Vous aimez le portrait photo mais vous ne savez pas comment régler votre appareil photo, vous positionner, gérer la lumière pour réussir vos photos. Vos premiers essais ne sont pas satisfaisants.

Qu’il s’agisse de saisir l’instant présent ou de sublimer un sujet, la pratique du portrait nécessite quelques connaissances,voici ce qu’il faut savoir, le matériel utile et les réglages à utiliser ainsi que les principales erreurs à éviter.

Après la photo de paysage, la photo de rue, la photo en basse lumière et la photo de vacances, voici un nouveau sujet sur le portrait photo. Ces quelques conseils, simples et applicables quel que soit votre niveau, vont vous permettre d’obtenir un bon résultat dans la plupart des cas.

Il ne vous restera plus ensuite qu’à laisser libre cours à votre créativité, à obtenir de vos modèles l’émotion nécessaire pour que la photo soit encore plus intéressante. Vous pouvez suivre un stage sur le portrait photo ou vous procurer des livres sur la photo de portrait comme Les secrets de la photo de portrait et l’éclairage pour la photo de mode et de portrait pour en savoir plus.

Quel matériel choisir pour réussir un portrait photo

Comme pour chaque pratique photographique, le portrait photo nécessite un équipement particulier. Si le boîtier importe peu, tous permettent de réussir un portrait photo, le choix de l’objectif est plus critique. En effet, l’objectif utilisé définit le rendu de votre portrait, deux paramètres sont à considérer, la focale et l’ouverture.

La focale

La focale que vous allez utiliser pour faire un portrait photo est très importante (voir Quel objectif choisir pour le portrait chez Fotoloco). Si vous utilisez un objectif grand-angle avec une focale inférieure à 28 mm, et que votre sujet est proche de vous, vous constaterez une distorsion, plus ou moins accentuée selon la focale, qui peut dénaturer les formes de votre sujet. Je vous recommande de prendre vos portraits avec un objectif ayant une focale de 50 mm ou plus. Vous n’aurez alors aucun problème de distorsion, et le sujet sera parfaitement restitué.

Si votre sujet est situé à quelques mètres, la distorsion propre aux courtes focales n’entre plus en jeu, ou si peu, et vous pouvez faire des portraits en plan plus large.

photo (C) Arnaud Pincemin

Par ailleurs, les objectifs à focale fixe disposent généralement d’un meilleur piqué que les objectifs zoom. Je vous conseille donc de vous équiper d’un objectif fixe 50 mm par exemple, ou 85 mm / 105 mm.

L’ouverture

L’ouverture de l’objectif est très importante pour la photographie de portrait. C’est ce paramètre qui vous permettra d’isoler votre sujet de l’arrière-plan, ce qui est primordial pour un portrait.

Veillez à utiliser un objectif qui dispose d’une grande ouverture (jusqu’à f/2.8 ou f/1.8 par exemple). Là aussi, les objectifs à focale fixe offrent généralement une ouverture plus grande que les objectifs zoom.

Si vous faites des portraits en studio, le flash peut être intéressant, de même qu’un éclairage supplémentaire, pour essayer plusieurs types de lumière. Pour en savoir plus, n’hésitez pas à suivre cette série de conseils pour faire du portrait en studio.

Comment régler votre boîtier pour réussir vos portraits

Les réglages du boîtier sont forcément différents entre une photo de paysage et un portrait. Mais comment bien choisir ces réglages ? Il existe quelques règles de base pour réussir vos portraits à coup sûr.

photo (C) Arnaud Pincemin

Pour un portrait, c’est le sujet qui importe et qui doit dominer sur le reste de l’image. Pour cela, vous devez régler votre ouverture à une grande valeur, par exemple f/2.8. Cela aura pour effet de mettre en avant votre sujet en l’isolant de l’arrière-plan (en savoir plus sur l’effet bokeh).

Si votre objectif vous permet d’aller jusqu’à f/1.8 ou même f/1.4, la profondeur de champ sera particulièrement courte, et vous n’aurez pas le droit à l’erreur sur la mise au point. Pour simplement isoler votre sujet de l’arrière-plan, une ouverture de f/4 ou f/3.5 peut être suffisante. Si par contre vous souhaitez mettre l’accent sur une partie du visage seulement, par exemple les yeux, alors une ouverture à f/1.8 est intéressante pour rendre le reste du visage légèrement flou.

La balance des blancs permet de restituer fidèlement les teintes de votre portrait. Selon les appareils photo, plusieurs modes de balance des blancs sont proposés. Dans l’absolu, l’idéal est de reprendre la balance des blancs en post-traitement pour obtenir les teintes que vous souhaitez. Mais si vous n’êtes pas à l’aise avec le post-traitement, vous pouvez utiliser les différents modes. Adaptez la balance des blancs en fonction des conditions d’éclairage.

Faites attention à effectuer correctement votre mise au point, car la profondeur de champ sera très réduite. Pour cela, je vous recommande d’effectuer votre mise au point sur l’œil le plus proche de l’objectif. Ainsi, vous êtes sûr d’obtenir une image où les yeux seront nets et piqués. Selon vos choix créatifs, vous pouvez également choisir de faire la mise au point sur une autre partie du visage, comme les cheveux par exemple.

Les portraits sont souvent faits lors de moments très brefs, où l’expression que vous souhaitez capter ne dure pas très longtemps (sauf si vous travaillez avec un modèle professionnel). Si votre modèle est en mouvement rapide, je vous conseille d’utiliser le mode rafale de votre appareil photo pour être sûr d’obtenir une série d’images où l’une d’elles représentera exactement l’expression recherchée. Il est en effet difficile d’obtenir dès la première prise le portrait parfait.

Pour capter le bon moment et obtenir une image nette, vous devez utiliser un temps de pose court. Selon les conditions de lumière, essayez d’utiliser le temps de pose le plus court que vous pouvez, sans pour autant sous-exposer le sujet. Vous pouvez vous baser sur la règle de l’inverse de la focale, en prévoyant une marge supplémentaire, afin de garantir une netteté parfaite.

Si par exemple vous shootez à 50 mm, vous pourrez obtenir une image nette à partir de 1/50 sec, mais je vous recommande d’utiliser un temps de pose d’au moins 1/80 sec, voire plus court si vous pouvez. L’idéal serait de ne jamais descendre à moins de 1/125 sec.

photo (C) Arnaud Pincemin

Comment bien composer un portrait

La photographie de portrait se doit d’être très bien composée, au même titre que la photographie de paysage. Veillez donc à respecter les règles de composition, afin que vos portraits soient parfaitement soignés.

Tout d’abord, gardez en tête la fameuse règle des tiers. Pour cela, imaginez deux lignes horizontales et deux lignes verticales qui séparent votre cadre en parts égales. Ces lignes sont appelées des lignes de force, et les intersections de ces lignes sont appelées les points de force de l’image. Essayez alors de placer votre sujet sur un des points de force de l’image pour renforcer l’impact visuel et faciliter la lecture de l’image.

En portrait, le cadre et le décor sont très importants. Il est nécessaire de présenter le sujet dans son environnement. Attention tout de même à laisser suffisamment de place au sujet pour qu’il domine et qu’il se détache du reste de l’image. Il ne faut pas non plus que votre arrière-plan occupe trop d’espace.

Vous devez également veiller à remplir votre cadre. A moins que vous ne souhaitiez délibérément isoler votre sujet, il est important que votre image soit remplie, pour obtenir un effet de proximité avec le sujet. Choisissez donc avec attention les éléments qui bordent votre sujet.

Dans un portrait, c’est en général le regard qui est important. Si votre sujet regarde au loin, il est conseillé de laisser de l’espace devant le visage et de ne pas placer le sujet en bord de champ, pour ouvrir l’image et améliorer sa composition.

photo (C) Arnaud Pincemin

Quelques astuces pour réussir un portrait photo

Tout le monde ne s’improvise pas portraitiste. Mais il existe certaines astuces pour vous permettre d’améliorer facilement vos portraits.

