Dans cette seconde édition du livre « Les secrets du cadrage photo », Denis Dubesset vous fait découvrir ce qui va faire de vos photos des images plus harmonieuses, plus fortes, avec un impact visuel plus important pour ceux qui vont les regarder.

Plus qu’une simple réimpression assortie d’une nouvelle couverture, cette seconde édition est entièrement remaniée, les textes actualisés, de nouvelles photos illustrent chaque chapitre. Ce livre va vous apprendre les notions essentielles pour passer un cap en photographie et faire des photos qui vous plaisent toujours plus.

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Le cadrage en photographie : de la composition, de la créativité, et puis ?

Lorsque vous avez débuté en photographie, vous avez peut-être tenu compte des règles communément admises : bien exposer, respecter l’horizon, ne pas centrer votre sujet, … Ces règles qui ne demandent qu’à être oubliées une fois que vous les maîtrisez ne vous ont toutefois pas permis encore de faire les photos que vous aimeriez faire.

Il vous manque quelque chose. Ce « quelque chose » qui fait une bonne photo, même si la définition d’une bonne photo reste toujours quelque chose de subjectif (voir la définition de Michael Freeman).

Denis Dubesset est photographe professionnel, j’ai eu le plaisir de l’interviewer lors du Salon de la Photo de Paris en 2019 sur le stand des éditions Eyrolles. En 2014, Denis a écrit un livre sur l’art du cadrage en photographie. J’avais apprécié cet ouvrage à l’époque, tout comme les autres volumes de la collection « Les Secrets de … » chez Eyrolles. Ces livres sont très accessibles, ils adressent les besoins des photographes débutants comme plus experts. Je n’ai que des retours positifs à leur sujet.

Denis Dubesset, lui, a déjà publié plusieurs livres sur la photo (voir Développer son style en photographie et La photo minimaliste), et plutôt que d’écrire un nième opus sur des sujets proches, il a préféré actualiser la première édition de son livre sur le cadrage photo. Une initiative que je salue, car trop de nouvelles éditions sont de simples réimpressions, datées souvent, obsolètes parfois.

Ici tout est nouveau ou presque. Le nouveau texte, déjà, vous invite à plus d’exercices, de pratique sur le terrain. Expliquer est une chose mais pratiquer en est une autre. C’est ce que l’auteur vous invite à faire.

Les images sont nouvelles aussi pour la plupart. Vous me direz, et vous aurez raison, que cela ne justifie pas une nouvelle édition. C’est vrai. Toutefois à nouvelle approche, nouvelles images, les exemples commentés dans la dernière partie du livre sont choisis pour coller au mieux à ce qui est présenté avant. Et comme l’approche a évolué, il est logique que les photos évoluent aussi. CQFD.

Qu’allez-vous apprendre avec ce livre sur le cadrage en photographie ?

Ce livre va vous apprendre ce que signifie le terme ‘cadrage photo‘. Vous pensez qu’il ne s’agit « que » de remplir le cadre dans votre viseur en prenant soin de ne pas placer votre sujet au centre ? Vous vous trompez.

Le cadrage, en photographie, est lié à la notion de composition. Cadrer c’est aussi composer, « mettre en place de façon minutieuse les éléments qui composent votre image ».

Partant des grands principes et règles établies, Denis Dubesset vous invite à réfléchir à votre approche en vous livrant à quelques exercices pratiques.

« Réfléchir » est le fil conducteur de ce livre, l’art du cadrage et de la composition n’étant pas quelque chose qui s’achète mais plutôt une pratique personnelle qui s’affine avec le temps. Je retrouve bien ici l’approche personnelle de Denis Dubesset, ne pas se contenter de poncifs mais penser à ce que vous voulez dire, exprimer, transmettre. Les possibles imperfections vous seront alors pardonnées.

