Avez-vous déjà eu cette impression étrange en regardant vos propres photos ? Elles sont nettes, bien exposées, techniquement correctes… mais elles n’accrochent pas. Elles ne racontent rien. Elles font flop.

Et oui, même avec le meilleur appareil photo, vos images peuvent sembler plates. La solution ne consiste pas à changer de matériel, mais à changer de regard. Tant que vous penserez technique avant de penser composition photo, vos images resteront plates. La bonne nouvelle, c’est qu’il suffit de changer de manière de voir, pas de matériel.

Dans ce guide, je vous montre comment transformer vos photos grâce à 25 principes de cadrage et de composition photo simples à appliquer. Pas de jargon. Pas de recettes toutes faites. Juste des repères visuels qui feront toute la différence dès votre prochaine sortie photo.

« Mes photos n’ont rien d’exceptionnel »

Je reçois souvent des messages de photographes frustrés : leurs images sont correctes, bien construites, mais elles n’accrochent pas. Elles ne déclenchent rien. Pas d’émotion. Pas d’histoire. Même pas de Likes (!).

Et presque toujours, la même conclusion revient, comme une règle absolue : « Il me faut un meilleur boîtier. »

Non. Ce qu’il vous faut, c’est un meilleur regard.

Penser que la solution se trouve dans le matériel est une erreur classique. Ce n’est pas votre appareil photo qu’il faut maîtriser, c’est votre façon de voir. La différence entre une photo ordinaire et une photo marquante tient rarement aux réglages. Elle tient à la composition photo et au cadrage, ces deux fondations qui donnent vie à l’image.

Avant de dépenser des sous dans ce satané matériel, prenez le temps de comprendre comment vos images s’organisent. Apprenez à placer les éléments visuels, à équilibrer les masses, à guider le regard. Peu importe votre boîtier : si vous appliquez les bons principes de composition, vous verrez vos photos changer immédiatement. Comment réagiriez-vous si cela se produisait dès demain pour vous… ?

Qu’est-ce que le cadrage et la composition en photographie ?

Qu’est-ce que la composition photo ?

La composition photo désigne la manière dont les éléments d’une image sont organisés pour guider le regard du spectateur. Elle repose sur le cadrage, les lignes, la lumière, les formes et les couleurs pour créer une image harmonieuse et expressive.

Cette organisation, pour être efficace, doit être simple et capturer instantanément l’attention du spectateur. C’est un des secrets des photographes que vous admirez : une photo sans une composition et un cadrage réfléchis n’est pas une image aboutie.

Quelle différence entre composition et cadrage photo ?

Le cadrage délimite ce que vous incluez dans votre image ; la composition détermine comment ces éléments interagissent entre eux.

Tout comme les Maîtres de la peinture ont su maîtriser l’art de la composition, vous pouvez vous approprier ces principes fondamentaux et les appliquer dès maintenant à vos photos pour de meilleurs résultats.

Ces principes, accessibles même si vous avez débuté ce matin, ne requièrent aucune dépense supplémentaire. Il s’agit de modifier votre approche du cadrage, de repenser la manière dont vous remplissez le champ de votre viseur et de voir votre sujet sous un angle nouveau.

Règles des tiers : utile, mais pas obligatoire

La règle des tiers semble le graal du photographe amateur, pourtant elle est souvent remise en question. Ne reposant sur aucune base établie, mieux vaut la considérer comme une possibilité qui vous est offerte mais pas comme une règle absolue.

1. Simplification Excessive : la règle des tiers est trop considérée comme une façon simple de réduire la complexité inhérente à la composition photographique.
2. Manque de Flexibilité : elle peut être restrictive et ne pas s’adapter à toutes les situations. Certains sujets ou scènes se prêtent bien mieux à une symétrie parfaite ou à un cadrage centré.
3. Risque de Banalité : la règle des tiers conduit à des compositions prévisibles et trop souvent banales (tout le monde fait les mêmes).
4. Exceptions Notables : De nombreuses œuvres d’art et photographies célèbres ne suivent pas la règle des tiers, ce qui tend à prouver que vous pouvez faire de même sans aucun état d’âme.

Les principes essentiels pour composer une photo

Pour maîtriser cadrage et composition en photographie, vous devez connaître les principales règles (voir les règles de composition). Et savoir vous en éloigner quand vous les maîtrisez. Plutôt que de parler de règles, je préfère parler de principes à  découvrir et à appliquer sans attendre.

J’ai listé quelques références bibliographiques qui vous aideront à en savoir plus car vous allez réaliser très vite en vous intéressant au cadrage et à la composition que vous voudrez en savoir toujours plus !

1. Utilisez les nombres impairs pour dynamiser vos images

Regardez attentivement une photo avec trois personnages. Votre œil ne cesse de circuler, de l’un à l’autre, comme pris dans un mouvement invisible. C’est tout sauf un hasard.

Un nombre impair crée une tension visuelle naturelle. Il empêche la symétrie plate. Il introduit un déséquilibre qui rend la scène plus vivante. Essayez avec des objets, des silhouettes, des arbres, peu importe : l’effet fonctionne toujours.

2. Donnez de l’échelle à vos photos

Une montagne sans randonneur. Une ruelle sans silhouette. Un monument sans passant. L’image est belle, mais elle est vide.

Sans repère de taille, votre spectateur est perdu. Il ne sait pas si ce qu’il regarde mesure un mètre ou cent. Il admire la forme, mais pas l’ampleur. Ajoutez un personnage, une ombre, une barrière… et soudain, tout prend sens.

En photographie de paysage, faites toujours plusieurs vues avec et sans personnage en variant cadrage et composition. Vous pourrez ainsi choisir  la photo qui s’avère la plus intéressante.

3. Servez-vous des lignes directrices pour guider le regard

Votre œil suit naturellement les lignes. Celles d’une route, d’un trottoir, d’un escalier. Elles agissent comme des rails visuels. Vous pouvez les utiliser pour conduire le regard vers un point précis, ou structurer votre image en profondeur.

Pensez à un couloir de métro, à une allée d’arbres ou à des façades urbaines : ce sont des compositions toutes prêtes. Il suffit de vous placer au bon endroit.

4. Laissez les courbes adoucir vos compositions

Les lignes droites structurent, les lignes courbes enveloppent. Une rivière, une colline, un chemin sinueux ou un nuage dans le ciel… Les courbes sont partout et elles adoucissent naturellement la lecture d’une image.

Elles apportent de la douceur, un rythme visuel. Là où une ligne droite impose une direction, une courbe invite à se promener. Servez-vous-en pour raconter autrement.

5. Osez le cadrage serré pour révéler l’essentiel

Quand on débute, on veut tout montrer. Alors on cadre large. Trop large. Résultat : l’image est confuse, sans hiérarchie, sans force.

Resserrez. Approchez-vous. Coupez ce qui n’est pas essentiel. Un cadrage serré attire l’attention, concentre l’énergie, évite les distractions. Il n’étouffe pas le sujet, il le révèle.

Lire aussi : 9 raisons d’utiliser un zoom en photo

6. Bougez : le bon point de vue change tout

Rester debout, appareil à hauteur d’yeux, c’est le réflexe par défaut. Et c’est souvent le plus plat.

Abaissez-vous. Levez les bras. Inclinez-vous. Montez sur un banc. Agenouillez-vous. Chaque angle raconte une autre histoire.
Un enfant vu du sol. Une rue vue d’en haut. Un visage vu de côté. Le changement de point de vue, c’est le début de la création.

7. Décalez votre sujet pour laisser stimuler l’imaginaire

Tout le monde centre son sujet. C’est rassurant. Mais c’est souvent banal.

Décalez. Placez votre personnage sur le bord du cadre. Laissez-le sortir ou entrer. Ce vide libéré dans l’image devient espace mental. Le spectateur imagine ce qu’il ne voit pas. Il est impliqué. Un bon cadrage n’enferme pas. Il suggère.

8. Harmonisez les espaces pour équilibrer l’image

L’expression que nous devons à Anne-Laure Jacquart signifie que si vous prenez la peine de donner le même espace à plusieurs zones proches d’une même photo, vous obtiendrez un résultat plus harmonieux.

Regardez une façade. Si les bords sont déséquilibrés, vous le sentez immédiatement. Ça penche, ça grince, ça gêne.

Prenez le temps de mesurer visuellement les espaces. Donnez autant de place à gauche qu’à droite, au sol qu’au ciel. Cela vaut aussi pour les angles, les diagonales, les coins. L’harmonie naît souvent d’un équilibre discret.

9. Jouez la plongée et la contre-plongée pour donner du relief

Vous voulez écraser un sujet ? Prenez-le de haut. Vous voulez le magnifier ? Prenez-le de bas.

La plongée et la contre-plongée transforment tout. Elles changent les proportions, allongent les lignes, exagèrent les volumes.
Avec un grand-angle, c’est flagrant : un personnage devient immense, une ruelle devient décor de cinéma.

À utiliser avec intention. Et avec modération.

10. Cherchez les formes géométriques cachées

Un rond. Un carré. Un triangle. Un losange. Vous n’êtes pas en classe de géométrie, mais votre appareil photo, lui, adore ces formes.
Un hublot, une bouche d’égout, une table de bistrot, un panneau de signalisation : ces figures simples créent une structure visuelle immédiate. Et elles donnent à votre photo un côté graphique, presque symbolique.

Cherchez-les. Elles sont partout.

11. Révélez l’invisible grâce aux reflets

Un reflet dans une flaque. Une vitrine. Une carrosserie de voiture. Une surface métallique. Ces doubles images ajoutent de la profondeur, de la surprise, du mystère.

Les meilleurs reflets sont souvent symétriques. Sujet et reflet se répondent, comme deux moitiés d’un même monde. Et quand vous les trouvez, ne les laissez pas passer. C’est de l’or visuel.

Les techniques avancées de composition photo

12. Servez-vous du premier plan pour encadrer le sujet

Un arbre flou. Une rambarde. Une silhouette proche. Le premier plan n’est pas qu’un décor. C’est un outil puissant pour encadrer votre sujet, créer de la profondeur et ajouter une dimension narrative. Pensez-le comme un rideau de théâtre : il s’ouvre sur l’action.

Floutez-le volontairement. Jouez avec les ouvertures. Et regardez votre sujet s’en détacher comme jamais.

Pour flouter l’avant-plan, faites la mise au point sur l’arrière-plan, le sujet, et choisissez une ouverture de diaphragme suffisamment grande (par exemple f/4 ou f/2.8) pour bien différencier les deux zones de la photo, ce qui va renforcer le cadrage et la composition.

13. Maîtrisez le contre-jour pour créer du drame

Le soleil en face. L’exposition difficile. L’image bouchée ou cramée. Beaucoup fuient le contre-jour. À tort. Avec un peu de pratique, c’est une arme redoutable.

Il suffit de bien mesurer la lumière, ou d’utiliser le bracketing si besoin. Et soudain, vos photos gagnent en contraste, en intensité, en drame. C’est le clair-obscur moderne. Ne l’ignorez pas.