Si votre modèle n’est pas professionnel et n’a pas l’habitude d’être face à un objectif, essayez de le mettre à l’aise. Pour cela, n’hésitez pas à lui parler, à le faire rire, afin qu’il se détende. Vous pouvez aussi diffuser de la musique qu’il apprécie. Au bout de quelques instants, il pourra même oublier l’appareil photo en face de lui. Vous obtiendrez alors des poses plus naturelles, plus décontractées, et moins figées.

Pour rendre votre portrait plus impactant, vous pouvez couper une partie du visage. Il est souvent intéressant de couper une partie du front, afin d’obtenir une sensation de proximité avec le sujet.

Les yeux jouant un rôle crucial dans l’expression d’un portrait, il est décisif qu’ils soient bien visibles. Pour cela, vous pouvez demander à votre sujet de baisser légèrement la tête. Cela aura pour effet de donner plus d’importance aux yeux en ouvrant le regard vers l’objectif. En revanche, lorsque la tête est inclinée vers le haut, le visage est moins gracieux et les yeux sont moins visibles.

photo (C) Arnaud Pincemin

Et maintenant, à vous ! Quel est le problème que vous rencontrez en photo de portrait ?

La photo nature désigne toute photographie dont le sujet principal est le monde naturel : paysages, végétaux, animaux, lumières naturelles. Elle s’exerce aussi bien dans un parc urbain qu’en forêt profonde, avec un objectif standard comme avec un téléobjectif. Ce qui la distingue des autres genres : la lumière change vite, les sujets ne posent pas, et la patience remplace souvent le réglage. Ce guide réunit 23 conseils concrets pour progresser dans chacune de ces situations, du lever du soleil à la photo d’oiseaux depuis une fenêtre.

La photo nature, ce sont des moments simples : animaux, paysages, fleurs, lumières changeantes. Où que vous soyez – au fond du jardin, en balade ou en voyage au bout du monde – la nature vous tend les bras.

Voici 23 conseils simples pour réussir vos photos et retrouver le plaisir de photographier sans vous compliquer la vie.

Vous trouverez aussi dans l’article quelques guides que je vous recommande pour aller plus loin.

À savoir avant de partir photographier la nature

La lumière du matin est la plus douce et la plus chaude : elle révèle les textures et les couleurs sans écraser les contrastes.

Privilégiez toujours les premières heures du jour ou la fin d’après-midi, surtout en forêt ou en montagne. Oui, il vous faut aussi un bon réveil.

Pensez à partir léger, avec un objectif polyvalent et une batterie pleine. Et souvenez-vous : les meilleures photos se font souvent quand on prend le temps d’observer avant de déclencher.

Apprivoisez la nature avant de photographier

Avant de penser réglages ou matériel, prenez le temps de comprendre ce que la nature vous offre. Chaque lieu a son rythme, sa lumière, son atmosphère. Ces premiers conseils vous aideront à regarder avant de déclencher.

Conseil n°1 : apprivoisez les lieux !

Trop de photographes déclenchent avant même d’avoir capté une émotion et la beauté du lieu. Une fois que vous sentez bien le décor, appliquez les conseils ci-dessous.

Le Lot m’a appris ça mieux que n’importe quel manuel. Le même chemin photographié à 7h du matin et à midi n’a rien en commun. L’un montre une lumière, l’autre est un cliché documentaire.

Conseil n°2 : multipliez les cadrages et les prises de vue

Un paysage ne se photographie pas qu’en mode … paysage !

Si vous êtes dans un lieu fleuri, placer une fleur au premier plan et cadrer en hauteur peut avoir de l’intérêt. Le cadrage en hauteur donne de la grandeur à une scène, profitez-en.

Conseil n°3 : si vous débutez appliquez un principe de cadrage simple

Une règle de composition simple vous permet d’avoir une combinaison harmonieuse et équilibrée.

La plupart des appareils photo permettent d’afficher un quadrillage dans le viseur pour avoir des repères visuels.

Conseil n°4 : variez les points de vue

Bougez, déplacez-vous, baissez-vous, utilisez l’écran orientable de votre appareil photo, photographiez en plongée ou en contre-plongée.

Vos photos seront plus intéressantes et vous pourrez choisir la meilleure image dans une série.

Erreur fréquente : déclencher trop tôt. Beaucoup de photographes repartent sans avoir attendu le bon nuage, la bonne lumière ou le léger souffle de vent qui donne vie à la scène.

Conseil n°5 : utilisez le premier plan

Il y a toujours quelque chose à placer au premier plan de vos images (même dans le désert !) alors faites-le.

Cadrez une pierre, un tronc d’arbre, une feuille et donnez de la profondeur à vos images. Pensez à vous baisser pour que ce soit plus facile.

Une fois l’endroit apprivoisé, il est temps d’explorer comment varier vos cadrages et vos focales pour révéler tout son potentiel visuel.

Multipliez les cadrages avec différentes focales

Changer d’objectif, c’est changer de regard. Une même scène peut raconter plusieurs histoires selon la focale utilisée. Découvrez comment exploiter chaque angle de vue pour enrichir vos images sans bouger d’un mètre.

Conseil n°6 : cadrez très large avec un grand-angle

Un grand-angle est un objectif de courte distance focale qui donne un angle de vision plus large que celui de votre œil.

Le grand-angle permet d’adopter une vision (presque) panoramique. Optez pour un objectif de focale 24 mm ou moins (16 mm ou moins en APS-C), ou pour un 10 mm si vous préférez l’ultra grand-angle.

Le grand-angle accentue la perspective : les éléments proches paraissent plus grands, ceux du fond s’éloignent. Utilisé avec soin, cet effet donne une sensation d’immersion immédiate.

Conseil n°7 : utilisez un 50 mm

Le 50 mm vous donne la vue la plus réaliste possible d’un paysage.

Le 50 mm possède souvent une grande ouverture (f/1.8 ou f/1.4 ou f/1.2) qui autorise de jolis flous d’arrière-plan (bokeh). Il est utile quand la lumière manque à la tombée du jour.

Conseil n°8 : préférez un zoom transtandard polyvalent

Les zooms livrés en kit avec les boîtiers sont parfois limités en amplitude de focale (18-55 mm par ex.).

Choisissez plutôt un 18-140 mm (en APS-C) ou un 24-120 mm (en plein format) pour avoir de multiples possibilités de cadrage sans devoir changer d’objectif en permanence.

Sur le terrain, j’ai souvent remarqué qu’un simple changement d’angle de quelques centimètres transforme une photo banale en image forte. Essayez de photographier depuis le sol : la nature y paraît plus grande, plus vivante.

Et parce que la lumière transforme chaque image, voyons comment l’utiliser du lever au coucher du soleil pour sublimer vos compositions.

Ce qu’il faut vraiment emporter en photo nature Un zoom polyvalent (24-120 mm en plein format ou 18-140 mm en APS-C) couvre 80 % des situations. Ajoutez si possible un trépied léger ou un bean bag, un filtre polarisant circulaire (irremplaçable sur l’eau et les feuillages), et une télécommande filaire ou sans fil pour les poses longues. Le reste est accessoire.

Maîtrisez la lumière du lever au coucher du soleil

En photo nature, tout commence et tout finit avec la lumière. Les heures dorées du matin et du soir offrent des nuances que vous ne trouverez jamais en plein jour. Voici comment en tirer parti.

Le filtre polarisant : l’accessoire que vous ne pouvez pas simuler en post-traitement

En photo nature, aucun réglage Lightroom ne remplace l’effet d’un filtre polarisant circulaire bien orienté. Il supprime les reflets parasites sur l’eau et les feuillages, sature les verts et les bleus sans intervention numérique, et densifie les ciels bleus.