Au sommaire des secrets du cadrage photo

Parcourez ce livre dans l’ordre établi par l’auteur, il est pensé pour faciliter votre apprentissage :

• apprendre à lire une image
• savoir choisir votre cadrage photo
• les règles de composition classiques
• savoir composer instinctivement
• post-traiter vos images pour finir le travail

J’ai particulièrement apprécié le chapitre décrivant les erreurs classiques. Nous les commettons tous, parfois sans nous en rendre compte aussi les voir ainsi listées et détaillées va vous aider à identifier celles que vous faites peut-être. Prendre conscience de vos erreurs vous aidera ensuite à ne plus les commettre.

Avant les images expliquées qui constituent la dernière partie du livre, Denis Dubesset vous invite à mettre en œuvre ce que vous avez découvert précédemment :

• faire entrer le spectateur dans l’image,
• créer un cadre dans le cadre,
• jouer avec les couleurs,
• travailler le noir et blanc,
• hiérarchiser les plans,
• observer en gros plan,
• figer le temps,
• cadrer le mouvement,
• photographier les choses banales,
• jouer avec le graphisme,
• raconter une histoire en photo.

Cette liste peut vous paraître bien longue, vous pensez peut-être que tout ne vous concerne pas et pourtant … souhaitez-vous faire toujours les mêmes photos, ne jamais vous renouveler ? Aimeriez-vous au contraire pouvoir traiter différents sujets, différentes scènes tout en produisant des images toujours aussi attrayantes ? Prenez le temps de tout lire !

La dernière partie du livre est consacrée à l’étude de dix photos. Vous allez découvrir ce qu’est la lecture d’images, l’analyse de la composition. Pour chacune de ces dix photos, l’auteur vous invite à vous poser les questions suivantes :

• quelle intention a conduit l’auteur à faire cette photo ?
• comment a t-il fait pour guider le regard du spectateur ?
• pourquoi avoir choisi ce cadre, cette orientation, cet angle de vue ?

Imaginez que vous sachiez ensuite trouver vous-aussi les réponses à ces questions pour vos photos … Puis y répondre avant même de déclencher … instinctivement … Vous avez alors compris l’intérêt de ce livre pour vous.

Les secrets du cadrage photo : à qui s’adresse ce livre ?

Ce livre sur le cadrage photo et la composition s’adresse au photographe débutant qui va y trouver de quoi s’intéresser à l’image plus qu’à la technique. Cela ne nuit jamais.

Il s’adresse aussi au photographe amateur qui n’arrive pas à progresser, ne sachant pas ce qui coince dans sa production. Réfléchir en vous posant les bonnes questions va vous aider à trouver les réponses.

Il s’adresse enfin au photographe expert, satisfait par la plupart de ses images, mais qui voudrait développer une démarche plus aboutie, une démarche d’auteur. Si c’est votre cas, vous y trouverez de quoi « penser » votre production d’images, plutôt que de déclencher d’abord et de chercher à trouver du sens à vos images ensuite, en constatant bien souvent le manque d’unité caractéristique d’une démarche encore fragile.

Proposé par l’éditeur au tarif public de 23 euros, ce livre vous permet de prendre de la distance avec la technique pour (enfin) réfléchir à votre démarche créative personnelle. Un bel objectif non ?

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Apprendre la vidéo c’est apprendre le tournage, le montage, la post-production. Rien de tel qu’un guide vidéo pour découvrir, à votre rythme, les bases. Mais les bons livres sur la vidéo sont rares.

J’ai chroniqué quelques livres ces dernières années, voici une liste d’ouvrages recommandables. Je l’enrichis chaque fois que je découvre un nouveau livre susceptible de vous intéresser.

Pourquoi la vidéo ?

La vidéo a fait son apparition sur les appareils photo avec le Nikon D90 en 2008. Depuis elle n’a eu de cesse d’occuper une part de plus en plus importante. Les appareils photo hybrides sont devenus le matériel principal de nombreux vidéastes, le format vidéo est partout sur le web et les réseaux sociaux.

Toutefois ne s’improvise pas vidéaste qui veut.

Photographie et vidéo, deux mondes opposés se rapprochent

Les appareils photo, et les hybrides en particulier (le Nikon Z 50 par exemple), sont capables de faire des photos comme de tourner des vidéos.