14. Utilisez les silhouettes pour suggérer plutôt que montrer

Un sujet en ombre chinoise. Aucun détail. Juste la forme. La silhouette, c’est l’abstraction parfaite. Elle raconte sans révéler. Elle intrigue sans décrire. L’effet silhouette aussi un moyen élégant d’éviter les problèmes d’image en photo de rue : pas de visage, pas d’identification.

Cherchez un contre-jour, baissez l’exposition. Et laissez la magie opérer.

15. Changez de format pour changer la lecture visuelle

Votre appareil propose un ratio. Mais votre œil n’a pas à s’y limiter.

2/3, 4/3, carré… chaque format change la composition de l’image. Un format large évoque le cinéma. Un format carré renforce la stabilité. Recadrez à la prise de vue ou en post-traitement, mais pensez-y dès la composition : ce que vous incluez ou coupez fait toute la différence.

16. Simplifiez vos images : moins, c’est plus

« A vouloir trop montrer on ne montre rien. A montrer moins on montre mieux.« 
Anne-Laure Jacquart dans Composez, réglez, déclenchez.

Trop d’informations noient le sujet. Trop de détails saturent l’image. Montrez moins. Isolez. Simplifiez.

L’œil humain aime comprendre vite. Il cherche un point d’ancrage. Si vous le forcez à tout décrypter, il se perd.
Offrez-lui un message visuel clair. Le reste, il l’imaginera.

17. Coupez pour concentrer l’attention

Pourquoi vouloir tout montrer d’un corps humain ? Une main, un pied, un profil suffisent.

En cadrant sur une seule partie, vous provoquez l’attention. Vous suggérez. Vous laissez au spectateur le soin de reconstituer.
Et ce qu’il reconstitue l’implique. C’est là toute la force du cadrage partiel.

18. Inclinez votre cadrage pour créer du mouvement

Tout droit, c’est statique. Légèrement penché, c’est vivant.

Inclinez votre boîtier. Pas par maladresse, mais par choix. Pour déséquilibrer. Pour créer une tension.
C’est risqué. Parfois raté. Mais parfois… brillant. Faites des essais. Écoutez ce que l’image vous dit.

19. Centrez… quand cela renforce votre propos

On vous a dit de fuir les compositions centrées ? Parfois, c’est la meilleure option.

Un sujet parfaitement symétrique. Un couloir. Un visage. Un monument frontal. Le centrage peut être d’une puissance graphique redoutable. À condition qu’il soit net, assumé, précis. Et que tout le reste y contribue.

Simplifier, équilibrer, raconter : l’art de composer une photo

20. Le pouvoir du point unique

Dans une image saturée de détails, l’œil cherche un repère. Un seul. Clair. Net. Ce repère, c’est le point. Il attire. Il magnétise. Il structure toute la lecture.

Ce peut être une silhouette au loin, une lumière allumée, un objet isolé. Supprimez le superflu autour. Le point, seul, suffit à raconter.

Le point n’a pas de place précise en matière de cadrage et composition, il peut être au centre, dans un angle, sur un point fort (voir la règle des tiers).

21. Créez une ambiance avec les couleurs chaudes et froides

Les couleurs parlent plus vite que les mots.

L’orange rassure, le bleu apaise, le rouge alerte.

Composez une image autour d’un jeu de températures : un coucher de soleil, une lumière de matin d’hiver. Choisissez une dominante. Ou jouez le contraste chaud/froid. Et laissez l’émotion surgir.

22. Exploitez le contraste lumineux pour hiérarchiser

Une scène baignée de lumière uniforme peut être plate. Une scène contrastée est plus lisible. Plus dramatique.

Cherchez les zones d’ombre et de lumière. Intégrez-les à la composition. Cachez une partie du sujet, éclairez-en une autre. Et si nécessaire, accentuez en post-traitement.

Le contraste guide. Il hiérarchise. Il raconte.

23. Osez le contraste de couleur pour donner du rythme

Une borne rouge sur un mur bleu. Un manteau jaune dans une foule sombre. Une touche vive sur un fond terne.

Les contrastes colorés sont puissants. Ils révèlent. Ils mettent en valeur. Ils créent du rythme. Utilisez-les avec parcimonie. Trop de contrastes tuent le contraste. Un seul, bien placé, suffit à faire vibrer l’image.

24. Pensez vos photos en série pour raconter une histoire

Une photo isolée peut sembler faible. Mais dans une série, c’est la répétition, la variation, la progression qui créent la force narrative. Un cadrage similaire, un motif récurrent, une couleur dominante.

Pensez vos images comme un tout. Composez une séquence. Et racontez plus large que le cadre.

25. Fermez les bords pour guider le regard

Chaque bord d’image est une frontière. S’il est ouvert, le regard peut fuir. Fermez-le.

Un mur flou, un tronc d’arbre, un rideau, une rambarde… Ces éléments peuvent servir de barrière douce. Ils retiennent l’œil. Ils renforcent la mise en scène.

Mais attention : flous, sombres, discrets. Le cadre ne doit jamais voler la vedette.

Les 8 types de plans en photographie

Vos choix de cadrage influencent beaucoup la perception du sujet. Voici les 8 types de plans les plus courants, à utiliser comme un vocabulaire visuel.

Type de plan	Cadrage	Usage principal	Focale conseillée
Plan général	Très éloigné	Montrer le décor, donner de l’échelle	18–24 mm
Plan moyen	Sujet entier	Portrait en pied, scène de rue	35–50 mm
Plan italien	Coupé sous le genou	Portrait naturel, scène de vie	50–85 mm
Plan américain	Mi-cuisse	Sujet en action	50–85 mm
Plan rapproché	Taille	Portrait narratif	85–105 mm
Plan en buste	Poitrine	Portrait classique	85–105 mm
Gros plan	Visage plein cadre	Expression, émotion	100–200 mm
Très gros plan	Détail (œil, main)	Intensité dramatique	200 mm ou plus

Lire aussi : Comment choisir un objectif pour le portrait photo

Exercices pratiques pour progresser en composition photo

1. Photographiez un même sujet sous trois angles différents.
2. Faites une série de dix images sur un thème visuel (courbes, reflets, symétrie…).
3. Analysez vos photos : qu’est-ce qui attire le regard en premier ?
4. Recadrez une photo que vous aimez en format carré ou panoramique.
5. Supprimez un élément par recadrage pour renforcer le message visuel.

FAQ – Questions fréquentes sur la composition photo

Comment apprendre la composition photo ?
En observant, en pratiquant et en analysant vos images. Travaillez les lignes directrices, la symétrie et le point d’attention principal.

Quelle est la différence entre cadrage et composition ?
Le cadrage délimite la scène (ce que vous incluez ou non), tandis que la composition organise les éléments à l’intérieur de ce cadre.

Comment composer une photo équilibrée ?
Cherchez la cohérence entre le sujet, la lumière, les couleurs et l’espace laissé dans l’image.

Faut-il toujours appliquer les règles de composition ?
Non. Les connaître permet justement de s’en libérer avec intention.

Faut-il toujours suivre la règle des tiers ?
Non. C’est un guide utile pour débuter, mais les plus belles photos naissent souvent quand on s’en affranchit.

Quel objectif choisir pour travailler la composition ?
Peu importe la focale : l’essentiel est de comprendre comment elle influence le cadrage et la perception.

Références et lectures recommandées sur la composition photo

Pour aller plus loin, voici une sélection d’ouvrages consacrés à la composition photo et au cadrage.

Ces livres ont inspiré la rédaction de cet article et m’accompagnent régulièrement dans ma pratique comme dans mes formations. Vous y trouverez des approches différentes mais complémentaires : certaines très visuelles, d’autres plus analytiques, toutes axées sur le regard, la construction et l’intention photographique.

Composez, réglez, déclenchez !

Composez, réglez, déclenchez ! – 2ᵉ édition : La photo pas à pas – Anne-Laure Jacquart
Cette nouvelle édition actualisée du best-seller d’Anne-Laure Jacquart reste une référence incontournable pour progresser en photo. Elle guide le photographe pas à pas dans la compréhension du cadrage, de la lumière et de la composition, avec un regard à la fois technique et sensible. Un livre à garder à portée de main pour photographier en conscience et développer son œil.
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La photo. Composition et couleur

La photo. Composition et couleur – Harald Mante
Un ouvrage de référence absolu sur la composition photographique. Harald Mante y explore les liens entre forme, structure et couleur pour révéler l’équilibre visuel d’une image. C’est un livre exigeant mais essentiel, qui montre comment penser en termes de lignes, de masses et de contrastes chromatiques avant même de déclencher.
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La composition – Masterclass

La composition : Les masterclass de Michael Freeman
Dans ce livre, Michael Freeman pousse plus loin son analyse de la composition photographique. Il aborde les choix de cadrage, d’équilibre, de rythme et de tension visuelle à travers de nombreux exemples commentés. Une lecture idéale pour ceux qui veulent aller au-delà des règles et comprendre la logique visuelle des images fortes.
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L’oeil du photographe et l’art de la composition

L’œil du photographe et l’art de la composition – Michael Freeman
Un classique absolu de la photographie. Michael Freeman y explore la manière dont le regard se forme, se structure et s’affine pour créer des images fortes. Plus qu’un manuel technique, c’est une véritable réflexion sur la composition, la perception visuelle et l’intention photographique.
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Les secrets du cadrage photo

Les secrets du cadrage photo : Paysage – Portrait – Reportage – Denis Dubesset
Un guide clair et accessible pour comprendre les fondamentaux du cadrage en photo. Denis Dubesset aborde les différents types de sujets – paysage, portrait, reportage – et explique comment adapter son cadrage pour renforcer le message visuel. Idéal pour progresser rapidement et donner plus d’intention à vos images.
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Capturer l’instant, l’art de la photographie

Capturer l’instant : L’art de la photographie – Michael Freeman
Dans cet ouvrage, Michael Freeman explore ce qui fait la différence entre une photo ordinaire et une image vivante. Il y analyse le moment décisif, le rythme visuel et la manière d’anticiper la scène pour saisir l’instant juste. Un livre essentiel pour comprendre comment intention, regard et composition se rejoignent au moment du déclenchement.
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Composition : Pratique photo

Composition : Pratique photo – Laurie Excell
Un guide visuel et concret pour comprendre comment organiser vos images et donner de la cohérence à vos cadrages. Laurie Excell explique avec clarté comment simplifier une scène, trouver un point d’équilibre et composer plus efficacement, quel que soit votre matériel.
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Serial photographer

Serial Photographer – Éric Forey
Un livre inspirant pour comprendre la force du travail en série. Éric Forey y partage sa méthode pour construire une cohérence visuelle, développer un thème personnel et créer un langage photographique identifiable. Accessible et stimulant, cet ouvrage aide à dépasser la simple photo isolée pour entrer dans une démarche d’auteur.
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Conclusion : regardez avant de déclencher

Vous souvenez-vous de cette question de lecteur citée en introduction : « Pourquoi mes photos n’ont rien d’exceptionnel ? ». Je vous le redis : ce n’est pas votre appareil photo qui est en cause. C’est votre regard.