Mode d’emploi : vissez-le sur l’objectif, faites pivoter la bague frontale lentement tout en regardant dans le viseur, et arrêtez-vous quand l’effet est maximal. Attention : il absorbe 1,5 à 2 stops de lumière. En basse lumière ou sous les arbres, il vaut mieux s’en passer.

Conseil n°9 : utilisez un objectif grand-angle

L’intérêt de ce type de photo est de capter la lumière particulière de ces moments-là et la scène.

Le grand-angle vous permet d’inclure dans la photo la scène entière et de rendre l’effet de lumière au mieux.

Conseil n°10 : soyez ponctuel !

L’heure dorée (golden hour) correspond aux 20 à 45 premières minutes après le lever du soleil et aux 20 à 45 dernières avant le coucher. Pendant cette fenêtre, la lumière est rasante, chaude et directionnelle : elle révèle les textures et les reliefs que le soleil de plein midi écrase. Arrivez sur place 15 à 20 minutes avant pour repérer votre cadrage et régler votre boîtier à l’avance. Une fois la lumière là, il ne reste plus qu’à déclencher.

Ensuite tout réside dans la rapidité d’exécution au bon moment, votre boîtier doit être réglé avant la prise de vue.

Conseil n°11 : utilisez un temps de pose long

L’heure bleue (blue hour) se situe dans les 20 à 40 minutes qui suivent le coucher du soleil. Le ciel passe de l’orange au bleu profond. Pour l’exposer correctement : trépied obligatoire, temps de pose entre 1 et 30 secondes selon la luminosité résiduelle, ouverture entre f/8 et f/11 pour conserver la netteté sur l’ensemble du paysage, ISO entre 100 et 400. Utilisez la télécommande ou le retardateur 2 secondes pour éviter le flou de bougé au déclenchement.

En photo nature, on apprend surtout la patience. Attendre la bonne lumière, écouter le silence, respirer : ces gestes changent votre manière de photographier tous les autres sujets.

Quand la lumière se fait plus douce ou que le soleil disparaît, vous pouvez prolonger la magie avec la pose longue.

Créez des effets avec les poses longues

La pose longue révèle ce que l’œil ne perçoit pas : le mouvement de l’eau, la lenteur du vent, la respiration du paysage. C’est une autre manière de raconter la nature, plus poétique et contemplative.

Conseil n°12 : utilisez un trépied

Pour photographier avec un temps de pose long et obtenir l’effet laiteux désiré, il faut poser l’appareil sur un pied. Si vous n’avez pas de trépied, utilisez votre sac, un mur, un rocher, un bean bag (petit sac rempli de haricots), etc.

Conseil n°13 : relevez le miroir

Si votre boîtier le permet, utilisez la fonction qui permet de relever le miroir pour éviter le flou de bougé. Avec un hybride c’est plus simple, pas de miroir !

Conseil n°14 : choisissez une petite ouverture

Pour utiliser un temps de pose plus long, vous devrez utiliser une petite ouverture (par exemple f/16) qui vous donnera une belle profondeur de champ. Visez un temps de pose supérieur ou égal au 1/15ème de sec. et faites des tests.

Mais la nature, ce n’est pas que les grands espaces : les petits détails comptent tout autant. Passons à l’échelle du tout petit.

Capturez les détails de la nature

Un tronc moussu, une feuille dorée, une ombre sur la pierre… La beauté de la nature se cache souvent dans les détails. Ces conseils vous aideront à les isoler et à leur donner toute leur importance.

Conseil n°15 : passez au téléobjectif

La nature regorge de petits détails qui méritent d’être photographiés et complètent des images prises au grand-angle.

Utilisez la focale la plus longue de votre zoom (105 mm, 200 mm) ou un téléobjectif comme le 70-300 mm.

Conseil n° 16 : réchauffez l’atmosphère

Dans la nature, le vert est souvent la couleur dominante et a tendance à refroidir les tons.

Choisissez le réglage de balance des blancs Soleil ou Naturel au lieu du mode Automatique.

Conseil n°17 : utilisez un réflecteur

Dans les sous-bois la lumière fait défaut. Le flash intégré de votre boîtier a tendance à brûler la scène, il vaut mieux avoir avec vous un petit réflecteur qui renverra la lumière naturelle sur votre sujet.

Et si les détails vous attirent, les fleurs sont un terrain de jeu parfait pour explorer couleurs, textures et lumière.

Réussissez vos photos de fleurs

Photographier les fleurs, c’est photographier la finesse. Chaque pétale, chaque teinte réagit différemment à la lumière. Ces conseils vous aideront à rendre justice à leur fragilité sans tomber dans le cliché « à la Instagram ».

Conseil n°18 : préparez le décor

Nettoyez l’arrière-plan chaque fois que cela est possible en coupant les mauvaises herbes, les ronces ou en dégageant tout ce qui peut perturber la photo.

Utilisez un carton coloré pour constituer un fond uni facilement.

Conseil n°19 : peaufinez la profondeur de champ

Une grande ouverture (f/2.8 ou f/4) va mettre en valeur le sujet au détriment du fond.

Une ouverture réduite (f/16 ou f/22) permettra d’avoir tout le cadre net et la fleur avec.

Conseil n°20 : choisissez le bon moment de la journée

Préférez les ciels lumineux mais un temps un peu couvert aux ciels bleus très lumineux.

Les couleurs seront moins saturées, le contraste des images plus grand. Evitez de même le milieu de journée quand le soleil est à son maximum.

Enfin, si vous préférez rester à proximité, la nature s’invite parfois jusqu’à votre fenêtre. Les oiseaux sont de merveilleux sujets pour s’exercer à la patience et à la précision.

Photographiez les oiseaux depuis une fenêtre

Observer les oiseaux, c’est mixer discrétion et réactivité. Depuis votre fenêtre, vous pouvez créer un petit studio naturel pour des photos vivantes et spontanées, sans quitter la maison.

Conseil n°21 : attirez les oiseaux

Utilisez une mangeoire qui aura pour effet d’attirer les oiseaux au plus près en deux à trois jours. Placez la mangeoire près d’une fenêtre mais à proximité d’un support naturel pour disposer d’un cadre plus agréable pour vos images .

Conseil n°22 : soyez discret en cachant l’objectif

Pour ne pas effrayer les oiseaux il vous faut être discret. En perçant un trou dans un (vieux) rideau, vous pourrez masquer votre présence et laisser passer le fût de l’objectif uniquement. Choisissez le mode Live View pour cadrer plus confortablement le cas échéant. Vous pouvez aussi photographier les oiseaux depuis votre voiture pour rester discret.

Conseil n° 23 : choisissez un temps de pose court

Les oiseaux ne tiennent pas en place, une temps de pose d’au moins 1/400 ème de sec. est nécessaire pour figer les mouvements. Choisissez une sensibilité peu élevée pour avoir le meilleur niveau de détail possible dans vos images.

Vous avez maintenant toutes les clés pour pratiquer la photo nature dans différentes situations. Voici quelques réponses aux questions les plus fréquentes pour aller plus loin.

Photo nature : quel réglage pour quelle situation ?

Situation	Temps de pose conseillé	Ouverture	ISO
Paysage heure dorée	1/60 à 1/250 s	f/8 à f/11	100–400
Heure bleue / heure blanche	1 à 30 s (trépied)	f/8 à f/11	100–400
Eau en soie (cascade, rivière)	1/2 à 4 s (trépied)	f/11 à f/16	100
Fleur, détail végétal	1/60 à 1/250 s	f/2.8 à f/8	100–400
Oiseau posé	1/400 à 1/800 s	f/4 à f/8	400–1 600
Oiseau en vol	1/1000 à 1/2000 s	f/4 à f/6.3	800–3 200

FAQ – Questions fréquentes sur la photo nature

Regardez avant de déclencher. Le reste vient après.

La photo nature ne demande pas de matériel rare ni de destination lointaine. Elle demande d’être là au bon moment, avec les yeux grands ouverts et le bon réglage prêt. La lumière du matin, un premier plan bien choisi, une pose longue sur un ruisseau : ce sont des décisions simples qui changent tout.

