçons de ce guide, vous allez découvrir ce qui vous plaît dans la photographie et comment procéder pour faire ce type de photos.

Une fois que vous aurez fait ce premier pas, vous apprendrez à choisir le bon équipement et à bien l’utiliser. Pour arriver à vos fins.

extrait de « Photo : mettez le turbo ! 67 leçons pour développer vos talents »

Un guide qui en appelle d’autres

Ce guide photo n’a pas la prétention de faire le tour de tous les sujets, d’autant plus que chaque domaine photographique nécessite un ouvrage à lui tout seul (ce que vous trouvez dans la série Les secrets de …).

Il s’agit plutôt d’un outil à votre service, comme votre équipement photo, pour commencer à mettre en place votre démarche créative.

Sans démarche vous pouvez faire quelques bonnes photos, avec une démarche vous proposez une vision personnelle et savez vous adapter aux différentes situations. C’est une des différences entre le photographe amateur et le photographe professionnel (voir page 16 le chapitre sur la construction de séries).

Après avoir suivi ces leçons il y a fort à parier que vous éprouverez l’envie d’en savoir plus sur certains sujets. Ce sera alors le signe que vous avez commencé à « penser photo ». Que vous aurez « fait des photos » et rencontré de nouveaux problèmes à résoudre. Votre démarche sera en place.

extrait de « Photo : mettez le turbo ! 67 leçons pour développer vos talents »

Mon avis sur ce guide photo

A la différence de son précédent guide orienté résultat immédiat, Gérard Michel-Duthel vous propose ici un ouvrage de réflexion. Vous invite à prendre le temps de penser photo, de vous poser les bonnes questions. Il ne répond pas à tout, ne couvre pas tous les sujets, quelques illustrations (le matériel Nikon par exemple) datent un peu. Mais l’essentiel n’est pas là. Il faut prendre ce livre comme un catalyseur.

Ces 67 leçons sont organisées de façon cohérente pour vous aider à penser autrement. J’ai apprécié les encarts analyse d’images dans lesquels l’auteur détaille une photo, ses éléments principaux, et pourquoi la photo fonctionne. Ce sont peut-être même les pages les plus importantes du guide !

La maquette est richement illustrée, faisant la part belle aux photos comme aux copies d’écrans de boîtiers et logiciels.

Plusieurs sujets assez peu traités dans d’autres ouvrages le sont ici : rafale et time-lapse, photo panoramique, photo 4K, focus stacking …

Au final voici un guide pratique convivial au tarif très abordable de 22 euros, qui peut compléter le précédent ouvrage si vous l’avez déjà malgré quelques incontournables recoupements.

Si vous maîtrisez déjà les quelques bases de la photographie, alors ce guide vous prendra là où vous en êtes pour vous emmener un cran plus loin. Vous saurez ensuite vers quel ouvrage plus spécialisé vous diriger.

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Un des problèmes les plus courants chez les photographes débutants c’est le réglage de l’exposition. Comment régler l’exposition pour éviter que vos photos soient trop claires ou trop sombres, comment éviter la sur-exposition et la sous-exposition ?

Découvrez comment je procède et comment vous pouvez faire vous-aussi.

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Comment régler l’exposition et les problèmes de sur-exposition et sous-exposition

Bien exposer une photo, ou bien régler l’exposition, c’est vous assurer que la quantité de lumière qui arrive sur le capteur de votre appareil photo est nécessaire et suffisante pour que la photo soit « ni trop claire, ni trop sombre ».

Trop claire, la photo est sur-exposée. Les zones claires sont très blanches, voire brûlées. Les zones plus sombres, les ombres, sont toutes très claires et ne correspondent pas à la réalité.

Trop sombre, la photo est sous-exposée. Les zones noires sont très noires, les ombres sont bouchées. Les zones claires sont grises. La photo est peu agréable à regarder.

Votre appareil photo est capable d’exposer correctement dans de nombreuses situations, les automatismes de mesure de lumière sont de plus en plus performants. Il reste toutefois des cas particuliers pour lesquels une intervention de votre part est nécessaire :

• contre-jour,
• arrière-plan très sombre,
• sujet dans l’ombre,
• spots lumineux,
• scène et éclairages complexes,
• etc.

Il faut alors régler l’exposition : cela consiste à décaler le réglage donné par le boîtier pour l’affiner : surexposer ou sous-exposer selon le cas.