En apprenant à penser composition photo avant de déclencher, vous transformez chaque scène ordinaire en une image forte. Vous ne photographiez plus pour montrer, mais pour raconter. Et c’est ce qui change tout.

Ces 25 principes ne sont pas des règles rigides. Ne cherchez pas à les appliquer à la lettre l’un après l’autre. Ce sont des pistes. Des principes. Des moyens d’éveiller votre regard, de vous faire comprendre pourquoi une image fonctionne… et pourquoi une autre est quelconque. Vous n’avez pas besoin de tout retenir.

Un seul principe appliqué avec intention peut suffire à faire basculer la qualité de vos photos.

La prochaine fois que vous lèverez votre boîtier, oubliez les réglages. Oubliez le matériel. Demandez-vous simplement : Qu’est-ce que je veux montrer ? Comment vais-je le montrer ?

C’est ce rapport silencieux entre vous et votre image qui fera toute la différence. Et c’est ainsi qu’une photo correcte deviendra, enfin, une photo remarquée. Ça vaut le coup d’essayer, non ?

Photographier avec son Nikon D810 est le guide technique sur le reflex Nikon du même nom et écrit par Vincent Lambert.

Comme les précédents guides de la même collection, cet ouvrage vous livre les secrets du reflex pro de la gamme Plein Format Nikon et vous explique comment bien l’utiliser.

Les guides pratiques sur les reflex ne sont plus très nombreux désormais car il y a un vrai paradoxe en la matière : les boîtiers sont renouvelés rapidement par les marques et les auteurs ont besoin de temps pour écrire des guides pertinents, deux critères difficiles à maîtriser pour toucher un grand nombre de lecteurs, gage de rentabilité économique.

De plus, bien que les nouveaux boîtiers soient de plus en plus performants et automatisés, ils s’avèrent de plus en plus complexes à utiliser, d’où des guides de plus en plus épais au tarif final élevé.

Vincent Lambert fait partie de ces photographes qui relèvent néanmoins le défi, et l’auteur, également formateur à la Nikon School, vous propose un guide du Nikon D810 pour le moins complet et qui vient compléter l’offre existante (voir le Guide du D810 de Bernard Rome).

Au-delà de la pertinence des propos et des différents chapitres du livre, j’ai bien aimé l’angle sous lequel l’auteur présente les choses. Plutôt que de passer en revue les fonctions et de vous dire comment les utiliser, il s’est focalisé sur les grandes thématiques avec une approche résultat.

Au lieu de décrire ‘comment utiliser la mesure de lumière‘ il vous propose de voir ‘comment bien exposer vos photos‘ par exemple. Et la même approche est utilisée tout au long du guide.

Autofocus

L’autofocus du Nikon D810 est un ensemble à lui tout seul : comment obtenir une image nette, comment utiliser la bonne fonction selon le type de photo, autant de questions auxquelles vous trouverez la réponse dans le second chapitre (le premier est consacré à la présentation du boîtier)

Retenez que si l’autofocus du D810 est très performant, Vincent Lambert n’occulte pas pour autant les modes de mise au point manuelle et de retouche du point. Avec 36Mp et autant de capacités, l’automatisme aide mais ne saurait remplacer le photographe, autant découvrir l’étendue des possibilités qui vous sont offertes en la matière.

Mesure de lumière

Un autre module complet et complexe ! Comment bien exposer tout en tenant compte des contraintes de la haute définition liée aux 36Mp, des besoins de ne pas descendre trop bas en vitesse pour risquer le flou de bougé ou comment tenir compte de la dynamique du capteur du D810 (jusqu’à 13 IL en RAW 14 bits pour 8 seulement en JPG dynamique moyenne, page 103).

Au-delà du réglage d’exposition, ce sont aussi les aides au réglage qui sont abordées comme l’histogramme, le D-Lighting et les différentes variations possibles de tous ces critères.

Flash intégré et flash i-TTL

Photographier au flash avec le Nikon D810 ? Bien sûr, et vous allez découvrir tout ce qu’il vous faut savoir pour vous en sortir sans griller vos images ni vous perdre dans des calculs savants d’exposition.

Mode Vidéo

S’il y a un sujet qui est assez mal traité dans la plupart des guides reflex, c’est bien la vidéo. Ecrits bien souvent par des photographes qui manquent de recul sur la vidéo, ces fonctions sont à peine présentées la plupart du temps.

J’ai eu l’agréable surprise de constater qu’ici ce n’est pas le cas du tout. Vincent Lambert a pris le soin de détailler ce mode de telle façon que vous allez irrémédiablement avoir envie de le tester !

Le mode vidéo du D810 est à peu près aussi complet et complexe que le mode photo, et il vous faut quelques repères préalables si vous voulez le maîtriser. Mais vous trouverez dans le guide bien plus que le B-A-BA habituel pour vous en sortir. Ne sont pas oubliés non plus les accessoires indispensables aux tournages vidéos !

Optimisation du Rendu

S’il est un sujet sensible en matière de photo, c’est bien celui du rendu des images. Qu’il s’agisse d’utiliser les Picture Control dont certains se demandent encore pourquoi ils sont là ou de laisser libre cours à votre sensibilité, toutes les variations sont permises. Mais tous les résultats ne sont pas beaux à voir.

Le chapitre dédié au sujet du rendu vous guidera dans le choix des bons paramètres pour obtenir des images qui vous correspondent, en utilisant les fonctions intégrées du boîtier comme les capacités de post-traitement offertes par le format RAW.

Quels objectifs pour le Nikon D810

Ce guide ne serait pas vraiment complet s’il ne faisait un tour d’horizon des objectifs utilisables avec le D810. Sans être un guide Objectifs dédié comme peut l’être celui de JMS – par exemple Nikon D800, objectifs conseillés – il y a matière à faire le bon choix en toute connaissance de cause. Ou à vous rassurer sur la compatibilité de vos optiques si vous envisagez l’achat du boîtier.

Fichiers et post-production

Une bonne image finissant toujours par passer dans un logiciel de post-traitement, vous trouverez l’essentiel de ce qu’il vous faut savoir sur le traitement des fichiers issus du D810 dans DxO et dans Lightroom. Ce n’est pas non plus un guide complet de traitement des fichiers RAW mais les notions présentées vous aideront à voir clair dans votre flux de post-production.

Exemples de configurations

Après un chapitre un peu anecdotique consacré à l’entretien du boîtier, la toute dernière partie de l’ouvrage vous propose des exemples de configurations. Excellente initiative qui permet de résumer en quelques pages les usages les plus courants et vous donne des exemples à suivre pour bien démarrer.

Un tel boîtier nécessite d’être réglé à votre main, mais ces configurations sont de bons points de départ si vous êtes un peu perdu avec votre nouveau reflex pro !

En conclusion

Si vous découvrez votre D810 et que le manuel utilisateur vous rebute – je vous comprends – ce guide s’avérera un excellent moyen de vous faire plaisir. L’approche est simple, détaillée, précise. L’auteur a su se mettre à la portée de tous les photographes quel que soit leur niveau.

Présenté sous un format compact, ce guide reste dense avec une maquette chargée et des pages bien pleines. De nombreux encarts permettent toutefois de mettre en évidence les notions essentielles, favorisant la lecture et l’apprentissage. Les textes auraient mérité une police de caractères un peu plus grande, au détriment du nombre de pages et du tarif probablement par contre.

Vous voulez profiter pleinement de votre Nikon D810, faire de meilleures photos et comprendre les notions les plus avancées de votre boîtier ? Ce guide est un excellent outil pour y arriver !

Vous pouvez vous procurer ‘Photographier avec son Nikon D810′ de Vincent Lambert chez Amazon ainsi que dans toute bonne librairie.

Vous aimez photographier les animaux mais vous ne savez pas comment procéder pour ne pas les effrayer ? Vous disposez d’un appareil photo et d’un téléobjectif ? Vous avez une voiture ? Voici une astuce pour utiliser sa voiture comme affût !

Mes lecteurs ont du talent ! J’ai reçu un message de Guillaume, un lecteur de Nikon Passion, qui m’a présenté sa démarche pour transformer sa voiture en affût pour la photographie d’animaux. Guillaume a répondu à l’appel à contribution lancé à tous les lecteurs.

Comme le sujet est intéressant, j’ai répondu à sa proposition de publication et voici le résultat. Ce petit tuto sans prétention vous livre une expérience personnelle que vous êtes libre de vous approprier. Vous allez voir que vous pouvez obtenir de bons résultats sans faire de frais.

Par Guillaume Warnet que vous pouvez retrouver sur 500px.

Comment utiliser sa voiture comme affût

Photographe amateur et passionné par le monde animal et la nature, j’ai cherché les meilleurs moyens pour faire des photos animalières en ayant le moins d’impact possible sur la tranquillité de vie  des animaux. Pas si tranquilles d’ailleurs face aux nombreux dangers qui les entourent, entre leurs prédateurs naturels et l’homme, il y a l’embarras du choix !

Je vis en appartement et je n’ai pas la chance d’avoir un balcon, un jardin ou une parcelle de terrain privé pour faire mes photos. Je suis donc forcé de sortir fréquemment pour pratiquer, récolter des informations sur les espèces animales ou pour faire mes photos.

Pas facile dans ces conditions de mettre en place un affût permanent ou semi permanent dans les parcs et jardins de la ville de Nantes ou des villes voisines ! A ce jour je n’ai eu aucune autorisation.

Je me suis donc rabattu sur La Billebaude, dans les parcs et étendues de verdures de la région Loire Atlantique. J’ai vite été confronté à un problème de performance de mon matériel photo. Mon zoom Nikon AF-S NIKKOR 55-300 mm monté sur le Nikon D3100 ne me permet pas de faire des photographies de trop loin. L’approche furtive est quasi impossible avec les oiseaux ou les mammifères tant ils sont craintifs. La pression permanente qu’ils subissent de la part de l’homme n’arrange pas la situation.

Que me restait-il comme solution ? Aucune ? Si, bien sûr ! J’ai continué mes recherches et mes lectures et j’ai découvert le Graal en photographie à l’affût : La voiture !

Pourquoi utiliser sa voiture comme affût pour les photos d’animaux ?

La voiture permet de faire de l’affût sans demander d’autorisation – à condition toutefois d’être garé sur une voie publique ou d’avoir l’accord du propriétaire du chemin ou de la ruelle concernée. La voiture peut servir pour la prise de vue, mais aussi pour faire du repérage à la jumelle sans se faire remarquer.

De plus, il n’y a aucun besoin d’installer un tas d’accessoires : la voiture est … mobile et il suffit de se déplacer pour faire de l’affût ailleurs si l’on fait chou blanc ou si l’on souhaite adopter un autre point de vue.

L’autre avantage d’utiliser une voiture comme affût, c’est qu’il est inutile de disposer d’objectifs de très longue focale : un 55-200 mm est suffisant. En effet, les animaux ont appris que les grosses masses (voitures) qui se déplacent sur les grosses bandes grises (bitume) sont inoffensives (sauf collision). Ils n’ont donc pas peur de s’approcher, parfois même de très près comme sur cette photo. Le lapin de garenne, habituellement très craintif, était ici à une distance de 15 mètres jusqu’à ce que des promeneurs le fasse partir.