Certains hybrides ne sont mêmes utilisés que pour tourner, et livrés en kit avec les accessoires indispensables.

C’est le cas du kit cinéma pour le Nikon Z 6.

Ils ne sont pas les seuls.

Les smartphones, longtemps considérés comme les pires appareils photo, sont capables de tourner des vidéos d’excellente qualité (je vous recommande le blog de Laurent Clause sur la vidéo smartphone).

Les drones sont eux-aussi des caméras vidéos.

Je ne parle pas des caméras d’action type GoPro dont le but principal est de filmer.

Dans les faits, le passage de la photo à la vidéo n’est pas aussi complexe que le passage de la vidéo à la photo.

Les vidéastes professionnels interrogés m’ont tous dit qu’un photographe maîtrisant le sens du cadrage et de la composition se débrouille vite très bien en vidéo.

A l’inverse, un vidéaste sans aucune pratique de la photographie a plus de mal à s’y mettre lorsqu’il s’agit de cadrer avec précision l’image fixe.

Vous êtes photographe et vous maîtrisez le cadrage et la composition ? Vous pouvez envisager sereinement la vidéo !

Toutefois, lorsqu’il s’agit de savoir « comment faire », photographie et vidéo font appel à des notions techniques distinctes :

• vocabulaire,
• choix techniques,
• accessoires,
• logiciels.

La contrainte supplémentaire en vidéo

Je ne vous apprendrai rien en disant que la photographie c’est l’image fixe tandis que la vidéo c’est l’image animée.

Pour réaliser une vidéo, vous allez devoir filmer une suite de plans à assembler ensuite quand vous faites plusieurs images en photo sans devoir forcément les assembler en une série cohérente.

La différence principale, qui pose problème à de nombreux débutants en vidéo, c’est la dualité image ET son :

• enregistrer l’image ET le son,
• monter l’image ET le son.

Des guides pour apprendre la vidéo

Pour découvrir : Osez la vidéo avec votre appareil photo

Ce livre est écrit par Céline et Guillaume Manceron, que vous connaissez si vous écoutez le podcast Agora Show que nous animons ensemble.

Guillaume a de longues années de tournage vidéo derrière lui, Céline aussi, ils ont compilé dans ce livre leurs meilleurs conseils pour débuter.

C’est un ouvrage à destination des plus débutants, abordable, grâce auquel vous pourrez faire votre entrée dans le monde de la vidéo.

Pour apprendre : Cours de vidéo

Cet autre ouvrage est le pendant en vidéo du fameux guide de la photographie de René Bouillot, écrit par le même auteur, et actualisé par un réalisateur et un formateur vidéo depuis la disparition de René.

Vous allez rentrer dans les détails, découvrir toutes les subtilités de la vidéo, au risque de vous y perdre parfois, mais c’est une des références toujours aussi pertinentes.

Revenez-y chaque fois que vous avez un problème de compréhension.

Pour maîtriser : Les secrets de l’image vidéo

Philippe Bellaïche travaille pour la télévision, il a écrit un guide considéré comme le plus pointu en langue française sur la technique vidéo. Tout y est : l’essentiel, l’important, le superflu.

Ce guide va très loin, trop loin souvent pour un simple vidéaste.

Mais si vous aimez creuser un sujet, que vous voulez en faire le tour, alors c’est le meilleur choix.

Pour réaliser une vidéo ou un court-métrage : Comment réaliser son film de A à Z

Réaliser son film, car c’est bien de cela dont il s’agit YouTube ou non, demande de connaître les fondamentaux de la réalisation. Si vous pensiez y échapper, mauvaise nouvelle, ce n’est pas possible. La bonne nouvelle c’est que vous pouvez tout apprendre avec ce seul livre de Tiburce avant de passer à la pratique.

Des guides sur le matériel vidéo

Je ne vous cache pas que cette section reste pauvre en ouvrages pertinents et récents. Les vidéastes n’ont soit pas remis à jour leurs livres, soit pas été sollicités pour écrire. Voici toutefois quelques ouvrages présentés lors de leur sortie et qui peuvent vous intéresser encore.