Je vous donne 4 astuces pour apprendre à exposer correctement dans la vidéo ci-dessous. Vous allez voir qu’il est tout à fait possible de vous en sortir dans les différentes situations de prise de vue si vous prenez la peine de comprendre ce qu’est l’exposition et comment vous pouvez corriger aisément la valeur donnée par votre boîtier en mesure automatique.

Pour aller plus loin …

Vous pouvez consulter plusieurs tutoriels sur l’exposition en photo sur le site, suivez les liens :

• Quel mode d’exposition choisir et pourquoi ?
• Modes d’exposition et modes autofocus, la différence
• Exposition automatique : pourquoi la cellule de votre appareil photo se trompe parfois ?
• Pour ou Contre : la correction d’exposition à la prise de vue
• Pourquoi et comment utiliser le bracketing d’exposition

Je vous recommande la lecture de deux ouvrages spécialisés qui vous apprennent à régler l’exposition. Abordables et à la portée de tous ces deux guides vont vous aider à passer le cap et à vous faire plaisir en photo :

• Le guide « Les secrets de l’exposition » de Volker Gilbert,
• Le guide « L’art de l’exposition en photo numérique » de Michael Freeman.

Pour aller plus loin et apprendre toutes les bases de la photographie, comment bien régler votre appareil photo, comment choisir un objectif, comment faire des photos nettes, comment faire des photos bien exposées, comment composer une photo, je vous propose une formation complète et un support personnalisé :

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Polaroid est LA marque de l’univers photo qui a participé au développement de la photo instantanée avec une gamme complète d’appareils photo et de films.

L’avènement de la photo numérique, instantanée par définition, a participé à la chute de Polaroid. Mais loin de s’avouer vaincue, et soutenue par une nouvelle génération de photographes adeptes de cette technique, Polaroid renait de ses cendres pour retrouver une place face à Fujifilm et ses films Instax.

Ce grand livre du Polaroid retrace l’histoire de la marque, des différents boitiers et films et des techniques créatives associées à cette technologie.

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Polaroid, des appareils photo et des films

Polaroid c’est une époque, une technologie, du matériel et un art. Mais c’est aussi beaucoup d’incompréhension aujourd’hui de la part de ceux qui n’ont pas connu la grande époque « Pola » comme de la part de ceux qui ont oublié les fondamentaux.

Le Grand Livre du Polaroid vient combler ces manques. La première partie du guide reprend, de façon très détaillée, tous les matériels (appareils photo et films) qui ont fait la grande histoire Polaroid :

• les appareils à film Peel-apart,
• les appareils de la série SX-70,
• les appareils de la série 600,
• les Spectra,
• les imprimantes instantanées,
• les films Fuji Instax pour Polaroid,
• les appareils Impossible I-1.

Le guide fait la part belle aux illustrations, chaque modèle est présenté en photo et resitué dans le contexte qui a prévalu à sa mise sur le marché. Vous allez trouver également de nombreuses illustrations d’époque, de jolis morceaux d’histoire de la marque et des photos. Si vous ne connaissez rien à Polaroid, lisez cette première partie, vous deviendrez un expert du sujet !

Polaroid, des techniques créatives inédites

La seconde partie du livre est celle qui a ma préférence car elle présente les principales techniques créatives que vous allez pouvoir réaliser vous-aussi avec votre Polaroid.

Le Pola a en effet bien d’autres usages que la seule prise de vue instantanée servant à donner une photo sans délai (je préfère de loin utiliser l’imprimante Fuji Instax Share pour cela en partageant les photos de mon smartphone ou de mon boîtier).

Parmi les techniques au service de votre créativité, sachez que vous pouvez :

• faire du transfert de transparent ou d’émulsion,
• utiliser des films périmés (comme en négatif couleur),
• pratiquer la pose longue,
• faire des expositions multiples,
• utiliser des filtres et des masques,
• faire un éclaircissement contrôlé,
• comme du light painting.

Chacune de ces techniques vous est présentée avec des illustrations, des explications et les différentes étapes de réalisation.

Il s’agit d’introduction à ces techniques, le guide ne pouvant tout traiter de façon très détaillée en un seul ouvrage. Mais vous aurez l’essentiel pour être autonome et chercher ensuite des exemples de réalisations chez les photographes pratiquant le même art que vous.