Photo (C) Guillaume Warnet

Comment transformer sa voiture en affût pour la photographie ?

Rien de plus simple : ça ne va vous coûter que quelques euros. Il vous faut investir dans 3 objets indispensables :

• 1 filet de camouflage de 2 x 1 mètres
• 1 bean-bag (à faire vous-même) pour caler l’objectif et éviter les vibrations
• 1 bouteille d’eau (pour vous hydrater !)

Voici comment je procède pour chacune des séances.

Photo (C) Guillaume Warnet

Arrivé à bon port j’éteins le moteur (!). J’installe mon filet en le coinçant dans les portes avant et arrière pour qu’il me dissimule au mieux. J’ouvre la fenêtre du côté du filet et j’installe mon bean-bag. Je règle mon matériel photo, je l’installe et … j’attends !

L’affût voiture, avantages, inconvénients

Où faire des photos d’animaux depuis une voiture ?

Vous pouvez vous poser partout en France sur les routes publiques sans demander d’autorisation préalable, à condition de ne pas créer de danger sur la route. Evitez la bande d’arrêt d’urgence de l’autoroute pour photographier la jolie Buse Variable sur son poteau !

Ce type d’affût a un véritable avantage : il peut servir en bordure de forêt, en bordure de champs, en ville, en bordure de parc ou jardins un peu isolés. Et même chez vous si vous avez du terrain et qu’il y a des passages d’animaux sauvages. ou encore si vous n’avez ni le temps ni l’envie de construire un affût.

Quand faire des photos d’animaux ?

Vous pouvez photographier ainsi n’importe quand, de l’aube à l’aurore, privilégiez quand même le moment où les animaux sont de sortie ! Rien ne sert d’affûter en voiture en plein soleil aux beaux jours, les animaux ne sont pas fous : ils restent dans leurs abris au frais.

Votre voiture peut vous servir d’affût toute l’année, mais pour ne pas rentrer bredouille il vous faut connaitre les habitudes des animaux à chaque période de l’année, leurs lieux de passage, de nourrissage et/ou de couchage.

Même en voiture, il n’y a pas de miracles mais parfois des coups de chances. J’ai pu voir parfois un pic vert à moins de 10 mètres grâce à mon affût, ou même un couple de geai des chênes, sans les prendre en photos puisque je n’étais qu’en observation à ce moment là !

Avantages

Nous possédons presque tous une voiture ou pouvons en emprunter une :

• cela vous demande peu de travail pour tout mettre en place,
• cela n’effraye pas les animaux,
• le confort est fonction de la voiture mais c’est mieux qu’un affût extérieur – surtout s’il fait froid,
• vous pouvez vous restaurer au sec durant les longues attentes.

Inconvénients

• lorsqu’il pleut, l’eau peut rentrer par la fenêtre,
• vous êtes limité aux zones publiques sauf accord du propriétaire du terrain concerné,
• l’utilisation du trépied est impossible sauf à posséder un fourgon aménagé.

Pour en savoir plus sur la photo d’animaux, n’hésitez pas à consulter le guide d’Erwan Balança intitulé Les secrets de la photo d’animaux.

Merci à Guillaume Warnet pour ces conseils, je vous rappelle que vous pouvez découvrir ses photos sur son compte 500px.

Dans « Les secrets de la photo d’animaux« , vous allez découvrir comment photographier les animaux, quel matériel photo choisir, comment réussir vos photos en pleine nature, autant de questions qui reviennent régulièrement dans vos questions.

Erwan Balança, l’auteur, répond à toutes vos questions, mais il ne s’arrête pas là. Il vous propose en effet d’apprendre à ouvrir les yeux, à regarder, à vous comporter de façon à faire de meilleures photos.

Note : une nouvelle édition de ce livre est parue depuis la publication de cette chronique, vous la trouverez ici.

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Les secrets des bonnes photos d’animaux : présentation

Erwan Balança, que certains ont pu croiser sur le stand Nikon Passion au Salon de la Photo, est un des photographes pros en France spécialisé dans la photo de nature et d’animaux. Vous avez peut-être déjà parcouru son précédent ouvrage Le grand livre de la photo nature, et si c’est le cas, vous avez pu remarquer la qualité du travail réalisé.

Erwan Balança nous revient avec un ouvrage qui s’inscrit dans la collection  Les secrets de … proposée par les éditions Eyrolles. Ici, c’est d’animaux dont il s’agit, et uniquement d’animaux.

Si la première partie du guide vous présente tout ce que vous devez savoir en matière de choix techniques – quel boîtier, quels objectifs, quels accessoires – la seconde traite du comportement du photographe en situation, sur le terrain.

Car c’est bien là qu’est l’intérêt de l’ouvrage : les choix techniques sont une chose, avoir le bon matériel est important, mais au-delà du simple matériel, savoir observer, s’approcher des animaux, les photographier est une autre affaire. Et c’est ça qui fait la bonne photo plus que le matériel.

Choisir le bon matériel

Vous cherchez à savoir quel matériel choisir pour la photo d’animaux ? Rassurez-vous, ce sujet est bien traité tout au long des 12 premiers chapitres. Vous allez apprendre à choisir le bon boîtier (contrairement aux idées reçues, le format DX n’est pas toujours la panacée), à utiliser les bons objectifs (les télés ne font pas tout) et à opter pour les bons accessoires.

J’ai particulièrement apprécié l’approche pragmatique de l’auteur qui n’incite pas à la débauche de matériel nécessairement : vous verrez que vous pouvez faire de bonnes photos avec l’objectif standard de votre boîtier. Et que vous pourrez ensuite faire des choix complémentaires selon vos envies et votre budget.

La photo d’animaux n’est rien sans quelques connaissances de base. Vous allez donc apprendre aussi à régler l’exposition et à corriger manuellement selon la situation. Vous découvriez en quoi la gestion de la lumière naturelle est critique (dans la nature, difficile de faire autrement !) et vous apprendrez à cadrer et à construire vos images.

La photo animalière

Nous voici au cœur du sujet : les secrets de la photo d’animaux sur le terrain. Erwan Balança a pris le temps de détailler tout ce qui a de l’importance dans la réussite de votre sortie photo. L’approche, l’affût, la façon de déclencher (à distance ou pas) sont autant de notions à maîtriser.

Photos d’animaux ? Oui mais lesquels ?

Vous n’allez pas photographier de la même façon un oiseau et un chevreuil ! L’auteur vous incite à adopter une démarche personnelle. Commencez par la photo d’animaux au fond de votre jardin (ou du parc proche de chez vous). Vous allez voir que vous pouvez déjà faire de bien belles photos sans aller trop loin.

Après les oiseaux du jardin, photographiez les mammifères : découvrez quels sont ceux que vous pouvez approcher sans peine (ni crainte) et ceux qui sont plus craintifs (et dangereux). A vous alors les photos en pleine campagne, dans la montagne, lors d’un safari à l’autre bout du monde !

Pour illustrer ses propos, l’auteur a choisi bon nombre de ses photos. C’est essentiel et apporte un vrai plus à l’ouvrage en vous montrant ce que vous pouvez obtenir en suivant les conseils donnés. J’ai apprécié également la dernière partie du guide qui présente en détail douze photos : ces images expliquées sont autant d’exemples à reproduire. Vous y trouverez :

• le contexte de la prise de vue
• le type d’affût
• l’observation préalable ayant conduit à la photo
• le matériel utilisé
• les règles techniques mises en œuvre par le photographe

Le guide se termine sur un calendrier très pratique qui liste quelles sont les périodes propices pour photographier les différents animaux. Sachez qu’en octobre, période à laquelle j’écris cette revue, les chevreuils commencent à perdre leur bois, le hérisson est très actif et le phoque met bas !

En conclusion

Voici un guide pratique qui mérite d’être découvert si vous vous intéressez à la photo d’animaux. Proposé à un tarif très attractif par l’éditeur (22 euros prix public) vous en aurez pour votre argent.

Le contenu est bien agencé, complet, richement illustré. Comme pour de nombreux autres guides pratiques, je regrette l’absence de fiches détachables permettant d’avoir avec soi les quelques rappels fondamentaux. Mais vous aurez vite fait de vous constituer votre propre série de fiches pendant la lecture pour compenser cette absence.

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La nuit est un terrain de jeu fascinant pour les photographes. Quand la lumière baisse puis disparaît, les couleurs changent, les ombres s’allongent et chaque source lumineuse devient un point d’intérêt. Pourtant, réussir ses photos de nuit demande plus que du matériel : il faut comprendre comment la lumière se comporte, comment l’appareil réagit, et surtout comment traduire cette atmosphère unique. Voici comment obtenir des images nettes, équilibrées et expressives, même sans trépied ni boîtier haut de gamme.

Pourquoi photographier la nuit change tout

La photographie de nuit permet de capturer un monde invisible le jour. Quand la lumière baisse, les formes changent, les couleurs se saturent, les ombres deviennent matière. Les sources lumineuses artificielles montrent l’espace différemment, la scène est plus contrastée, plus dramatique. Photographier la nuit, c’est saisir cette transformation du réel, quand la ville ou le paysage prennent un visage nouveau.

C’est aussi un exercice technique exigeant, qui pousse à comprendre la lumière et à la maîtriser plutôt qu’à la subir. Vous devez composer avec le manque, apprendre à doser le temps de pose, à anticiper le moindre mouvement. Chaque image devient alors le résultat d’un choix conscient, lent, réfléchi.

Mais la photo de nuit, c’est surtout une expérience sensorielle. Le silence, les couleurs du bitume mouillé, la respiration de la ville, tout cela participe à une autre manière de voir. C’est souvent dans cette ambiance que naissent les images les plus fortes, celles qui racontent ce que la lumière du jour efface.

Photographier la nuit, c’est saisir cette transformation du réel, quand la ville ou le paysage prennent un visage nouveau.
Pour aller plus loin sur cet aspect poétique et visuel, découvrez Photo de nuit, pourquoi la magie commence quand le soleil se couche.

Préparer sa séance photo nocturne

Le matériel utile mais pas indispensable

La photo de nuit ne s’improvise pas totalement. Une image réussie dépend souvent d’une bonne préparation, car les conditions lumineuses changent vite et la marge d’erreur est faible. L’heure, d’abord, joue un rôle essentiel. Quelques minutes de différence peuvent transformer complètement le rendu d’une scène. Entre la tombée du jour et la nuit noire, les couleurs, les reflets et les contrastes évoluent sans cesse.

Quand la lumière disparaît, les règles changent. Vous ne pouvez plus compter sur des temps de pose courts ni sur de faibles sensibilités ISO. Il faut alors composer avec ce manque de lumière, en allongeant le temps de pose, en ouvrant davantage le diaphragme ou en augmentant la sensibilité. Tout est affaire de compromis, de dosage et d’équilibre entre ces trois paramètres.

Le choix de l’objectif compte beaucoup. Une courte focale présente plusieurs avantages : elle limite les effets du flou de bougé à temps de pose équivalent, elle tolère mieux les imprécisions de mise au point, et elle reste plus légère, donc plus stable à main levée. Sur le plan esthétique, elle permet aussi d’intégrer le décor à la scène, ce qui donne souvent plus de force à une image nocturne qu’un cadrage trop serré.