Maîtriser sa GoPro

Les caméras d’action sont partout, grâce à GoPro qui a banalisé ce type de matériel, copié depuis par plusieurs autres marques.

Pour apprendre à bien utiliser votre GoPro, vous pouvez consulter ce livre, qui date toutefois et peut faire référence à d’anciens modèles de caméras sans présenter les spécificités des plus récentes (la 4K par exemple).

A ma connaissance il n’existe pas de mise à jour.

Filmer et photographier avec un drone

Eric de Keyser a mis à jour la première édition de son livre sur les drones. Celui-ci reste d’actualité pour tout ce qui concerne les bases, les grands principes du drone en tournage vidéo.

Même remarque toutefois que pour le précédent ouvrage, une actualisation avec les modèles et technologies les plus récents serait la bienvenue.

Des guides pour apprendre le montage vidéo

Une fois les rushs tournés, il faut les monter. C’est le travail de post-production et de montage indispensable pour finaliser votre vidéo.

Tout comme pour la section précédente, les livres pertinents sont peu nombreux. Faute aux évolutions fréquentes des logiciels qui imposent aux auteurs de faire d’incessantes mises à jour des livres et aux éditeurs de réimprimer sans cesse de nouvelles éditions dont les chiffres de vente sont souvent anecdotiques. Notez que c’est la même chose en photographie, les guides sur les logiciels ne font plus recette.

Comment monter une vidéo avec Premiere Pro ?

Seconde édition d’un livre qui fait référence si vous vous intéressez au logiciel de montage Premiere Pro, l’ouvrage d’Aurélie Gonin-Monod est à jour. Profitez-en !

Apprendre la vidéo : à suivre …

J’ai recensé ici les références actuelles ou encore pertinentes pour vous aider à identifier les meilleurs livres pour apprendre la vidéo.

Vous l’aurez constaté, ils sont peu nombreux.

Si vous connaissez des ouvrages qui peuvent venir compléter cette liste, laissez-moi un message via les commentaires, je suis preneur.

Le photoreportage intéresse le photographe amateur comme professionnel qui veut ou doit produire une série de photos sur un sujet donné, dans un temps imparti. Le photoreportage (ou reportage photo) utilise la photographie comme support visuel, complétée ou non par d’autres media comme la vidéo ou le texte.

Le photoreportage raconte une histoire, il demande un savoir-faire pour être mené à bien. C’est ce que Fred Marie, photoreporter français, vous propose de découvrir dans ce livre paru chez Eyrolles dans la collection « Les secrets de … ».

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Les secrets du photoreportage : apprendre à raconter des histoires

Contrairement à ce que vous pourriez penser, multiplier les prises de vue sur un sujet donné sans but précis n’est pas construire un reportage photo.

Construire un reportage photo c’est :

• trouver une histoire à raconter,
• écrire cette histoire (ou faire un story board),
• raconter l’histoire en images,
• faire passer un message au travers de ces images.

Vous pourriez aussi penser que le photoreportage n’est pas pour vous, qu’il faut être journaliste, photographe professionnel et disposer d’un matériel de pro. Ce n’est pas le cas, c’est ce que Fred Marie va vous faire découvrir.

Si vous ne connaissez pas Fred Marie, sachez qu’il est reporter-photographe professionnel et travaille pour la presse nationale et internationale (en savoir plus). Vous avez peut-être déjà vu ses reportages dans Paris Match, VSD, Géo, Libération, The Guardian, etc.

Entre deux reportages il a pris le temps de mettre noir sur blanc ce qui fait son quotidien, d’enrichir le texte de (très nombreuses …) photos extraites de ses différents reportages, et de suivre le plan commun aux ouvrages de la collection « Les secrets de …« . Cette série vous fait découvrir différents domaines photographiques, et apprendre les techniques des pros. Dans « Les secrets du photoreportage », vous allez donc découvrir :

• l’équipement du reporter photographe et son matériel photo,
• tout ce qui concerne le storytelling et la gestion du sujet,
• les choix créatifs (cadrage, composition) participant au récit,
• l’editing et le post-traitement des images,
• quelques notions sur la diffusion des images,
• des photos extraites de reportages et pourquoi l’auteur les a faites.