Mon avis sur le Grand Livre du Polaroid

Voici un ouvrage qui a pour lui une grande originalité : il réussit à regrouper en un seul volume des descriptions techniques et matérielles et des savoir-faire. C’est assez atypique dans le monde des guides photos qui sont plutôt « techniques » ou « créatifs » mais rarement les deux à la fois (exception faite de la série « Les secrets de …« ).

Ce livre est une belle référence en matière de Polaroid, il vous évitera de passer des heures à chercher des informations fiables, tout y est. Il va aussi vous ouvrir un champ de possibles étonnant : j’ai découvert des techniques que j’étais loin de connaître bien que j’ai usé quelques tonnes de Pola à une certaine époque.

Si vous découvrez la photographie instantanée et que vous souhaitez tout savoir sur la marque, la technique et les possibilités offertes, c’est le guide qu’il vous faut.

Si vous connaissez déjà Polaroid mais que vous voulez en savoir plus sur les différents modèles et découvrir des techniques qui vous sont méconnues, le guide va vous aider aussi.

Si, enfin, vous êtes nostalgique d’une certaine époque et que la photographie est pour vous une question de toucher et de matière aussi, vous allez prendre plaisir à parcourir ce guide même sans chercher à pratiquer.

Inutile de dire pour conclure que les collectionneurs d’appareils Polaroid seront ravis de trouver une présentation détaillée des différents modèles et de savoir quels films peuvent encore être utilisés dans quels boîtiers.

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Découvrez le programme des conférences au Salon de la Photo 2017 sur le stand Agora du Net / Nikon Passion et les différents photographes intervenants.

Ce programme est en cours de finalisation et mis à jour régulièrement, mettez la page en favoris pour avoir toujours la bonne version.

[MàJ 06/11/2017]

Comme chaque année, je vous propose de venir me rencontrer sur le stand animé par les sites partenaires de l’Agora du Net, dont Nikon Passion. C’est aussi l’occasion de suivre de nombreuses conférences sur différents sujets photo.

Chaque conférence est animée par un photographe spécialisé, un auteur de guide photo ou un des représentants des sites Auxois Nature, Fotoloco, Nikon Passion et Photopassion.

Ces conférences sont en accès libre, venez un peu avant l’horaire si vous voulez avoir une place assise, elles sont rares !

Profitez-en pour découvrir l’exposition photo « Sélection Lecteurs », 60 photographes exposés sur le stand (voir les photos ici).

Le Salon de la Photo de Paris ouvre ses portes cette année du 9 au 13 Novembre. Vous pouvez déjà demander vos invitations gratuites en suivant ce lien :

Vos entrées gratuites pour le Salon de la Photo 2017 …

Le stand Nikon Passion / Agora du Net est au rez de chaussée, à gauche en entrant, numéro 5.1 D013, vous ne pouvez pas le manquer !

Je serai présent sur le stand pendant 5 jours pour vous croiser, répondre à vos questions et animer plusieurs conférences listées ci-dessous.

16 autres intervenants vous proposeront des sujets variés : technique de prise de vue, créativité, studio, photo animalière, photo de mariage …

En partenariat avec :

Programme des conférences au Salon de la Photo

Jeudi 9 Novembre

9h   : La Matinale du Salon – « Où va la photo ? » par les membres de l’Agora du Net (enregistrement avant ouverture)

10h : Animation : Toutes les manières d’affûter les animaux sauvages près de chez vous – Régis Moscardini – Auxois Nature

11h : Les secrets de la photo urbex – Philippe Sergent

12h : Les réglages avancés de votre reflex Nikon – Jean-Christophe Dichant – Nikon Passion

13h : L’intention photographique – Régis Moscardini – Auxois Nature

14h : Le workflow de mariage – Céline et Guillaume Manceron – Photopassion

15h : Eclairer et poser vos sujets – Blaise Fiedler – Fotoloco

16h : L’esthétique de la photographie & le numérique – François Soulages

17h : Vendre ses photos que l’on soit amateur ou pro – Eric Delamarre

Vendredi 10 Novembre

9h   : La Matinale du Salon – « Où va la photo ? » par les membres de l’Agora du Net (enregistrement avant ouverture)