Ces 23 conseils ne sont pas une liste à cocher d’un coup. Prenez-en un. Appliquez-le sur pendant votre prochaine sortie. Puis passez au suivant. C’est comme ça qu’on progresse en photo : par accumulation d’exercices et d’habitudes, pas par mémorisation de règles.

Et si vous voulez aller plus loin dans votre pratique, jetez un œil aux formations photo disponibles sur Nikon Passion : certaines sont faites exactement pour ça.

Quant à moi, j’ai toujours le même problème : me lever tôt pour photographier la nature, je ne suis pas du matin !

Dites-moi juste ci-dessous : et vous, quelle est votre plus grande frustration quand vous sortez photographier ?

Le photographe Michael Freeman vous propose un nouveau guide de sa collection Photo School. Découvrez comment apprendre la photo de rue, comment trouver des angles originaux et reconnaître les scènes d’intérêt.

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La photo de rue, Michael Freeman Photo School

La photo de rue – Street Photography – a le vent en poupe ! Poussés par l’arrivée d’appareils mobiles de plus en plus performants et de boîtiers hybrides plus discrets et compacts, nombreux sont ceux qui se sont mis à photographier au quotidien et durant leurs différents trajets.

Est-on pour autant Photographe de rue si l’on shoote à tout va avec son Smartphone ? Non, il suffit de regarder les images postées sur les différents réseaux sociaux dédiés à l’image pour s’en convaincre. L’écart est grand entre la masse d’images postées et les clichés des meilleurs Street Photographers du moment.

Après Bernard Jolivalt avec La Photo sur le Vif, c’est Michael Freeman qui vous propose une approche pragmatique pour apprendre la photo de rue, et comment vous approprier cet art photographique si particulier. Tout comme pour le précédent volume dédié à la Photo en Noir et Blanc, l’auteur a fait appel à plusieurs photographes qui apportent leur pierre à l’édifice. Leurs images et le détail de leur démarche vous permettront d’avoir des points de vue différents de celui de Freeman.

La photo de rue n’est pas qu’une affaire de matériel photo, c’est avant tout une question de comportement, d’état d’esprit, et c’est justement le sujet de la première partie de l’ouvrage. Comment passer inaperçu, comment s’approcher discrètement, comment être plus réactif. Autant de notions à acquérir si vous voulez capter l’instant décisif cher à Cartier-Bresson.

La seconde partie de l’ouvrage est consacrée aux différentes situations que vous pouvez rencontrer : les foires, les marchés, la foule, les fêtes ou encore les défilés. Autant d’occasions de photographier tout en profitant de l’ambiance du moment.

Saviez-vous que les moments de relâchement de vos sujets sont peut-être les plus intéressants à capter ? La troisième partie de l’ouvrage présente toutes ces situations lors desquelles la personne photographiée ne se rend pas compte qu’elle l’est. Et de ces images qui sont probablement les plus intéressantes à ramener.

S’il s’intéresse à la prise de vue, Freeman n’en oublie pas pour autant les éléments techniques indispensables. Plusieurs chapitres sont consacrés aux récents boîtiers très sensibles et à l’utilisation que vous pouvez en faire en photo de rue … de nuit. S’il ne s’agit pas pour autant d’un guide de la photo de nuit à part entière, vous y trouverez quand même bon nombre de conseils pour vos prises de vue dans les lieux publics comme les cafés, les boîtes de nuit ou les concerts.

Pour compléter votre formation, Michael Freeman vous propose une dernière partie qui vous aidera à développer votre créativité. Trouver des angles différents, exploiter les reflets, créer des effets dynamiques ou jouer avec la couleur sont autant de possibilités offertes par la photo de rue.

Comme dans les autres ouvrages de cette Photo School, ce volume comprend des challenges que vous devrez relever pour mettre en pratique. Vous pourrez également découvrir les images des photographes invités, et voir que la photo de rue présente bien des facettes. A vous de trouver votre propre style !

Mon avis sur ce livre de Michael Freeman

Cet ouvrage s’inscrit dans la lignée des précédents volumes de la série Photo School proposée par l’auteur. Avec près de 150 pages, un format presque carré assez sympa, une belle mise en page faisant la part belle aux images, ce nouveau guide pratique complètera à merveille votre collection.

Proposé à un tarif encore abordable par l’éditeur, c’est une belle opportunité d’apprendre la photo de rue si vous ne la pratiquez pas. Ou de revenir sur votre pratique pour trouver de nouvelles pistes, de nouvelles approches.

Nous avons particulièrement apprécié la diversité des regards proposés, l’ouverture faite par l’auteur sur les différentes façons de pratiquer la photo de rue. Nous aurions aimé trouver plus d’exercices pratiques sur le choix des photos dans une série en particulier, au retour d’une séance. Pour autant ce cours de Photo de Rue s’avère un bel outil pédagogique que nous vous recommandons si vous aimez développer votre pratique en parcourant les meilleurs ouvrages.

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Découvrez les secrets de l’optique avec « Les Fondamentaux de l’Optique – Cours Photo Eyrolles ». Ce manuel complet va vous permettre de maîtriser les principes d’optique relatifs à la photographie argentique et numérique.

Plongez dans 41 leçons fascinantes qui dévoilent tout, de la science fondamentale de l’optique aux techniques avancées pour éliminer les aberrations chromatiques.

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Les fondamentaux de l’optique : présentation

Quand vous allez parcourir ce guide, ne vous attendez pas de belles images détaillant les bases de la photographie comme j’ai l’habitude de les présenter (voir par exemple le Cours de Photo de Michael Freeman). Non, il s’agit bien ici de parler d’optique pour les … opticiens.

Attendez-vous à devoir décrypter formules mathématiques, figures optiques et autres schémas scientifiques. Cet ouvrage de référence s’adresse à ceux qui cherchent à comprendre pourquoi leur matériel arrive à faire une photo plutôt qu’à ceux qui veulent savoir comment faire de plus belles photos.

Ce guide des fondamentaux de l’optique s’adresse aussi et avant tout aux étudiants en photographie ainsi qu’à quiconque veut acquérir un bagage technique sur l’optique dans un contexte photographique.

La lecture peut vite s’avérer rébarbative si vous ne maitrisez pas un tant soi peu le vocabulaire scientifique et si vous n’êtes pas plus que cela intéressé par les formules optiques. L’éditeur nous dit avoir conçu cette version française d’un ouvrage édité en langue allemande en collaboration avec l’Ecole Louis Lumière. C’est un gage de qualité indéniable et force est de constater que le contenu est à la hauteur. Présentations, explications, précisions sont de très bon niveau.

Au fil des chapitres, vous allez découvrir différentes notions comme tout ce qui touche à la nature de la lumière, sa température de couleur, ses caractéristiques. Vous apprendrez également ce que sont réflexion, réfraction et autre dispersion. Les chapitres traitant de l’optique photographique vous parleront de verre, de lentilles, de vergence, de bonnettes ou encore de téléconvertisseurs.

Au rayon des aberrations, il sera question d’aberrations chromatiques, sphériques ou d’astigmatisme. Les plus férus trouveront les informations requises pour comprendre la fonction de transfert de modulation MTF. Ils seront probablement capables ensuite de décrypter les courbes de tests que certains journalistes photo se plaisent à publier dans les magazines sans jamais en livrer la clé de lecture (Claude Tauleigne, si tu me lis …) !

La dernière partie de l’ouvrage s’intéresse aux objectifs, à leur formule optique, leur construction : astigmate symétrique ou mi-symétrique (!), anastigmate. Il y sera question d’objectifs grand-angle comme de téléobjectifs, d’objectifs à miroir comme d’objectifs d’agrandisseurs. Et pour terminer, vous pourrez découvrir ce qui fait le charme d’un objectif à bascule et décentrement, et saurez peut-être enfin pourquoi vous en avez un dans votre sac photo (que celui qui sait déjà lève la main !).