Fred Marie a (abondamment …) pioché dans ses archives pour illustrer le livre. Travaillant souvent avec l’armée, lors de conflits et dans des zones sensibles – beaucoup de ces images pourront vous sembler en décalage avec vos envies. Prenez le temps de découvrir les reportages nature, sportifs ou urbains de l’auteur. Vous verrez qu’ils sont construits de la même façon que ses autres reportages et que le résultat est là aussi un véritable récit.

Ce que vous allez apprendre avec ce livre

Vous allez découvrir que vous avez déjà avec vous le matériel nécessaire pour faire des reportages photo. Peut-être même que ce matériel se trouve dans votre poche au moment où vous lisez ces lignes. Oui, Fred Marie utilise parfois un smartphone pour faire ses photos, avant de crier au scandale demandez-vous pourquoi un photoreporter professionnel fait cela, il y a peut-être une bonne raison (la réponse est en page 16).

Que les plus inquiets se rassurent, notre homme utilise aussi – et surtout – un appareil photo (hybride), il vous explique les choix de matériel et de réglages qu’il fait selon le reportage dans les deux premiers chapitres.

Dans le troisième et le quatrième, il vous parle storytelling et gestion du sujet (le storytelling est l’art de raconter une histoire), vous y trouverez les conseils indispensables :

• pour faire poser vos sujets,
• ne pas dénaturer la scène ni l’ambiance,
• ne pas exagérer tout en provoquant un peu.

Un reportage photo comportant plusieurs séquences différentes, intéressez-vous aussi au chapitre « cadrage et composition ». Vous comprendrez pourquoi certaines photos doivent sortir du lot, peuvent faire la Une d’un magazine (voir celle de la page 57) tandis que d’autres servent à documenter l’histoire.

Construire un reportage photo c’est aussi – surtout ? – savoir trier vos photos. La phase d’editing (page 110 et suivantes) doit vous permettre de choisir des photos qui fonctionnent ensemble, qui participent au récit. Vous allez voir quels sont les critères de choix, même si j’aurais apprécié plus de détails ici, avec des exemples visuels et des contre-exemples.

Une fois les photos choisies vous devez harmoniser leur rendu, Fred Marie vous dévoile sa méthode de traitement avec Lightroom (les photos ne doivent pas être dénaturées), et vous montre comment renseigner les données indispensables à faire apparaître sur vos fichiers. Le sujet est ici traité un peu vite, j’aurais apprécié plus de détails sur les choix à faire et dans quel esprit les faire.

Pour finir, vous découvrirez quelques conseils pour vendre à la presse, gérer la relation avec les agences et diffuser vos images par vous-même. Cette partie là est assez succincte, pensez à consulter « Combien vendre une photo » pour en savoir plus sur le statut du photographe professionnel et la vente d’images.

L’exemple par l’image

Fred Marie a choisi sept photos pour résumer ce qu’il a présenté tout au long du livre, et vous dit, pour chacune :

• pourquoi il a fait cette photo,
• dans quel contexte,
• qu’est-ce qu’il a voulu montrer.

Ne cherchez pas les détails techniques (matériel utilisé, données EXIF), ils n’y sont pas. Cela peut vous paraître frustrant, mais dites-vous bien que même en ayant ces informations, vous ne pourrez pas refaire ces photos à l’identique. Mieux vaut comprendre comment est née chaque photo, dans quel esprit, et ce que son auteur a voulu transmettre (c’est la même approche que celle de « 30 photos décryptées« ).

Mon avis sur ce livre

Sans être un recueil de référence sur le photoreportage, ce livre vous livre les notions essentielles à connaître pour découvrir cette pratique, en comprendre les règles et vous lancer.

Bien que certains chapitres manquent de matière pour aider les moins aguerris à faire leurs premiers pas, l’auteur met le doigt sur ce dont il faut avoir conscience pour réussir un reportage. A vous de chercher ensuite la documentation requise pour aller plus loin.