10h : Animation : Venez vous faire tirer la face – Blaise Fiedler – Fotoloco

11h : Le Polaroid, un plaisir retrouvé – Églantine Aubry

12h : Comment obtenir un rendu Nikon fidèle dans Lightroom – Jean-Christophe Dichant – Nikon Passion

13h : L’intention photographique – Régis Moscardini – Auxois Nature

14h : 7 erreurs à éviter en studio – Céline et Guillaume Manceron – Photopassion

15h : Eclairer et poser vos sujets – Blaise Fiedler – Fotoloco

16h : Un hybride, pour qui, pour quelles photos ? – Gérard Michel-Duthel

17h : Qui ? Quand ? Quoi ? Comment ? Pourquoi photographions-nous? – Florence At

18h : Maîtriser la lumière dans des conditions difficiles, 3 scénarios – Volker Gilbert

Samedi 11 Novembre

9h   : La Matinale du Salon – « Où va la photo ? » par les membres de l’Agora du Net (enregistrement avant ouverture)

10h : Animation : prise de vue portrait en studio – Guillaume Manceron – Photopassion

11h : La photo minimaliste – Denis Dubesset

12h : Les réglages avancés de votre reflex Nikon – Jean-Christophe Dichant – Nikon Passion

13h : L’intention photographique – Régis Moscardini – Auxois Nature

14h : Photographes, prenez confiance en vous – Céline et Guillaume Manceron – Photopassion

15h : Eclairer et poser vos sujets – Blaise Fiedler – Fotoloco

16h : La pose longue – Christophe Audebert

17h : Jouez avec votre smartphone et réussissez vos photos – Agnès Colombo

18h : Photo, travailler en série – Eric Forey

Dimanche 12 Novembre

9h   : La Matinale du Salon – « Où va la photo ? » par les membres de l’Agora du Net (enregistrement avant ouverture)

10h : Vendre ses photos que l’on soit amateur ou pro – Eric Delamarre

11h : Créativité ON/OFF, offrez un peu de magie à vos images – Anne-Laure Jacquart

12h : Comment obtenir un rendu Nikon fidèle dans Lightroom – Jean-Christophe Dichant – Nikon Passion

13h : L’intention photographique – Régis Moscardini – Auxois Nature

14h : 7 erreurs à éviter en studio – Céline et Guillaume Manceron – Photopassion

15h : Eclairer et poser vos sujets – Blaise Fiedler – Fotoloco

16h : Le « 16-18 Photo » avec Photopassion, Nikon Passion, Auxois Nature et Fotoloco – animations photo, studio et rencontres

Lundi 13 Novembre

9h   : La Matinale du Salon – « Où va la photo ? » par les membres de l’Agora du Net (enregistrement avant ouverture)

10h : Animation : Quel Nikon choisir – Jean-Christophe Dichant – Nikon Passion

11h : Eclairer et poser vos sujets – Blaise Fiedler – Fotoloco

12h : Les réglages avancés de votre reflex Nikon – Jean-Christophe Dichant – Nikon Passion

13h : L’intention photographique – Régis Moscardini – Auxois Nature

14h : Le workflow de mariage – Céline et Guillaume Manceron – Photopassion

15h : Agora du Net

16h : Agora du Net

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Des photos de bébés dans un très beau livre intitulé Small World – Anne Geddes retrace son parcours, celui d’une photographe autodidacte qui a décidé un jour de devenir la photographe de bébés la plus célèbre de la planète. Et c’est le cas !

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Small World – Anne Geddes, une belle histoire avant tout

On ne naît pas photographe, on le devient. C’est au tout début de l’année 1984 qu’Anne Geddes, alors parfaite inconnue qui n’a photographié que quelques enfants de voisins et amis, décide de devenir photographe professionelle.

Extrait de Small World – Anne Geddes

Drôle d’histoire : pourquoi les enfants ? Pourquoi une telle volonté ? Anne Geddes a cette envie qui caractérise ceux qui osent (et réussissent souvent). Elle quitte son emploi à la naissance de sa première fille, devient l’assistante d’un photographe de studio à l’arrivée de sa seconde fille, avant d’ouvrir son propre studio … dans son garage !

Anne Geddes passe alors 10 ans à photographier des portraits à la demande. Elle se lasse toutefois de certaines des contraintes liées à cette pratique et suspend son activité en 1990. Elle ne fait alors plus que des photos personnelles. C’est pendant cette période qu’elle développe le style si particulier qui va devenir le sien.