A qui s’adresse ce livre ?

Très clairement aux férus de technique, de théorie et de formules scientifiques qui permettent de comprendre pourquoi un assemblage de verre et de métal est capable de produire (parfois) de si belles images. Et si vous faites partie de ces curieux, alors vous serez comblés, le livre contient à peu près tout ce qu’il faut savoir.

Si vous pensez être plutôt un photographe à la recherche de renseignements concrets sur l’utilisation de votre matériel, sur sa construction et ses réglages, sur son origine, alors orientez vous plutôt vers un ouvrage plus généraliste et plus abordable comme celui de René Bouillot « La pratique du reflex numérique« .

Ce cours de photo sur les fondamentaux de l’optique est un ouvrage à classer plutôt dans la catégorie support de cours que guide pratique, cela ne lui enlève rien. Il est complet, précis, et reste très abordable sur le plan financier. A réserver aux plus aguerris toutefois.

Dans la même série, découvrez aussi Les fondamentaux de la prise de vue.

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Pour photographier un spectacle de danse en basse lumière sans flou : passez en RAW, montez les ISO à 6 400 voire 8 000, gardez un temps de pose d’au moins 1/250e (1/500e en sécurité, 1/1000e si vous êtes tranquille), ouvrez votre objectif au maximum (f/2.8 ou plus lumineux) et bannissez le flash. Anticipez en questionnant les organisateurs avant la représentation et placez-vous dans l’axe médian de la scène.

Comment photographier un spectacle de danse quand la lumière manque, que les danseurs bougent rapidement et que vous ne pouvez pas vous placer où vous le voulez ? Quel objectif utiliser, quels réglages choisir ?

Je photographie souvent des spectacles de danse et j’ai fini par adopter des comportements qui me permettent d’avoir un taux de réussite satisfaisant (je vous en parle ici en vidéo). Voici quelques conseils et les grands principes qui vont vous aider à réussir vos photos de danse vous-aussi.

Pour photographier un spectacle de danse, anticipez !

Pour réussir au mieux cette épreuve qui s’avère complexe, il va vous falloir anticiper au maximum. Si vous arrivez au dernier moment sans connaître ni la taille du plateau, ni celle de la salle, ni les conditions d’éclairage, ni la durée du spectacle, ni les temps forts, ni … vous partez perdant.

Vous devez donc poser quelques questions à celui ou celle qui va danser, aux organisateurs, aux professeurs, aux chorégraphes … avant la représentation, deux ou trois jours si possible, afin d’anticiper :

• combien de danseurs seront présents ?
• quelles seront les dimensions de la scène ?
• combien de temps durera le spectacle ?
• quelles seront les éclairages utilisés ?
• de quel type de danse s’agira-t-il ?
• quels sont les emplacements possibles pour vous (sans déranger) ?
• quelles sont les contraintes connues ?

Si vous en avez la possibilité, faites votre possible pour suivre le déroulement d’une répétition, la générale de préférence qui permet d’avoir l’ensemble des danseurs, les costumes et les éclairages en condition de spectacle. Vous pourrez alors faire une première série de photos, regarder ce que cela donne et ajuster au mieux vos choix pour le Jour J.

Comment bien vous placer

Les spectacles de danse, particulièrement dans les écoles, se font sur divers types de scènes : une simple salle, une estrade, une scène de théâtre, un plateau professionnel, tout est possible. Il va vous falloir trouver le meilleur emplacement pour être au plus près des danseurs sans déranger ni ces danseurs, ni le public.

Une chose est sûre : en vous plaçant au fond de la salle, vous serez gêné par les personnes devant vous. Or pour cadrer correctement, vous avez besoin d’un champ libre.

Un téléobjectif ne vous sauvera pas, car qui dit téléobjectif, mouvements rapides et faible lumière dit temps de pose long, voire très long en intérieur et donc risque de flou.

Si vous vous placez parmi le public, vous aurez à coup sûr quelqu’un devant vous qui vous empêchera de cadrer en toute liberté (si ce n’est pas un spectateur qui a la brillante idée de filmer avec sa tablette pendant toute la durée du spectacle, c’est du vécu …).

Tenez aussi compte du type d’appareil photo que vous utilisez. Un reflex et son miroir qui claque à chaque déclenchement ne sera pas adapté dans la salle, vos voisins vont vite vous le faire remarquer et ils auront raison. En bord de scène, vous risquez de déranger les danseurs. Sachez que le déclenchement d’un reflex, quel qu’il soit, s’entend quand on danse, tous les danseurs le disent.

C’est là qu’un boîtier hybride change la donne. Sans miroir mécanique, vous pouvez activer l’obturateur électronique et déclencher en totale discrétion, y compris en rafale, sans que les danseurs ni le public n’entendent quoi que ce soit. Sur un reflex, même en mode silencieux, le miroir reste audible. J’utilise aujourd’hui un Nikon Z6III et cette différence seule justifie le passage au hybride pour qui photographie régulièrement des spectacles.

Critère	Reflex	Hybride
Bruit du déclenchement	Audible, miroir mécanique	Silencieux en mode électronique
Visée	Optique, temps réel mais pas d’aperçu exposition	Électronique, aperçu exposition en direct
Détection yeux/visage en mouvement	Limitée ou absente	Souvent performante, utile pour les instants décisifs
Cadence rafale en basse lumière	Variable selon le boîtier	Généralement plus rapide en électronique

La solution ? Arriver bien en avance et vous placer devant la scène, au pied des premiers rangs de spectateurs. Osez. Si vous vous faites discret  et si de plus vous avez expliqué votre démarche au préalable, tout se passera très bien.

Placez vous de préférence dans l’axe médian de la scène, c’est préférable pour :

• cadrer de face,
• éviter les éléments indésirables dans l’arrière-plan (sur le côté vous risquez de voir les accessoires, machines, danseurs qui attendent, profs …),
• les déformations (un décor vu de profil est déformé sur les photos),
• les problèmes de perspective selon la focale utilisée (un grand-angle déforme si le cadrage est latéral).

Assurez-vous de ne jamais gêner la vue des personnes du premier rang, d’avoir avec vous dans votre sac photo posé au sol tout ce qu’il vous faut (batterie de rechange, cartes mémoire, objectifs au besoin). Une fois installé, vous ne pouvez plus bouger pendant la durée du spectacle, en général.

Choisir le bon format d’image

Photographier un spectacle de danse, c’est composer avec le mouvement mais aussi, et surtout, avec la lumière. Les lumières même. Si l’éclairagiste a bien fait son travail, guidé par les professeurs, il a mis en place des éclairages spots, des poursuites, des éclairages du décor de fond, … Vous devez tenir compte de tout ça pour réussir vos photos.

Le premier problème que vous avez à gérer, c’est le réglage de balance des blancs. Ce type d’éclairage est très difficile à évaluer car les températures de couleur sont toutes différentes, les couleurs changent.

L’idéal pour vous en sortir avec les honneurs est d’éviter le format JPG qui interdit toute modification de la balance des blancs ultérieure. Choisissez le format RAW et la balance des blancs automatique. Une fois rentré chez vous, vous aurez la possibilité de caler avec précision la balance des blancs pour chaque série de photos, comme pour chaque photo.

Le second problème, c’est le manque de lumière fréquent dans ces conditions. Vous allez devoir monter en sensibilité pour éviter les temps de pose trop longs et les flous inévitables. N’ayez pas peur de passer à 6 400, voire 8 000 ISO si votre boîtier le supporte.

Le format RAW vous offre plus de latitude en post-traitement pour réduire le bruit numérique. Retenez qu’il vaut mieux des photos un peu bruitées que des photos floues !

Comment gérer l’exposition

Photographier un spectacle de danse, c’est figer le mouvement des danseurs. Si votre temps de pose est trop long, et que l’ouverture maximale de votre objectif est trop modeste, vous aurez des photos floues, un danseur ça bouge !