Ce livre va vous intéresser si :

• vous voulez faire des reportages photo et ne savez pas par où commencer,
• vous maîtrisez votre matériel photo mais ne savez pas raconter une histoire,
• vous n’êtes pas satisfait des premier reportages que vous avez pu faire,
• vous voulez devenir reporter photographe,
• vous voulez développer votre créativité et faire des photos plus intéressantes (rappel : la créativité n’est pas un don reçu à la naissance).

Ce livre va moins vous intéresser si :

• vous êtes débutant en photographie et ne maîtrisez pas encore les bases de la prise de vue,
• vous aimez faire des images au fil de l’eau mais ne cherchez pas à construire un sujet,
• vous photographiez ce qui vous passe devant les yeux sans avoir une démarche proactive,
• vous n’aimez pas travailler sur un projet précis,
• vous cherchez un ouvrage de référence.

Comme pour tous les livres que je présente dans cette rubrique, prenez le temps de passer chez votre libraire pour prendre l’ouvrage en main, vous faire votre propre idée et découvrir plus en détail ce qu’il contient.

Il vous en coûtera 23 euros pour repartir avec, un tarif un peu élevé pour les 130 pages que compte le livre mais la qualité d’impression est au rendez-vous.

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En tant que photographe, amateur comme professionnel, vous devez faire en sorte de développer votre style en photographie pour que vos images vous ressemblent, pour montrer votre particularité et donner de la cohérence à vos photos.

Dans ce nouveau guide de la série ‘Les secrets de … » Denis Dubesset vous propose une méthode complète pour identifier et développer votre style en photographie. Il s’appuie sur l’analyse de son parcours, celui de plusieurs photographes connus, et détaille tout ce que vous devez savoir quel que soit votre niveau en photo.

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Comment développer votre style en photographie : la méthode de Denis Dubesset

« Le style, c’est l’identité visuelle du photographe, sa marque de fabrique« . Et ce que Denis Dubesset, déjà auteur de Les secrets du cadrage photo et Photographier les petits animaux vous propose d’apprendre à mettre en oeuvre tout au long de ce livre.

Si vous ne jurez que par les guides techniques sur la photo, n’allez pas plus loin, vous seriez déçu par ce livre.

Si par contre vous avez envie de faire de meilleures photos et que vous êtes convaincu que cela ne passe pas par l’achat d’un nouveau matériel, alors prenez le temps de lire cette chronique, et filez chez votre libraire. Vous avez trouvé le bon ouvrage.

Lorsqu’on apprend la photographie, la première étape consiste à savoir utiliser son appareil photo. Ce n’est ni le plus difficile ni le plus long (je vous propose d’apprendre ici).

Il vous faut ensuite savoir ce que vous voulez photographier, pourquoi, comment. C’est à partir de là que vous allez développer votre style, parfois sans même vous en rendre compte.

Certains photographes n’éprouvent pas ce besoin, c’est légitime. Comme le dit Denis Dubesset en introduction, il n’est pas indispensable d’avoir un style en photographie et vous pouvez très bien vous en passer si votre plaisir à vous consiste à utiliser votre appareil photo pour rapporter quelques souvenirs.

Si toutefois vous éprouvez l’envie d’aller plus loin, d’avoir une démarche créative, de faire des photos différentes de celles des autres, de vous faire remarquer pour vos images plus que la taille et le prix de votre équipement, alors développer votre style est important.

L’intention en photographie

Je ne peux que vous inciter à (re)lire l’excellent ouvrage de Gildas Lepetit-Castel sur l’inspiration en photographie, il va vous montrer pourquoi vous avez déjà tout en vous, même si vous êtes débutant en photo, pour mener à bien un projet photo avec une intention précise.

En parcourant le tout premier chapitre du livre de Denis Dubesset, vous irez un cran plus loin puisque vous allez découvrir les quatre types d’intention du photographe (vous avez une de ces quatre à minima) ainsi que les dix composantes d’un projet photo pour lesquelles mettre en oeuvre votre style.