Anne Geddes et les bébés, c’est depuis cette période une longue histoire d’amour : élégance graphique, arrière-plan assez austère, accessoires minimalistes pour des mises en scène toujours plus originales les unes que les autres.

Les bébés naissent dans des choux ? Alors photographions-les dans des choux ! L’humour et l’effet de surprise qui caractérisent ces photos font le reste. La notoriété de la photographe s’étend jusqu’à ce qu’elle devienne ce qu’elle avait rêvé d’être, la photographe de bébés la plus connue de la planète.

Extrait de Small World – Anne Geddes

Depuis cette période les images d’Anne Geddes ont fait le tour de la terre, on ne compte plus les cartes, calendriers, illustrations et livres qui mettent en valeur ce travail photographique. Le livre « Small World » présenté ici reprend les photos les plus emblématiques d’Anne Geddes.

Le livre est organisé en trois sections, reprenant le cycle de la vie :

• « Commencement » présente des photos de femmes enceintes, nues ou drapées dans des étoffes,
• « Arrivée » présente des photos de nourrissons, vous y verrez souvent des mains d’adultes qui donnent l’échelle,
• « Les premiers pas » présente des portraits d’enfants pris sur le vif, dont certains remontent à la première période du travail d’Anne Geddes.

Un « beau livre de photographie »

A l’inverse des nombreux guides pratiques sur la photo que vous pouvez découvrir dans cette rubrique, le livre « Small World » est un livre de photographies. Vous n’y trouverez pas les secrets de la photo d’enfants (lisez plutôt celui-ci) mais vous y trouverez des photographies. Et l’histoire d’une photographe qui a fait d’une passion un métier.

Le grand format du livre (29×37,4cm) et les 238 pages qu’il contient permettent de mettre en valeur chaque photo. Les textes sont présentés en trois langues (français, anglais, allemand), de nombreuses photos sont imprimées en pleine page ou en double page. Vous aurez même droit au sticker qui n’est rien d’autre … qu’une photo de bébé !

Bien que ce genre photographique ne soit pas mon domaine de prédilection, j’ai particulièrement apprécié le soin apporté à la réalisation du livre et au choix des images. La production d’Anne Geddes est conséquente, mais l’éditeur a opéré une sélection équilibrée entre les différents styles d’images.

La qualité de fabrication est excellente pour un tarif public qui reste raisonnable. Ce livre vous permettra de découvrir un univers un peu idéalisé parfois mais touchant et empreint de sensibilité. Prenez le temps de parcourir ce livre, de prendre note. Vous pourrez alors en profiter au mieux.

Et si ce n’est pas votre tasse de thé, pensez au cadeau : un tel ouvrage ne peut pas décevoir, ne se démode pas et vaut bien mieux que le dernier accessoire photo à la mode 🙂

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L’éclairage pour la photo de mode et de portrait est un livre de Rossella Vanon et contient ce qu’il vous faut savoir pour préparer vos séances studio, mode et portrait. Il vous propose des plans d’éclairage avec des exemples de photos. Je vous présente le guide dans la vidéo ci-dessous et vous en dis plus à la suite.

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L’éclairage pour la photo de mode et de portrait

La réussite d’une photo de portrait ou de mode tient autant en l’éclairage qu’en la préparation de la séance et du modèle. Si vous ne savez pas choisir votre éclairage, l’adapter à la situation, le régler de telle façon qu’il vous donne le résultat attendu vous allez passer à côté de votre séance.

Préparer un plan d’éclairage est donc primordial. Pour cela il vous faut choisir votre éclairage, flash ou lumière continue, choisir les accessoires (par exemple le façonneur de lumière), orienter les différentes sources et faire en sorte que le résultat soit harmonieux.

Ce n’est pas toujours facile quand on débute, une bonne façon de vous en sortir et de gagner du temps est d’adopter un plan d’éclairage dont le résultat vous est connu à l’avance. Vous pouvez alors faire vos premières photos et modifier ce plan d’éclairage en fonction des premiers résultats.

Le livre « L’éclairage pour la photo de mode et de portrait » vous aide à mener à bien les différentes opérations :

• choisir l’éclairage,
• choisir les accessoires,
• adapter l’éclairage à la prise de vue,
• diriger votre modèle,
• finaliser vos photos.