Avant de sortir, prenez le temps d’observer votre lieu de prise de vue lors d’une phase de repérage. La météo peut changer vos plans : un ciel chargé ou une averse soudaine peuvent transformer l’ambiance — ou ruiner la séance. Les applications météo suffisent pour anticiper, mais une application PhotoPills (iOS et Android) vous aidera à planifier plus précisément vos prises de vue selon la position du soleil, de la lune et la quantité de lumière ambiante.

Enfin, pensez à l’énergie (du boîtier, pas la vôtre, hein ?). Le froid et les poses longues sollicitent fortement les batteries. Emportez-en toujours une de rechange. Une batterie vide au moment où la lumière devient idéale, c’est une frustration qu’il vaut mieux éviter.

Les bons réglages : temps de pose, ouverture, ISO

En photo de nuit, l’exposition devient un véritable exercice d’équilibriste. Il faut jongler entre le temps de pose, l’ouverture et la sensibilité ISO pour obtenir une image nette, contrastée et vivante.

Temps de pose et stabilité

Le temps de pose, d’abord, est votre meilleur allié. Il permet de compenser le manque de lumière, mais au-delà d’une certaine durée, il devient votre pire ennemi. Trop long, il transforme les sujets mobiles en silhouettes floues, et amplifie le moindre tremblement de main.

Mieux vaut accepter de perdre un peu de profondeur de champ que de rater la netteté.

Le temps long, en revanche, devient créatif quand il est maîtrisé. En photographie d’étoiles, par exemple, quelques minutes suffisent pour révéler la rotation de la Terre. Les étoiles tracent alors de magnifiques cercles autour de la Polaire. Pour un ciel fixe et détaillé, il faut au contraire réduire le temps de pose, fermer un peu le diaphragme et augmenter la sensibilité ISO.

Sensibilité ISO et gestion du bruit

Les boîtiers modernes supportent très bien les hautes sensibilités. N’hésitez pas à monter à 6 400 ISO, voire davantage, et à photographier en RAW. Vous réduirez facilement le bruit numérique ensuite, avec un logiciel de post-traitement ou une solution spécialisée comme DxO PureRAW.

Si vous souhaitez conserver une grande profondeur de champ, le trépied devient indispensable. Il vous permet de prolonger le temps de pose sans craindre le flou, à condition de désactiver la réduction de vibrations de l’appareil et de l’objectif. Un déclencheur à distance ou le retardateur évitent de transmettre des vibrations au moment du déclenchement. L’application mobile du constructeur, comme SnapBridge chez Nikon, fait très bien le travail.

Ouverture et rendu des sources lumineuses

L’ouverture influence directement le rendu des sources lumineuses. Au-delà de f/6.3, les points lumineux se transforment en étoiles, ajoutant une touche poétique à vos images sans aucun filtre. Sur trépied, laissez la sensibilité ISO à 100 ou 200. À main levée, montez franchement en ISO et ouvrez grand : un objectif fixe lumineux, f/1.8, f/1.4 ou f/1.2, fera la différence.

Balance des blancs et mise au point

La balance des blancs influence profondément l’ambiance de vos photos de nuit. Elle agit comme un filtre invisible qui modifie la température des couleurs et l’équilibre général de l’image (mais bien mieux que les horribles filtres Instagram).

Si vous travaillez en RAW et maîtrisez un minimum le post-traitement, le plus simple est de laisser la balance des blancs en automatique. Vous pourrez ensuite affiner la tonalité exacte sur ordinateur, en fonction de l’atmosphère que vous souhaitez restituer.

En revanche, si vous préférez obtenir un rendu fidèle directement à la prise de vue, prenez le temps d’expérimenter. Sous les néons ou les lampadaires, chaque source de lumière a sa dominante — parfois verte, jaune, ou orangée. Le mode “Tungstène” donne souvent de très beaux résultats, surtout si vous sous-exposez légèrement d’un ou deux tiers d’IL. C’est une manière simple de réchauffer les couleurs tout en renforçant les contrastes.

La mise au point, quant à elle, devient plus délicate dans ces conditions. Même si les hybrides récents sont capables d’assurer la mise au point automatique en très faible lumière, l’autofocus a besoin de lumière et de contraste pour fonctionner correctement. Quand la scène en manque, il patine, cherche, hésite. Dans ces cas-là, mieux vaut repasser en mode manuel.

Les appareils hybrides facilitent grandement ce travail grâce au viseur électronique. Le focus peaking, la loupe de mise au point et l’aperçu direct vous permettent d’ajuster avec précision la zone de netteté. Vous voyez instantanément si le sujet est net.

Sur un reflex, le mode Live View reste la meilleure option : il affiche l’image en temps réel sur l’écran arrière et vous aide à caler la mise au point là où vous le souhaitez. Prenez quelques secondes pour vérifier vos images, zoomer dans la zone critique, et corriger si nécessaire. À la nuit tombée, ces vérifications font toute la différence entre une photo approximative et une photo maîtrisée.

Exploiter les lumières de la nuit

La nuit, la lumière devient matière. Ce ne sont plus le soleil et ses reflets qui guident la photo, mais une multitude de sources artificielles qu’il faut apprendre à observer et à apprivoiser. Ces éclairages offrent une richesse insoupçonnée, tant par leurs couleurs que par leurs contrastes. En ville, ils transforment les rues en studios à ciel ouvert. Leur intensité permet souvent de retrouver des réglages proches de ceux du jour : la sensibilité ISO peut rester basse, l’ouverture modérée, et le trépied n’est plus toujours indispensable. Ne le répétez pas mais c’est ma pratique photo préférée en ville !

L’avantage de ces scènes urbaines éclairées, c’est la liberté qu’elles offrent. Vous pouvez travailler à main levée, jouer avec les passants, les reflets, les mouvements. Les sujets flous, les silhouettes qui se croisent ou disparaissent deviennent partie intégrante de la composition. Une photo légèrement imparfaite, mais vivante, raconte souvent bien plus qu’une image trop nette et figée. Observez les photos qui illustrent cet article, la plupart ont été faites dans cet esprit.

Eclairages urbains

Chaque source lumineuse a sa personnalité. La lampe de poche ou la lumière du smartphone créent un effet intime, presque théâtral, idéal pour révéler les textures ou souligner un visage dans l’obscurité. Les réverbères, eux, dessinent des zones de contraste marqué : ils mettent en valeur les détails invisibles le jour et donnent du relief aux façades ou au pavé mouillé.

Lune, vitrines et phares de voiture

La lune, plus subtile, diffuse une lumière douce et froide. Elle adoucit les ombres, simplifie la palette des couleurs et installe une ambiance silencieuse, presque irréelle. Les vitrines, à l’inverse, éclaboussent de teintes vives : elles offrent des reflets, des silhouettes et des compositions graphiques à exploiter.

Et puis il y a la circulation. Les phares des voitures deviennent des pinceaux lumineux : un temps de pose d’environ 1/15 s suffit pour peindre des filets rouges et jaunes sur la chaussée. Avec un trépied, vous pouvez prolonger cette trace, transformer la route en ruban de lumière, et révéler la vie qui continue quand tout semble endormi.

Sources de lumière à exploiter

Lumière de lampe de poche ou de smartphone
Pour un effet intime et localisé. Idéale pour créer des ombres profondes, révéler une texture, ou modeler un visage dans l’obscurité.

Lumière des réverbères
Pour structurer la scène avec des contrastes nets. Utilisez-les pour dessiner des ombres, souligner un détail architectural ou créer des effets de mouvement.

Lumière de la lune
Pour un rendu doux, presque poétique. Parfaite pour donner une atmosphère romantique et jouer sur les nuances de gris et de bleu.

Lumière des vitrines
Pour un rendu graphique et coloré. Les vitrines offrent des reflets, des contrastes marqués et des silhouettes à contre-jour.

Où photographier la nuit : lieux et ambiances inspirantes

La réussite d’une photo de nuit tient souvent autant au lieu qu’à la lumière. Certaines scènes ne se révèlent qu’à la tombée du jour : un pont éclairé, une ruelle déserte, une façade qui prend vie sous les néons. Commencez par explorer les réseaux sociaux et les forums de photographes, non pas pour copier les images des autres, mais pour repérer les ambiances qui vous inspirent. Les cartes ou les hashtags liés à votre ville permettent souvent de découvrir des points de vue insoupçonnés.

Ne négligez pas les lieux plus discrets. Une zone industrielle en périphérie, une petite gare, un parking vide ou une route bordée de lampadaires peuvent devenir des terrains de jeu passionnants. Ces endroits moins fréquentés vous laissent le temps d’installer un trépied, de composer sereinement, et d’expérimenter sans contrainte.

Enfin, observez la lumière avant même de sortir votre appareil. Revenez à différents moments de la soirée pour voir comment la scène évolue : certaines vitrines s’éteignent tôt, d’autres se reflètent mieux quand la rue est encore humide après la pluie. C’est dans cette observation patiente que naissent les images les plus singulières — celles qui portent votre regard et non celui des autres.

Erreurs fréquentes à éviter la nuit

Photographier la nuit n’est pas qu’une question de technique. Trois erreurs reviennent souvent :

• sous-exposer trop fortement sans vérifier l’histogramme,
• se fier aveuglément à la balance des blancs automatique,
• négliger la stabilité à main levée.

En corrigeant simplement ces points, la majorité des photos nocturnes gagnent en clarté, en contraste et en expressivité.

Foire aux questions sur la photo de nuit

Faut-il un trépied pour les photos de nuit ?
Pas toujours. Le trépied reste indispensable pour les poses longues, les paysages urbains fixes ou les effets de filé lumineux. Mais les stabilisations des boîtiers et des objectifs actuels permettent de réussir de belles photos à main levée, surtout si vous augmentez la sensibilité ISO et choisissez une focale courte. L’important, c’est de rester stable : appuyez-vous contre un mur, posez l’appareil sur une surface plane ou utilisez le retardateur pour éviter les vibrations.

Quel mode utiliser pour la photo de nuit ?
Le mode Manuel (M) reste le plus complet : il vous permet d’équilibrer temps de pose, ouverture et ISO en fonction du rendu recherché. Le mode Priorité Ouverture (A ou Av) est aussi très pratique si vous souhaitez simplement gérer la profondeur de champ et laisser l’appareil ajuster le reste. Évitez les modes automatiques, souvent trompés par les fortes différences de luminosité.

Quelle est la meilleure heure pour les photos de nuit ?
L’heure bleue, juste après le coucher du soleil, reste le moment le plus riche en nuances. Le ciel garde encore un peu de lumière tandis que les éclairages urbains commencent à s’allumer. C’est à ce moment précis que la scène gagne en contraste et en profondeur sans être totalement noire. Plus tard dans la soirée, l’ambiance change : la lumière se raréfie, les ombres s’épaississent et l’atmosphère devient plus dramatique.