Tenez compte de la focale utilisée : si vous avez un téléobjectif (70 mm ou plus) le temps de pose doit être plus court que si vous utilisez un grand-angle (35 mm ou moins).

Tenez aussi compte de la distance au sujet : si vous êtes au pied de la scène, à deux ou trois mètres des danseurs (ça m’arrive couramment), même un grand-angle pourra vous donner des photos floues car le temps de pose sera encore trop long.

Un temps de pose plus lent que 1/250e vous expose au flou de mouvement dans la plupart des situations de danse. À 1/500e vous êtes plus en sécurité, à 1/1000e vous êtes tranquille.

Si l’ouverture est au maximum (par exemple f/1.8) et les ISO aussi (par exemple 6.400 ISO), et que le temps de pose est encore trop long, il vous faut envisager d’autres solutions :

• laissez de côté votre zoom à tout faire à l’ouverture limitée et passez à la focale fixe ouvrant à f/1.8 ou f/1.4, vous gagnerez en netteté ce que vous perdrez en polyvalence de cadrage (il y a moindre mal),
• utilisez la correction d’exposition pour sous-exposer, ce qui vous fera gagner un stop ou deux que vous rattraperez aisément en post-traitement avec un fichier RAW,
• jouez le flou volontaire, un danseur dont le visage est net et les bras et jambes flous peut donner une jolie photo (le visage bouge souvent moins vite que les bras et jambes, ça vous aide).

Pourquoi il faut bannir le flash pour photographier un spectacle de danse !

Soyons clairs :

Utiliser un flash lors d’un spectacle de danse sans en avoir l’autorisation est une insulte aux danseurs, aux chorégraphes, aux professeurs, aux éclairagistes, au public.

Envoyer des éclairs de flash incessants, en plus du bruit de déclenchement s’il s’agit d’un reflex,  c’est pénible pour tout le monde :

• les danseurs éblouis par vos éclairs et qui peuvent perdre le fil de leur chorégraphie,
• les encadrants qui ne peuvent plus gérer le déroulement de la représentation aisément,
• les éclairagistes qui sont perturbés par votre flash,
• le public qui ne voit que ça.

Sans compter que vous commettez la pire des erreurs en procédant de la sorte : vous dénaturez totalement la scène, vous cassez l’ambiance lumineuse et vous faites des photos banales.

En cas de très faible luminosité, au lieu d’utiliser le flash privilégiez les objectifs lumineux ouvrant à f/2.8 voire f/1.8 ou f/1.4. Et sachez ne pas faire certaines photos si la lumière disponible ne le permet pas. Toute pratique a ses limites.

Déclencher au bon moment

L’instant décisif cher à Henri Cartier-Bresson ça vous parle ? Lorsque vous photographiez un spectacle de danse, vous ne devriez avoir « que » des instants décisifs. C’est ce qui fait le charme de cette pratique, et sa grande difficulté.

L’instant décisif c’est le saut du danseur, lorsqu’il est à sa hauteur maximale. C’est aussi le mouvement des membres lorsqu’il est à son amplitude maximale. C’est – encore – l’émotion qui se lit sur les visages, les regards, les gestes, tout ce qui fait que le moment est magique ou non.

Capturer ces instants à coup sûr n’est pas faisable. Ne pensez pas qu’il suffit de déclencher de ci de là pour faire des photos mémorables. Il va vous falloir beaucoup de patience, de la chance, du savoir-faire pour réussir. Mais c’est tout à fait faisable si vous anticipez.

Soyez toujours aux aguets : observez le mouvement des danseurs, écoutez la musique, les temps forts, les temps faibles, suivez les éclairages. Une chorégraphie n’est jamais faite au hasard : la relation musique-mouvement est fondamentale. Vous devez arriver à savoir quelques dixièmes de secondes à l’avance qu’il va vous falloir déclencher. Cela s’apprend, avec le temps vous serez de plus en plus à l’aise.

Si vous débutez, faites en sorte de mettre toutes les chances de votre côté. Procurez-vous des cartes mémoire rapides (voir comment les choisir) et utilisez le mode rafale de votre appareil photo. Prendre une seule photo par action c’est diviser par 3/4/5 vos chances de photos réussies. En rafale, la probabilité d’obtenir le bon geste, la bonne pose, le bon regard … la bonne photo est bien plus grande, mettez donc toutes les chances de votre côté ! Avec l’expérience vous apprendrez à vous passer de ce mode et à déclencher au bon moment, tout deviendra plus simple.

C’est d’ailleurs ce que défend Sébastien Mathé, photographe professionnel à l’Opéra Garnier et à l’Opéra Bastille, dans son livre sur les secrets de la photo de spectacle : la rafale ne remplace pas l’anticipation, elle ne fait que multiplier vos chances quand vous débutez. Avec l’expérience, mieux vaut apprendre à déclencher à l’instant précis plutôt que d’arroser large.

Sachez qu’il n’y a aucune honte à prendre 100 photos pour n’en conserver que 5 au final, personne ne vous jugera, seul le résultat final compte. Pour vous donner une idée, je fais en moyenne 600 photos pour un spectacle de 90 minutes, sans mode rafale (j’anticipe beaucoup et je déclenche plusieurs fois manuellement au besoin). J’en garde 25 s’il s’agit d’un travail à livrer, et moins de 20 pour ma sélection personnelle finale. Je supprime tout le reste une fois que les danseurs ont vu les images publiées.

Pourquoi faire des photos de tous les danseurs

Vous êtes parti pour photographier le spectacle de danse de votre enfant, mais qu’en est-il des autres ? Ce n’est pas votre problème, vous ne les photographiez pas ?

C’est une erreur. Pour trois raisons.

La première raison c’est qu’en photographiant les autres danseurs, vous apprenez. Vous multipliez les prises de vue, vous pouvez regarder sur l’écran de votre reflex ou dans le viseur de votre hybride ce que donnent vos réglages et quand vient le tour de votre enfant (s’il ne passe pas en premier …), vous êtes fin prêt. Les spectacles n’ont pas lieu chaque semaine, profitez de l’occasion pour pratiquer.

La seconde raison c’est qu’en photographiant tous les danseurs, vous pouvez faire plaisir à d’autres. Et la photographie est aussi – surtout – une question de plaisir. Offrir une photo réussie à un jeune ou sa famille et voir les regards s’émerveiller, ça n’a pas de prix. Ne manquez pas cette occasion d’être généreux. Vous pouvez même offrir des tirages papier, ça ne coûte pas bien cher et ça fait encore plus plaisir.

La troisième raison c’est qu’en photographiant tout le spectacle vous allez intéresser les professeurs et l’encadrement. Ils ont souvent peu de temps pour la photographie, voire pas du tout, et souvent pas les compétences non plus. Or garder une trace visuelle d’un spectacle est toujours intéressant quand on l’a créé. La plupart des spectacles de danse sont filmés désormais, mais cela ne remplace pas quelques belles photos. De plus si vos images sont de qualité, vous pourrez être invité à d’autres spectacles, autant d’occasions de pratiquer. Et, pourquoi pas, proposer une exposition de vos photos, ce qui est toujours un temps fort dans la vie d’un photographe.

Sachez que ce que souhaitent les professeurs, ce sont des photos d’ensemble, quelques portraits et surtout des visages bien éclairés.

Photographier un spectacle de danse, ce n’est pas photographier un seul danseur en gros plan.

À retenir pour réussir vos photos de spectacle de danse

1. Anticipez : renseignez-vous sur la scène, l’éclairage et le déroulé avant le jour J
2. Placez-vous dans l’axe médian de la scène, jamais sur le côté
3. Shootez en RAW, ISO 6 400 à 8 000, ouverture maximale de votre objectif
4. Gardez un temps de pose au moins au 1/250e, idéalement 1/500e
5. Bannissez le flash, préférez un objectif lumineux (f/2.8 à f/1.4)
6. Déclenchez en rafale pour capter l’instant décisif : saut, amplitude maximale, émotion du visage

Photographier un spectacle de danse, en conclusion

Photographier un spectacle de danse est une pratique difficile, qui demande du savoir-faire, un minimum de matériel et beaucoup d’humilité. Vous ne réussirez pas toutes vos photos dès la première fois.