Ce guide est très richement illustré de (belles) photos qui vous montrent ce que vous pouvez obtenir une fois que vous avez réglé l’ensemble de votre matériel correctement.

J’ai beaucoup apprécié les nombreux plans d’éclairage listés dans la seconde partie de l’ouvrage. Ces 70 schémas à reproduire (nombre de sources, disposition, accessoires) vous donnent une base de travail et vous permettent de connaître à l’avance le résultat possible.

La première partie du livre vous aide à choisir votre matériel. Sachez ce que signifient les termes relatifs à l’éclairage comme :

• température de couleur,
• puissance,
• branchement,
• type de source.

Apprenez à faire la différence entre le rendu d’un flash de studio ou d’un flash de reportage (Cobra). Sachez choisir entre un flash et des éclairages à lumière continue.

La seconde partie du livre vous explique comment préparer le rendu final de vos images en créant une atmosphère.

Apprenez à choisir une lumière dure ou douce, en sachant pourquoi. Voulez-vous une dominante claire ou foncée ? Un éclairage asymétrique ? Indirect ?

Découvrez les secrets des photographes de studio et en particulier les techniques d’éclairage classiques :

• éclairage loop,
• éclairage Rembrandt,
• éclairage de côté (split)
• éclairage papillon (ou Paramount)
• éclairage en coquillage.

Vous allez aussi apprendre à régler votre appareil photo et l’exposition : ouverture, vitesse, sensibilité. La balance des blancs est un réglage essentiel avec les éclairages de studio, découvrez comment la régler au mieux.

Des scénarios d’éclairage

Dans la troisième partie du livre, vous allez découvrir différents scénarios d’éclairage qui correspondent chacun à une situation de prise de vue particulière :

• comment éclairer les portraits,
• comment éclairer une photo de mode,
• comment éclairer une photo beauté,
• comment éclairer une photo de sport et de nu.

Vous saurez préparer votre prise de vue et par où il vous faut commencer.

De même, vous allez apprendre à mesurer la lumière à l’aide du posemètre intégré à votre appareil photo comme avec une cellule à main (posemètre/ flashmètre externe).

Devenez créatif

La photo de mode et de portrait demande un minimum de créativité de la part du photographe pour que le résultat soit intéressant. Saviez-vous que vous pouvez jouer avec les couleurs grâce aux gélatines ? Qu’il est possible de projeter sur le modèle des sources particulières qui vont créer des effets étonnants ?

Vous pouvez également restituer un flou de mouvement et créer « votre » lumière naturelle, pour donner à vos photos un caractère bien personnel.

70 plans d’éclairage pour le portrait

C’est probablement la dernière partie du livre que vous allez utiliser le plus souvent puisqu’elle contient 70 plans d’éclairage détaillés :

• sources de lumière,
• disposition,
• réglages,
• accessoires,
• position du modèle,
• position du photographe.

Autant dire qu’avec ces plans vous pouvez commencer à vous faire la main sans craindre de perdre votre temps avant de les adapter à vos envies et besoins.

Je trouve intéressant le fait d’avoir sur une même page le plan d’éclairage en 3D, et tous les résultats possibles en fonction du modèle et de l’arrière-plan :

• peau claire,
• peau noire,
• fond clair,
• fond sombre.

Vous allez forcément trouver une combinaison pour démarrer !

Mon avis sur L’éclairage pour la photo de mode et de portrait

Ce livre est à la fois complet, bien illustré et pratique avec les plans d’éclairage détaillés.

Il permet au plus débutant de découvrir les bases du studio, de faire ses premiers pas à moindres frais à domicile, avant de passer à une pratique plus experte.

Les conseils donnés en première partie du livre vous permettent de choisir votre matériel sans vous tromper, et de réaliser peut-être que vous avez déjà ce qu’il vous faut pour vous lancer.

Enfin les plans d’éclairages finaux sont LE point fort de l’ouvrage car cet ensemble de modèles aisément reproductibles vous permettent de démarrer sans perdre de temps en sachant à l’avance quel résultat vous pouvez obtenir.

Ce livre s’adresse aux photographes désireux de découvrir la photo de portrait et de mode en studio. Je vous le recommande aussi si vous avez du mal à vous en sortir après vos premiers essais. Les photographes plus experts seront intéressés par la dernière partie et les plans d’éclairages, la connaissance du matériel et des réglages étant déjà acquises normalement.

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