Comment éviter le bruit numérique sur les photos de nuit ?
Photographiez en RAW, exposez légèrement à droite de l’histogramme et utilisez un logiciel de réduction du bruit au traitement, comme DxO PureRAW ou Lightroom. Évitez de sous-exposer, car éclaircir ensuite amplifie le bruit.

Comment gérer les sources lumineuses trop fortes ?
Réduisez légèrement l’exposition ou fermez le diaphragme (f/8 à f/11) pour éviter la surexposition. Une faible ouverture transforme aussi les points lumineux en étoiles, un effet esthétique souvent recherché en photo de nuit.

Ressources pour aller plus loin

Si la photo de nuit vous attire, vous aimerez sans doute mes autres tutoriels sur la photo en basse lumière ou la photo de rue. Ils vous aideront à mieux comprendre comment la lumière influence vos images, de jour comme de nuit — et à progresser à votre rythme, sans changer de matériel.

Je vous recommande aussi le livre Les secrets de la photo de nuit – Le guide par Vittorio Bergamaschi.

Ce guide pratique se distingue par son approche double : technique et esthétique. Il vous accompagne pas à pas pour apprivoiser la nuit comme sujet photographique, en explorant à la fois les réglages précis (temps de pose, ouverture, ISO, trépied) et l’atmosphère propre aux heures sombres (lumières urbaines, ciel étoilé, réflexions). Son intérêt principal : vous permettre de transformer la contrainte d’un faible éclairage en véritable opportunité créative, en faisant de la nuit un terrain d’expérimentation riche et maîtrisé.

Vous aimez le portrait photo mais vous ne savez pas comment régler votre appareil photo, vous positionner, gérer la lumière pour réussir vos photos. Vos premiers essais ne sont pas satisfaisants.

Qu’il s’agisse de saisir l’instant présent ou de sublimer un sujet, la pratique du portrait nécessite quelques connaissances,voici ce qu’il faut savoir, le matériel utile et les réglages à utiliser ainsi que les principales erreurs à éviter.

Après la photo de paysage, la photo de rue, la photo en basse lumière et la photo de vacances, voici un nouveau sujet sur le portrait photo. Ces quelques conseils, simples et applicables quel que soit votre niveau, vont vous permettre d’obtenir un bon résultat dans la plupart des cas.

Il ne vous restera plus ensuite qu’à laisser libre cours à votre créativité, à obtenir de vos modèles l’émotion nécessaire pour que la photo soit encore plus intéressante. Vous pouvez suivre un stage sur le portrait photo ou vous procurer des livres sur la photo de portrait comme Les secrets de la photo de portrait et l’éclairage pour la photo de mode et de portrait pour en savoir plus.

Quel matériel choisir pour réussir un portrait photo

Comme pour chaque pratique photographique, le portrait photo nécessite un équipement particulier. Si le boîtier importe peu, tous permettent de réussir un portrait photo, le choix de l’objectif est plus critique. En effet, l’objectif utilisé définit le rendu de votre portrait, deux paramètres sont à considérer, la focale et l’ouverture.

La focale

La focale que vous allez utiliser pour faire un portrait photo est très importante (voir Quel objectif choisir pour le portrait chez Fotoloco). Si vous utilisez un objectif grand-angle avec une focale inférieure à 28 mm, et que votre sujet est proche de vous, vous constaterez une distorsion, plus ou moins accentuée selon la focale, qui peut dénaturer les formes de votre sujet. Je vous recommande de prendre vos portraits avec un objectif ayant une focale de 50 mm ou plus. Vous n’aurez alors aucun problème de distorsion, et le sujet sera parfaitement restitué.

Si votre sujet est situé à quelques mètres, la distorsion propre aux courtes focales n’entre plus en jeu, ou si peu, et vous pouvez faire des portraits en plan plus large.

photo (C) Arnaud Pincemin

Par ailleurs, les objectifs à focale fixe disposent généralement d’un meilleur piqué que les objectifs zoom. Je vous conseille donc de vous équiper d’un objectif fixe 50 mm par exemple, ou 85 mm / 105 mm.

L’ouverture

L’ouverture de l’objectif est très importante pour la photographie de portrait. C’est ce paramètre qui vous permettra d’isoler votre sujet de l’arrière-plan, ce qui est primordial pour un portrait.

Veillez à utiliser un objectif qui dispose d’une grande ouverture (jusqu’à f/2.8 ou f/1.8 par exemple). Là aussi, les objectifs à focale fixe offrent généralement une ouverture plus grande que les objectifs zoom.

Si vous faites des portraits en studio, le flash peut être intéressant, de même qu’un éclairage supplémentaire, pour essayer plusieurs types de lumière. Pour en savoir plus, n’hésitez pas à suivre cette série de conseils pour faire du portrait en studio.

Comment régler votre boîtier pour réussir vos portraits

Les réglages du boîtier sont forcément différents entre une photo de paysage et un portrait. Mais comment bien choisir ces réglages ? Il existe quelques règles de base pour réussir vos portraits à coup sûr.

photo (C) Arnaud Pincemin

Pour un portrait, c’est le sujet qui importe et qui doit dominer sur le reste de l’image. Pour cela, vous devez régler votre ouverture à une grande valeur, par exemple f/2.8. Cela aura pour effet de mettre en avant votre sujet en l’isolant de l’arrière-plan (en savoir plus sur l’effet bokeh).

Si votre objectif vous permet d’aller jusqu’à f/1.8 ou même f/1.4, la profondeur de champ sera particulièrement courte, et vous n’aurez pas le droit à l’erreur sur la mise au point. Pour simplement isoler votre sujet de l’arrière-plan, une ouverture de f/4 ou f/3.5 peut être suffisante. Si par contre vous souhaitez mettre l’accent sur une partie du visage seulement, par exemple les yeux, alors une ouverture à f/1.8 est intéressante pour rendre le reste du visage légèrement flou.

La balance des blancs permet de restituer fidèlement les teintes de votre portrait. Selon les appareils photo, plusieurs modes de balance des blancs sont proposés. Dans l’absolu, l’idéal est de reprendre la balance des blancs en post-traitement pour obtenir les teintes que vous souhaitez. Mais si vous n’êtes pas à l’aise avec le post-traitement, vous pouvez utiliser les différents modes. Adaptez la balance des blancs en fonction des conditions d’éclairage.

Faites attention à effectuer correctement votre mise au point, car la profondeur de champ sera très réduite. Pour cela, je vous recommande d’effectuer votre mise au point sur l’œil le plus proche de l’objectif. Ainsi, vous êtes sûr d’obtenir une image où les yeux seront nets et piqués. Selon vos choix créatifs, vous pouvez également choisir de faire la mise au point sur une autre partie du visage, comme les cheveux par exemple.

Les portraits sont souvent faits lors de moments très brefs, où l’expression que vous souhaitez capter ne dure pas très longtemps (sauf si vous travaillez avec un modèle professionnel). Si votre modèle est en mouvement rapide, je vous conseille d’utiliser le mode rafale de votre appareil photo pour être sûr d’obtenir une série d’images où l’une d’elles représentera exactement l’expression recherchée. Il est en effet difficile d’obtenir dès la première prise le portrait parfait.

Pour capter le bon moment et obtenir une image nette, vous devez utiliser un temps de pose court. Selon les conditions de lumière, essayez d’utiliser le temps de pose le plus court que vous pouvez, sans pour autant sous-exposer le sujet. Vous pouvez vous baser sur la règle de l’inverse de la focale, en prévoyant une marge supplémentaire, afin de garantir une netteté parfaite.

Si par exemple vous shootez à 50 mm, vous pourrez obtenir une image nette à partir de 1/50 sec, mais je vous recommande d’utiliser un temps de pose d’au moins 1/80 sec, voire plus court si vous pouvez. L’idéal serait de ne jamais descendre à moins de 1/125 sec.

photo (C) Arnaud Pincemin

Comment bien composer un portrait

La photographie de portrait se doit d’être très bien composée, au même titre que la photographie de paysage. Veillez donc à respecter les règles de composition, afin que vos portraits soient parfaitement soignés.

Tout d’abord, gardez en tête la fameuse règle des tiers. Pour cela, imaginez deux lignes horizontales et deux lignes verticales qui séparent votre cadre en parts égales. Ces lignes sont appelées des lignes de force, et les intersections de ces lignes sont appelées les points de force de l’image. Essayez alors de placer votre sujet sur un des points de force de l’image pour renforcer l’impact visuel et faciliter la lecture de l’image.

En portrait, le cadre et le décor sont très importants. Il est nécessaire de présenter le sujet dans son environnement. Attention tout de même à laisser suffisamment de place au sujet pour qu’il domine et qu’il se détache du reste de l’image. Il ne faut pas non plus que votre arrière-plan occupe trop d’espace.

Vous devez également veiller à remplir votre cadre. A moins que vous ne souhaitiez délibérément isoler votre sujet, il est important que votre image soit remplie, pour obtenir un effet de proximité avec le sujet. Choisissez donc avec attention les éléments qui bordent votre sujet.

Dans un portrait, c’est en général le regard qui est important. Si votre sujet regarde au loin, il est conseillé de laisser de l’espace devant le visage et de ne pas placer le sujet en bord de champ, pour ouvrir l’image et améliorer sa composition.

photo (C) Arnaud Pincemin

Quelques astuces pour réussir un portrait photo

Tout le monde ne s’improvise pas portraitiste. Mais il existe certaines astuces pour vous permettre d’améliorer facilement vos portraits.

Si votre modèle n’est pas professionnel et n’a pas l’habitude d’être face à un objectif, essayez de le mettre à l’aise. Pour cela, n’hésitez pas à lui parler, à le faire rire, afin qu’il se détende. Vous pouvez aussi diffuser de la musique qu’il apprécie. Au bout de quelques instants, il pourra même oublier l’appareil photo en face de lui. Vous obtiendrez alors des poses plus naturelles, plus décontractées, et moins figées.

Pour rendre votre portrait plus impactant, vous pouvez couper une partie du visage. Il est souvent intéressant de couper une partie du front, afin d’obtenir une sensation de proximité avec le sujet.

Les yeux jouant un rôle crucial dans l’expression d’un portrait, il est décisif qu’ils soient bien visibles. Pour cela, vous pouvez demander à votre sujet de baisser légèrement la tête. Cela aura pour effet de donner plus d’importance aux yeux en ouvrant le regard vers l’objectif. En revanche, lorsque la tête est inclinée vers le haut, le visage est moins gracieux et les yeux sont moins visibles.

photo (C) Arnaud Pincemin

Et maintenant, à vous ! Quel est le problème que vous rencontrez en photo de portrait ?

La photo nature, ce sont des moments simples : animaux, paysages, fleurs, lumières changeantes. Où que vous soyez – au fond du jardin, en balade ou en voyage au bout du monde – la nature vous tend les bras.

Voici 23 conseils simples pour réussir vos photos et retrouver le plaisir de photographier sans vous compliquer la vie.

Vous trouverez aussi dans l’article quelques guides que je vous recommande pour aller plus loin.

À savoir avant de partir photographier la nature

La lumière du matin est la plus douce et la plus chaude : elle révèle les textures et les couleurs sans écraser les contrastes.