Mais avec le temps, la pratique et avec un peu de patience, vous pouvez faire de bonnes photos que vous aurez plaisir à voir, à partager, à offrir.

Les conseils ci-dessus vous aident à démarrer, mais rien ne remplace l’expérience. Alors faites comme moi, dès que l’occasion se présente, foncez et … faites des photos !

Les éditions Eyrolles proposent deux ebooks photo dédiés à la pratique : Photo de Studio et Retouche par Scott Kelby et Photographier la nature en macro par Gérard Blondeau.

Après les eBooks photo dédiés au traitement des fichiers RAW et les ebooks dédiés aux Nikon D800 et Canon EOS 5D Mark III, voici deux nouveaux ouvrages au format électronique à télécharger et consulter sur ordinateur, ou tablette.

Tous les secrets de la photo de studio dévoilés, étape par étape

eBooks photo : Photo de studio par Scott Kelby

Le photographe Scott Kelby partage son savoir-faire en matière de photo de studio au travers de 12 séances de prises de vue réelles. Chaque étape est minutieusement détaillée : choix des accessoires, plan d’éclairage, réglages du boîtier, shooting et post-traitement dans Photoshop.

Les plans d’éclairage sont présentés en pleine page. Vous pouvez ainsi voir avec précision le positionnement de chaque élément (le sujet, le photographe, les lampes et autres accessoires, le fond, etc.). Et pour que rien ne vous échappe, vous disposez parallèlement de clichés « en coulisses » de la séance de prises de vue.

En matière de post-traitement, Scott Kelby détaille pas à pas la retouche des cheveux, des yeux et de la peau, pour créer des portraits à fort contraste.

Bonus : en fin d’ouvrage, l’auteur vous propose un chapitre bonus pour vous montrer comment reproduire ces mêmes photos de studio au moyen de seuls flashs cobra et des modificateurs adaptés.

Procurez-vous l’eBook Photo de Studio et Retouche de Scott Kelby chez Eyrolles.

eBook photos : Photographier la nature en macro par Gérard Blondeau

Destiné aux amoureux de la nature, ce guide vous donne les clés pour photographier insectes, plantes ou petits animaux. Se voulant très pratique, le guide vous donne de nombreux conseils techniques, depuis le choix du boîtier, des objectifs, des flashs et autres accessoires, jusqu’à la mise en place de l’éclairage ou l’installation d’un aquarium.

Le guide est organisé par saison, pour que vous puissiez tirer parti de la nature quelle que soit la période de l’année. Vous verrez également qu’il ne faut pas nécessairement aller bien loin de chez soi pour réussir de belles photos nature.

Cette nouvelle édition mise à jour comprend des ateliers pour approfondir certaines techniques photo – atténuer un reflet, gérer transparences et contre-jours, aménager un studio macro… – ou de se perfectionner dans la recherche de petits sujets.

Procurez-vous l’eBook Photographier la nature en macro de Gérard Blondeau chez Eyrolles.

Que vous soyez fan de photo de rue ou tout simplement curieux d’en savoir plus sur cette pratique photographique, voici trois ebooks sur la Street Photography à télécharger gratuitement.

Ces documents sont écrits en anglais, mais ils sont riches d’enseignement si vous souhaitez en savoir plus sur la pratique consistant à prendre des photos sur le vif, dans la rue, en ville, en voyage.

Street Photography selon Thomas Leuthard : Going Candid

Thomas Leuthard, un photographe suisse, a consigné dans son ouvrage superbement illustré ses observations et son expérience de la Street Photography.

Son premier ebook, « Going candid », est une introduction au sujet avec plein de conseils utiles pour découvrir la pratique, choisir son matériel, aborder les différentes situations, partager ses photos.

Thomas Leuthard a écrit deux autres ebooks sur la Street Photography mais il a arrêté sa pratique depuis et ne propose plus ces livres en téléchargement depuis son site (qui n’existe plus non plus).

Street Photography selon Marie Laigneau : Creating impact

Le deuxième ebook de cette sélection est écrit par Marie Laigneau et s’intitule « Creating impact ».

Il s’agit d’une analyse de l’effet qui lie la composition d’une photo à l’histoire que la photo raconte.

Street Photography selon Alex Coghe : Street Photography

Le troisième ebook est l’œuvre d’Alex Coghe, un photographe basé à Mexico City. Cet ebook propose lui-aussi plein de trucs, astuces, conseils sur la photo de rue.

Il vous faudra passer outre la barrière de la langue si vous pratiquez difficilement l’anglais mais néanmoins, les illustrations valent à elles seules le coup de télécharger ces documents. Ils sont proposés au format PDF et peuvent se lire sur votre ordinateur comme sur les tablettes numériques, de quoi occuper les longs trajets et agrémenter vos journées !

Vous trouverez une liste d’ebooks sur la Street Photography mise à jour sur le site StreetBounty.

Si toutefois vous êtes réfractaire à l’anglais, je vous recommande l’ouvrage de Gildas Lepetit-Castel, en bon français, intitulé « Les secrets de la photo de rue » qui contient tout ce qu’il faut savoir sur le sujet.

Ce guide au meilleur prix …

L’été arrive à grands pas et les vacances avec. Pour vous permettre de ne rien oublier avant votre départ et de profiter au mieux de vos congés, voici une liste d’accessoires photo qui peuvent vous rendre service.

Rien d’indispensable mais des « petits plus » qui peuvent faire la différence sur le terrain ou lors d’un séjour prolongé en extérieur. Profitez également de cette période pour améliorer votre pratique de la photo en lisant quelques livres, c’est le bon moment. Vous pouvez aussi parcourir le guide d’achat accessoires complet.

Appareil photo étanche

Vous avez fait le choix de passer vos vacances sur la plage ou dans une zone qui mettra à mal votre appareil photo bien aimé ?

Il peut être intéressant de vous procurer un matériel de prise de vue adéquat.

Le compact Nikon Coolpix W300 étanche saura aller sous l’eau pour le plus grand plaisir des plus jeunes (et des mamans).

Vous êtes fan de sports nautiques, de moto, de vélo, de VTT ? Adoptez les caméras HD GoPro qui filment dans toutes les positions, toutes les situations en qualité HD. Les professionnels ne s’y sont pas trompés puisque ces caméras sont utilisées dans la plupart des reportages TV.

Faire des photos originales

Vous avez envie d’images originales ? Le Lens Baby vous permettra de sortir des sentiers battus et d’user de l’effet tilt-shift sur votre reflex numérique. A découvrir.

Vous en avez assez de ce zoom peu performant qui équipe depuis toujours votre reflex ? Utilisez une focale fixe et n’en changez pas, avec le Nikon 8-15 mm Fish Eye

Et si comme de nombreux lecteurs désormais, votre appareil photo du quotidien est un … téléphone alors greffez un télé-objectif sur votre iPhone avec le télé Rollei pour iPhone et obtenez des images très spéciales.

Accessoires photo : lecteur de cartes, videur de carte

Les vacances sont souvent synonymes de séances photos nombreuses et vos cartes mémoire sont vite pleines. Choisissez des cartes de grande capacité avec les modèles 64 et 128 Go de Lexar.

Vous pouvez également adopter une solution de sauvegarde mobile pour votre ordinateur, les modèles Western Digital sont réputés parmi les plus fiables.

Si c’est le transfert sur ordinateur qui vous pose problème, rien de tel qu’un lecteur externe USB 3.0 pour aller vite et sécuriser les échanges de fichiers. Le lecteur de carte Lexar USB 3.0 est un modèle performant.