Privilégiez toujours les premières heures du jour ou la fin d’après-midi, surtout en forêt ou en montagne. Oui, il vous faut aussi un bon réveil.

Pensez à partir léger, avec un objectif polyvalent et une batterie pleine. Et souvenez-vous : les meilleures photos se font souvent quand on prend le temps d’observer avant de déclencher.

Apprivoisez la nature avant de photographier

Avant de penser réglages ou matériel, prenez le temps de comprendre ce que la nature vous offre. Chaque lieu a son rythme, sa lumière, son atmosphère. Ces premiers conseils vous aideront à regarder avant de déclencher.

Conseil n°1 : apprivoisez les lieux !

Trop de photographes déclenchent avant même d’avoir capté une émotion et la beauté du lieu.

Une fois que vous sentez bien le décor, appliquez les conseils ci-dessous.

Conseil n°2 : multipliez les cadrages et les prises de vue

Un paysage ne se photographie pas qu’en mode … paysage !

Si vous êtes dans un lieu fleuri, placer une fleur au premier plan et cadrer en hauteur peut avoir de l’intérêt. Le cadrage en hauteur donne de la grandeur à une scène, profitez-en.

Conseil n°3 : si vous débutez appliquez un principe de cadrage simple

Une règle de composition simple vous permet d’avoir une combinaison harmonieuse et équilibrée.

La plupart des appareils photo permettent d’afficher un quadrillage dans le viseur pour avoir des repères visuels.

Conseil n°4 : variez les points de vue

Bougez, déplacez-vous, baissez-vous, utilisez l’écran orientable de votre appareil photo, photographiez en plongée ou en contre-plongée.

Vos photos seront plus intéressantes et vous pourrez choisir la meilleure image dans une série.

Erreur fréquente : déclencher trop tôt. Beaucoup de photographes repartent sans avoir attendu le bon nuage, la bonne lumière ou le léger souffle de vent qui donne vie à la scène.

Conseil n°5 : utilisez le premier plan

Il y a toujours quelque chose à placer au premier plan de vos images (même dans le désert !) alors faites-le.

Cadrez une pierre, un tronc d’arbre, une feuille et donnez de la profondeur à vos images. Pensez à vous baisser pour que ce soit plus facile.

Une fois l’endroit apprivoisé, il est temps d’explorer comment varier vos cadrages et vos focales pour révéler tout son potentiel visuel.

Multipliez les cadrages avec différentes focales

Changer d’objectif, c’est changer de regard. Une même scène peut raconter plusieurs histoires selon la focale utilisée. Découvrez comment exploiter chaque angle de vue pour enrichir vos images sans bouger d’un mètre.

Conseil n°6 : cadrez très large avec un grand-angle

Un grand-angle est un objectif de courte distance focale qui donne un angle de vision plus large que celui de votre œil.

Le grand-angle permet d’adopter une vision (presque) panoramique. Optez pour un objectif de focale 24 mm ou moins (16 mm ou moins en APS-C), ou pour un 10 mm si vous préférez l’ultra grand-angle.

Le grand-angle accentue la perspective : les éléments proches paraissent plus grands, ceux du fond s’éloignent. Utilisé avec soin, cet effet donne une sensation d’immersion immédiate.

Conseil n°7 : utilisez un 50 mm

Le 50 mm vous donne la vue la plus réaliste possible d’un paysage.

Le 50 mm possède souvent une grande ouverture (f/1.8 ou f/1.4 ou f/1.2) qui autorise de jolis flous d’arrière-plan (bokeh). Il est utile quand la lumière manque à la tombée du jour.

Conseil n°8 : préférez un zoom transtandard polyvalent

Les zooms livrés en kit avec les boîtiers sont parfois limités en amplitude de focale (18-55 mm par ex.).

Choisissez plutôt un 18-140 mm (en APS-C) ou un 24-120 mm (en plein format) pour avoir de multiples possibilités de cadrage sans devoir changer d’objectif en permanence.

Sur le terrain, j’ai souvent remarqué qu’un simple changement d’angle de quelques centimètres transforme une photo banale en image forte. Essayez de photographier depuis le sol : la nature y paraît plus grande, plus vivante.

Et parce que la lumière transforme chaque image, voyons comment l’utiliser du lever au coucher du soleil pour sublimer vos compositions.

Maîtrisez la lumière du lever au coucher du soleil

En photo nature, tout commence et tout finit avec la lumière. Les heures dorées du matin et du soir offrent des nuances que vous ne trouverez jamais en plein jour. Voici comment en tirer parti.

Conseil n°9 : utilisez un objectif grand-angle

L’intérêt de ce type de photo est de capter la lumière particulière de ces moments-là et la scène.

Le grand-angle vous permet d’inclure dans la photo la scène entière et de rendre l’effet de lumière au mieux.

Conseil n°10 : soyez ponctuel !

L’aube et le crépuscule durent entre 15 et 45 minutes, il faut donc être sur place et prêt un peu avant et ne pas hésiter au moment fatidique.

Ensuite tout réside dans la rapidité d’exécution au bon moment, votre boîtier doit être réglé avant la prise de vue.

Conseil n°11 : utilisez un temps de pose long

Pour photographier l’heure bleue sans avoir un rendu laiteux peu agréable, il faut utiliser un temps de pose de l’ordre de 1 à 30 secondes.

En photo nature, on apprend surtout la patience. Attendre la bonne lumière, écouter le silence, respirer : ces gestes changent votre manière de photographier tous les autres sujets.

Quand la lumière se fait plus douce ou que le soleil disparaît, vous pouvez prolonger la magie avec la pose longue.

Créez des effets avec les poses longues

La pose longue révèle ce que l’œil ne perçoit pas : le mouvement de l’eau, la lenteur du vent, la respiration du paysage. C’est une autre manière de raconter la nature, plus poétique et contemplative.

Conseil n°12 : utilisez un trépied

Pour photographier avec un temps de pose long et obtenir l’effet laiteux désiré, il faut poser l’appareil sur un pied. Si vous n’avez pas de trépied, utilisez votre sac, un mur, un rocher, un bean bag (petit sac rempli de haricots), etc.

Conseil n°13 : relevez le miroir

Si votre boîtier le permet, utilisez la fonction qui permet de relever le miroir pour éviter le flou de bougé. Avec un hybride c’est plus simple, pas de miroir !

Conseil n°14 : choisissez une petite ouverture

Pour utiliser un temps de pose plus long, vous devrez utiliser une petite ouverture (par exemple f/16) qui vous donnera une belle profondeur de champ. Visez un temps de pose supérieur ou égal au 1/15ème de sec. et faites des tests.

Mais la nature, ce n’est pas que les grands espaces : les petits détails comptent tout autant. Passons à l’échelle du tout petit.

Capturez les détails de la nature

Un tronc moussu, une feuille dorée, une ombre sur la pierre… La beauté de la nature se cache souvent dans les détails. Ces conseils vous aideront à les isoler et à leur donner toute leur importance.

Conseil n°15 : passez au téléobjectif

La nature regorge de petits détails qui méritent d’être photographiés et complètent des images prises au grand-angle.

Utilisez la focale la plus longue de votre zoom (105 mm, 200 mm) ou un téléobjectif comme le 70-300 mm.

Conseil n° 16 : réchauffez l’atmosphère

Dans la nature, le vert est souvent la couleur dominante et a tendance à refroidir les tons.

Choisissez le réglage de balance des blancs Soleil ou Naturel au lieu du mode Automatique.

Conseil n°17 : utilisez un réflecteur

Dans les sous-bois la lumière fait défaut. Le flash intégré de votre boîtier a tendance à brûler la scène, il vaut mieux avoir avec vous un petit réflecteur qui renverra la lumière naturelle sur votre sujet.

Et si les détails vous attirent, les fleurs sont un terrain de jeu parfait pour explorer couleurs, textures et lumière.

Réussissez vos photos de fleurs

Photographier les fleurs, c’est photographier la finesse. Chaque pétale, chaque teinte réagit différemment à la lumière. Ces conseils vous aideront à rendre justice à leur fragilité sans tomber dans le cliché « à la Instagram ».

Conseil n°18 : préparez le décor

Nettoyez l’arrière-plan chaque fois que cela est possible en coupant les mauvaises herbes, les ronces ou en dégageant tout ce qui peut perturber la photo.

Utilisez un carton coloré pour constituer un fond uni facilement.

Conseil n°19 : peaufinez la profondeur de champ

Une grande ouverture (f/2.8 ou f/4) va mettre en valeur le sujet au détriment du fond.

Une ouverture réduite (f/16 ou f/22) permettra d’avoir tout le cadre net et la fleur avec.

Conseil n°20 : choisissez le bon moment de la journée

Préférez les ciels lumineux mais un temps un peu couvert aux ciels bleus très lumineux.

Les couleurs seront moins saturées, le contraste des images plus grand. Evitez de même le milieu de journée quand le soleil est à son maximum.

Enfin, si vous préférez rester à proximité, la nature s’invite parfois jusqu’à votre fenêtre. Les oiseaux sont de merveilleux sujets pour s’exercer à la patience et à la précision.

Photographiez les oiseaux depuis une fenêtre

Observer les oiseaux, c’est mixer discrétion et réactivité. Depuis votre fenêtre, vous pouvez créer un petit studio naturel pour des photos vivantes et spontanées, sans quitter la maison.

Conseil n°21 : attirez les oiseaux

Utilisez une mangeoire qui aura pour effet d’attirer les oiseaux au plus près en deux à trois jours. Placez la mangeoire près d’une fenêtre mais à proximité d’un support naturel pour disposer d’un cadre plus agréable pour vos images .

Conseil n°22 : soyez discret en cachant l’objectif

Pour ne pas effrayer les oiseaux il vous faut être discret. En perçant un trou dans un (vieux) rideau, vous pourrez masquer votre présence et laisser passer le fût de l’objectif uniquement. Choisissez le mode Live View pour cadrer plus confortablement le cas échéant. Vous pouvez aussi photographier les oiseaux depuis votre voiture pour rester discret.

Conseil n° 23 : choisissez un temps de pose court

Les oiseaux ne tiennent pas en place, une temps de pose d’au moins 1/400 ème de sec. est nécessaire pour figer les mouvements. Choisissez une sensibilité peu élevée pour avoir le meilleur niveau de détail possible dans vos images.

Vous avez maintenant toutes les clés pour pratiquer la photo nature dans différentes situations. Voici quelques réponses aux questions les plus fréquentes pour aller plus loin.

FAQ – Questions fréquentes sur la photo nature

Faut-il un trépied pour la photo nature ?
Oui, surtout si vous travaillez en basse lumière, à l’aube ou au crépuscule, ou pour créer des effets sur l’eau avec un temps de pose long.

Quel objectif choisir pour la photo nature ?
Un zoom transtandard (24-120 mm) couvre la majorité des situations. Ajoutez un téléobjectif (70-300 mm) pour les sujets lointains et un grand-angle (14-30 mm) pour les paysages.

Comment avoir un beau flou d’arrière-plan ?
Utilisez une grande ouverture (f/2.8 ou f/4) et éloignez le sujet du fond. Plus la distance est grande, plus le bokeh est doux.

Faut-il photographier en RAW ou JPG ?
En RAW pour retravailler les lumières et les couleurs ; en JPG pour publier rapidement sans post-traitement.

A vous !

Pour ma part, j’ai toujours le même problème : me lever tôt pour photographier la nature, je ne suis pas du matin …

Dites-le-moi juste ci-dessous : et vous, quelle est votre plus grande frustration quand vous sortez photographier ?

Le photographe Michael Freeman vous propose un nouveau guide de sa collection Photo School. Découvrez comment apprendre la photo de rue, comment trouver des angles originaux et reconnaître les scènes d’intérêt.

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La photo de rue, Michael Freeman Photo School

La photo de rue – Street Photography – a le vent en poupe ! Poussés par l’arrivée d’appareils mobiles de plus en plus performants et de boîtiers hybrides plus discrets et compacts, nombreux sont ceux qui se sont mis à photographier au quotidien et durant leurs différents trajets.

Est-on pour autant Photographe de rue si l’on shoote à tout va avec son Smartphone ? Non, il suffit de regarder les images postées sur les différents réseaux sociaux dédiés à l’image pour s’en convaincre. L’écart est grand entre la masse d’images postées et les clichés des meilleurs Street Photographers du moment.

Après Bernard Jolivalt avec La Photo sur le Vif, c’est Michael Freeman qui vous propose une approche pragmatique pour apprendre la photo de rue, et comment vous approprier cet art photographique si particulier. Tout comme pour le précédent volume dédié à la Photo en Noir et Blanc, l’auteur a fait appel à plusieurs photographes qui apportent leur pierre à l’édifice. Leurs images et le détail de leur démarche vous permettront d’avoir des points de vue différents de celui de Freeman.

La photo de rue n’est pas qu’une affaire de matériel photo, c’est avant tout une question de comportement, d’état d’esprit, et c’est justement le sujet de la première partie de l’ouvrage. Comment passer inaperçu, comment s’approcher discrètement, comment être plus réactif. Autant de notions à acquérir si vous voulez capter l’instant décisif cher à Cartier-Bresson.

La seconde partie de l’ouvrage est consacrée aux différentes situations que vous pouvez rencontrer : les foires, les marchés, la foule, les fêtes ou encore les défilés. Autant d’occasions de photographier tout en profitant de l’ambiance du moment.

Saviez-vous que les moments de relâchement de vos sujets sont peut-être les plus intéressants à capter ? La troisième partie de l’ouvrage présente toutes ces situations lors desquelles la personne photographiée ne se rend pas compte qu’elle l’est. Et de ces images qui sont probablement les plus intéressantes à ramener.

S’il s’intéresse à la prise de vue, Freeman n’en oublie pas pour autant les éléments techniques indispensables. Plusieurs chapitres sont consacrés aux récents boîtiers très sensibles et à l’utilisation que vous pouvez en faire en photo de rue … de nuit. S’il ne s’agit pas pour autant d’un guide de la photo de nuit à part entière, vous y trouverez quand même bon nombre de conseils pour vos prises de vue dans les lieux publics comme les cafés, les boîtes de nuit ou les concerts.

Pour compléter votre formation, Michael Freeman vous propose une dernière partie qui vous aidera à développer votre créativité. Trouver des angles différents, exploiter les reflets, créer des effets dynamiques ou jouer avec la couleur sont autant de possibilités offertes par la photo de rue.

Comme dans les autres ouvrages de cette Photo School, ce volume comprend des challenges que vous devrez relever pour mettre en pratique. Vous pourrez également découvrir les images des photographes invités, et voir que la photo de rue présente bien des facettes. A vous de trouver votre propre style !

Mon avis sur ce livre de Michael Freeman

Cet ouvrage s’inscrit dans la lignée des précédents volumes de la série Photo School proposée par l’auteur. Avec près de 150 pages, un format presque carré assez sympa, une belle mise en page faisant la part belle aux images, ce nouveau guide pratique complètera à merveille votre collection.

Proposé à un tarif encore abordable par l’éditeur, c’est une belle opportunité d’apprendre la photo de rue si vous ne la pratiquez pas. Ou de revenir sur votre pratique pour trouver de nouvelles pistes, de nouvelles approches.

Nous avons particulièrement apprécié la diversité des regards proposés, l’ouverture faite par l’auteur sur les différentes façons de pratiquer la photo de rue. Nous aurions aimé trouver plus d’exercices pratiques sur le choix des photos dans une série en particulier, au retour d’une séance. Pour autant ce cours de Photo de Rue s’avère un bel outil pédagogique que nous vous recommandons si vous aimez développer votre pratique en parcourant les meilleurs ouvrages.

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Découvrez les secrets de l’optique avec « Les Fondamentaux de l’Optique – Cours Photo Eyrolles ». Ce manuel complet va vous permettre de maîtriser les principes d’optique relatifs à la photographie argentique et numérique.

Plongez dans 41 leçons fascinantes qui dévoilent tout, de la science fondamentale de l’optique aux techniques avancées pour éliminer les aberrations chromatiques.

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Les fondamentaux de l’optique : présentation

Quand vous allez parcourir ce guide, ne vous attendez pas de belles images détaillant les bases de la photographie comme j’ai l’habitude de les présenter (voir par exemple le Cours de Photo de Michael Freeman). Non, il s’agit bien ici de parler d’optique pour les … opticiens.

Attendez-vous à devoir décrypter formules mathématiques, figures optiques et autres schémas scientifiques. Cet ouvrage de référence s’adresse à ceux qui cherchent à comprendre pourquoi leur matériel arrive à faire une photo plutôt qu’à ceux qui veulent savoir comment faire de plus belles photos.

Ce guide des fondamentaux de l’optique s’adresse aussi et avant tout aux étudiants en photographie ainsi qu’à quiconque veut acquérir un bagage technique sur l’optique dans un contexte photographique.

La lecture peut vite s’avérer rébarbative si vous ne maitrisez pas un tant soi peu le vocabulaire scientifique et si vous n’êtes pas plus que cela intéressé par les formules optiques. L’éditeur nous dit avoir conçu cette version française d’un ouvrage édité en langue allemande en collaboration avec l’Ecole Louis Lumière. C’est un gage de qualité indéniable et force est de constater que le contenu est à la hauteur. Présentations, explications, précisions sont de très bon niveau.

Au fil des chapitres, vous allez découvrir différentes notions comme tout ce qui touche à la nature de la lumière, sa température de couleur, ses caractéristiques. Vous apprendrez également ce que sont réflexion, réfraction et autre dispersion. Les chapitres traitant de l’optique photographique vous parleront de verre, de lentilles, de vergence, de bonnettes ou encore de téléconvertisseurs.

Au rayon des aberrations, il sera question d’aberrations chromatiques, sphériques ou d’astigmatisme. Les plus férus trouveront les informations requises pour comprendre la fonction de transfert de modulation MTF. Ils seront probablement capables ensuite de décrypter les courbes de tests que certains journalistes photo se plaisent à publier dans les magazines sans jamais en livrer la clé de lecture (Claude Tauleigne, si tu me lis …) !

La dernière partie de l’ouvrage s’intéresse aux objectifs, à leur formule optique, leur construction : astigmate symétrique ou mi-symétrique (!), anastigmate. Il y sera question d’objectifs grand-angle comme de téléobjectifs, d’objectifs à miroir comme d’objectifs d’agrandisseurs. Et pour terminer, vous pourrez découvrir ce qui fait le charme d’un objectif à bascule et décentrement, et saurez peut-être enfin pourquoi vous en avez un dans votre sac photo (que celui qui sait déjà lève la main !).

A qui s’adresse ce livre ?

Très clairement aux férus de technique, de théorie et de formules scientifiques qui permettent de comprendre pourquoi un assemblage de verre et de métal est capable de produire (parfois) de si belles images. Et si vous faites partie de ces curieux, alors vous serez comblés, le livre contient à peu près tout ce qu’il faut savoir.

Si vous pensez être plutôt un photographe à la recherche de renseignements concrets sur l’utilisation de votre matériel, sur sa construction et ses réglages, sur son origine, alors orientez vous plutôt vers un ouvrage plus généraliste et plus abordable comme celui de René Bouillot « La pratique du reflex numérique« .

Ce cours de photo sur les fondamentaux de l’optique est un ouvrage à classer plutôt dans la catégorie support de cours que guide pratique, cela ne lui enlève rien. Il est complet, précis, et reste très abordable sur le plan financier. A réserver aux plus aguerris toutefois.

Dans la même série, découvrez aussi Les fondamentaux de la prise de vue.

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Les éditions Eyrolles proposent deux ebooks photo dédiés à la pratique : Photo de Studio et Retouche par Scott Kelby et Photographier la nature en macro par Gérard Blondeau.

Après les eBooks photo dédiés au traitement des fichiers RAW et les ebooks dédiés aux Nikon D800 et Canon EOS 5D Mark III, voici deux nouveaux ouvrages au format électronique à télécharger et consulter sur ordinateur, ou tablette.

Tous les secrets de la photo de studio dévoilés, étape par étape

eBooks photo : Photo de studio par Scott Kelby

Le photographe Scott Kelby partage son savoir-faire en matière de photo de studio au travers de 12 séances de prises de vue réelles. Chaque étape est minutieusement détaillée : choix des accessoires, plan d’éclairage, réglages du boîtier, shooting et post-traitement dans Photoshop.

Les plans d’éclairage sont présentés en pleine page. Vous pouvez ainsi voir avec précision le positionnement de chaque élément (le sujet, le photographe, les lampes et autres accessoires, le fond, etc.). Et pour que rien ne vous échappe, vous disposez parallèlement de clichés « en coulisses » de la séance de prises de vue.

En matière de post-traitement, Scott Kelby détaille pas à pas la retouche des cheveux, des yeux et de la peau, pour créer des portraits à fort contraste.

Bonus : en fin d’ouvrage, l’auteur vous propose un chapitre bonus pour vous montrer comment reproduire ces mêmes photos de studio au moyen de seuls flashs cobra et des modificateurs adaptés.

Procurez-vous l’eBook Photo de Studio et Retouche de Scott Kelby chez Eyrolles.

eBook photos : Photographier la nature en macro par Gérard Blondeau

Destiné aux amoureux de la nature, ce guide vous donne les clés pour photographier insectes, plantes ou petits animaux. Se voulant très pratique, le guide vous donne de nombreux conseils techniques, depuis le choix du boîtier, des objectifs, des flashs et autres accessoires, jusqu’à la mise en place de l’éclairage ou l’installation d’un aquarium.

Le guide est organisé par saison, pour que vous puissiez tirer parti de la nature quelle que soit la période de l’année. Vous verrez également qu’il ne faut pas nécessairement aller bien loin de chez soi pour réussir de belles photos nature.

Cette nouvelle édition mise à jour comprend des ateliers pour approfondir certaines techniques photo – atténuer un reflet, gérer transparences et contre-jours, aménager un studio macro… – ou de se perfectionner dans la recherche de petits sujets.

Procurez-vous l’eBook Photographier la nature en macro de Gérard Blondeau chez Eyrolles.