Livres photo pour les vacances

Faites de meilleures photos grâce au guide de la photo de paysages heure par heure, au guide Les secrets du cadrage photo ou encore au guide Les secrets de la photo de paysage.

Vous allez vous balader tous les jours en ville ? Mettez-vous à la photo de rue ou Street Photography avec le guide « 52 défis Street Photography » et exercez votre regard pour produire des séries photos dont vous serez fier.

Vous avez d’autres accessoires ou articles favoris ? Vous souhaitez en faire profiter nos lecteurs ? Laissez un commentaire et indiquez-nous vos choix !

Zoom sur le portrait est le dernier volume de la collection pratique photo proposée par les éditions Pearson. Ecrit par Bruno Lévy, ce guide s’adresse à ceux qui cherchent des conseils et des idées pour développer leur pratique du portrait photo.

Ce livre au meilleur prix …

Zoom sur le portrait de Bruno Lévy, présentation

Cet ouvrage aborde un sujet traité de multiples fois dans d’autres livres, et vous pouvez vous demander ce qui peut bien le différencier des précédents. Il suffit de le feuilleter pour comprendre que l’auteur nous présente non pas un guide technique de la photo de portrait mais bien un ouvrage de réflexion sur le sujet.

Bruno Lévy est photographe indépendant. Après un passage au laboratoire noir et blanc de l’agence France Presse, puis de l’agence SIPA et du quotidien Libération, il se lance en 2007 et réalise de nombreux portraits pour Le Monde, Les Echos, Challenges et quelques autres magazines.

Il photographie régulièrement des personnalités du monde politique et industriel ainsi que des inconnus rencontrés à Paris. Ces portraits réalisés au hasard de gens rencontrés dans la rue sont visibles sur le blog Bobines.

« Faire un portrait, c’est mettre en œuvre des choix. Des choix de lumière et des choix de sens. »

S’il ne fallait retenir qu’une seule phrase de ce livre, c’est celle que je choisirais.

Bruno Lévy vous propose une analyse complète du sujet, plus qu’un recueil de conseils et de choix techniques. Bien évidemment ces points sont également abordés et les derniers chapitres du livre contiennent de nombreuses images commentées, avec des plans d’éclairage qui vous aideront à monter vos propres scènes.

Abordant le thème traité sous un angle esthétique, humain, l’auteur vous invite à la réflexion. Il vous fait vous poser les bonnes questions tout en proposant une présentation qui rend le livre agréable à parcourir :

• l’Art du portrait en photographie,
• exposition et développement,
• le cadre,
• la lumière,
• intimes convictions,
• annexes.

Autant de chapitres qu’il vous sera possible de consulter l’un à la suite de l’autre ou un par un selon vos envies.

Cet ouvrage incitant à la réflexion, je vous conseille de prendre le temps de le découvrir, de le lire, de le relire et de digérer.

« Faire le portrait des autres, c’est avoir envie de leur présence, avoir envie de les prendre en soi, de les faire plonger au fond de notre regard … »

Si vous êtes adepte des guides techniques, préférez un autre ouvrage comme Les secrets de la photo de portrait, mais si pour vous le portrait est un acte photographique fort et que vous souhaitez comprendre comment aborder ce thème, je ne peux que vous conseiller ce livre.

Ce livre au meilleur prix …

Les Rencontres Nikon Passion 2006 se sont déroulées à Issy-les-Moulineaux en présence de nombreux membres de la communauté Nikon Passion et fidèles lecteurs du site.

Voici le résumé de cette journée, vue par un des participants qui a vécu, manifestement, une … sacrée journée !

Rencontres Nikon Passion 2006 : Episode I

Il est 5h, dedechercheur s’éveille (NDLR, c’est le petit nom de notre lecteur). Il est 5 heures, c’est pas une heure pour un retraité… Mais aujourd’hui n’est pas une journée comme les autres, c’est la Rencontre Nikon Passion !!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!

Un peu plus de 6 heures, j’embarque Daniel, un ami, à notre point de rendez-vous. Dernière mise au point sur le road book avec itinéraire Périph’ et de secours via les quais. Lors de notre première visite à la porte de Versailles, c’était… planté de chez planté. Paris by jour, c’est joli mais pas à chaque fois surtout vu depuis la Francilienne.

9h30, mon copilote et moi (à notre grand étonnement), nous nous trouvons au pied du numéro 143. L’adresse de ces Rencontres.

Y a t’il quelqu’un ? Y sont où les Parisiens ? On est les premiers !

Coup de fil à José (un autre participant), il est en train de terminer son petit dej’ (c’est une blague). Il arrive. En attendant, on va prendre un jus.

Accueil par José qui ne ressemble pas à l’hôtesse promise par le Boss. On fait pas les difficiles.

Montée à l’étage où les secrets de Nikon Passion sont super protégés. Pour passer chaque porte, il faut un « Nikon Passion code ». J’vous dis pas. Nos secrets sont bien gardés.

Arrivée dans la salle, super grande, super éclairée et pour l’instant super vide. Nous faisons connaissance avec ceux que nous ne connaissons pas (c’est normal non ?). On voit notre Boss et Jeremy autrement qu’en petite vignette. Nous retrouvons Laurence venue de sa lointaine Belgique et Jef de Prague.

Tables et chaises sont mises en place. Quelques affiches (qui ne le voulaient pas) sont fixées sur les murs.

Midi arrive. Il est l’heure d’une légère collation (c’est bien dit ?) avant l’arrivée de la foule.

Episode II

Un peu plus de 14 h, retour dans la salle qui commence à être envahie. Ils sont tous là, venus de France et de Navarre pour vivre la… Rencontre NIKON PASSION !

Ils sont là les pseudos anonymes. On les voit enfin. Mais pour l’instant, ils sont tous aussi anonymes que sur le Forum. Claude Tauleigne est là également. Beaucoup attendent de recevoir son manuel sur le Nikon D200.

Notre badge fixé, les questions fusent du genre : t’es qui toi ? Réponse : un tel… ; poli : ah c’est toi ; en pensée : c’est l’enfoiré qui m’a « cassé » ma photo. Bref, tout se passe dans la bonne humeur. Ambiance style retrouvailles de potes.

Au fil des discussions, les groupes se forment et se reforment. On y parle de (devinez) photos et d’autres sujets. Les ateliers « techniques » sont fort entourés. J’assiège le pôvre de La Boutique Photo Nikon coincé entre sa table à objectifs et la fenêtre (heureusement fermée). Super ce matos !!!!!!! C’est quelle marque (rire) Nikon : ah… booon.

Je lui place la complainte du mec qui attend son 17/55 f/2.8 et qui n’est pas livré. Mais, je le vois, je le tripote, pardon le touche (le 17/55). Enfin,je l’ai sur le D200. Mais après essais, je dois le rendre. C’est un super objectif, mais que l’attente est longue pour l’avoir rien que pour moi.

J’essaie aussi une « bête » le 200 mm f/2 VR. Quel engin, impressionnant mais quel poids. Faudra faire de la muscu avant tout reportage. Je crois que mon D200, accroché à lui, a rétréci. Le résultat m’a impressionné. Il est bardé de boutons comme un jeune avec son acné. Faudrait ça pour les photos de concerts. Mais c’est un rêve…. C’est un objectif avec lequel on prend son pied. A main levée, c’est dur dur…

De nombreux objectifs étaient en démo. Beaucoup d’essais ont été faits. Je pense que l’on peut remercier cette personne de sa disponibilité. Dans un élan de (grande) générosité, je prête mon 180 mm à Laurence et Jeremy. Je me demande encore comment j’ai pu, mais c’est fait. D’autres consultent mon manuel du D200. Je les surveille du coin de l’œil.

Mais l’heure avançant, c’est déjà le retour. Il faut nous quitter. Ce n’est qu’un « au revoir ».

A bientôt pour une prochaine édition des Rencontres Nikon Passion !

dedechercheur