A ce stade, vous allez déjà beaucoup progresser puisque vous saurez quel type de photographe vous êtes. Ce qui va vous permettre d’adapter votre pratique photo, de vous focaliser sur votre style et de faire des séries de photos plus intéressantes.

L’évolution stylistique

Au second chapitre vous allez mettre en place une démarche de qualification de votre pratique photo. Où en êtes-vous parmi les différentes étapes :

• la découverte (de la photographie)
• l’apprentissage des techniques
• le bon élève
• la spécialisation
• l’émergence d’un style

Denis Dubesset revient ici sur ses débuts, en pur amateur, pour vous montrer ses premières photos et vous expliquer pourquoi il les a faites et pourquoi il est passé à autre chose. Intéressez-vous à sa progression car c’est celle que vous allez mettre en oeuvre aussi.

Sachez que Denis a appris la photographie tout seul et qu’aujourd’hui il est photographe professionnel, formateur et auteur, la méthode décrite fonctionne donc si vous prenez la peine de travailler un minimum (sans quoi ne pensez pas aller bien loin …).

Développer son style à la manière de …

Vous savez maintenant quel type de photographe vous êtes, où vous en êtes et il vous reste à affiner votre style. Pour cela Denis Dubesset vous propose d’imiter d’autres photographes.

Certains vont penser que c’est trop facile et que développer son style doit se faire dans son coin à sa façon. Je pense au contraire que réfléchir à ce que font les autres, trouver des points de convergence comme des incompatibilités est essentiel. J’ai souvent cherché à imiter des photographes dont j’aime les images, et tout en personnalisant les miennes j’ai beaucoup appris en étudiant leur style.

Denis Dubesset vous entraîne ici à la découverte de :

• Saul Leiter
• Martin Parr
• Edward Weston
• Rebecca Norris Webb (à ne pas confondre avec son mari ci-dessous)
• Alex Webb
• Raymond Depardon
• William Eggleston
• Bernd et Hilla Becher
• Michael Kenna (la pose longue, vous savez)

Pourquoi ces photographes et pas d’autres ? C’est un choix arbitraire que l’auteur justifie en introduction du livre. L’important ici n’est pas de considérer cette liste comme une liste de référence (je vois déjà les critiques arriver), mais plutôt d’apprendre à analyser le travail d’un photographe dont vous aimez les photos pour comprendre comment il a développé son style.

Figures de style

Passons à la pratique ! Dans ce dernier chapitre, vous allez faire des photos en intégrant ce que vous avez découvert et appris sur vous dans les chapitres précédents.

Denis Dubesset vous propose six exercices, six photos à réaliser dans un contexte donné. Le but de l’exercice n’est surtout pas de reproduire ce que l’auteur vous montre, mais bien de faire les six images en leur appliquant votre style. Ce que vous avez défini dans les chapitres précédents.

Qu’il s’agisse de la photo de paysage, de l’urbex, de la perspective, de la photo sous la pluie, des photos voilées, vous allez devoir réfléchir à l’image que vous voulez obtenir.

Vous le ferez d’autant plus facilement que vous savez à ce stade à quoi doit ressembler le résultat final, quels sont les moyens nécessaires, les techniques à mettre en oeuvre et ce qui vous satisfait ou non.

Mon avis sur le livre « Les secrets du style en photographie » de Denis Dubesset

Je découvre chaque mois plusieurs livres sur la photographie, qu’il s’agisse de guides pratiques comme de livres de photographie. Avec le temps j’avoue ne plus savoir comment conclure pour certains car que dire d’un guide pratique si ce n’est qu’il est « pratique » et que le contenu correspond au titre ou non ?

Donner un avis sur un livre traitant de la démarche du photographe, au delà de la technique, est plus complexe. Et plus intéressant. J’ai donc des réactions différentes, allant du « je n’ai pas aimé » à « c’est ma Bible !« .

Mon avis sur le livre de Denis Dubesset penche clairement plus du côté du livre de référence que du livre à brûler bien vite. Il fait le lien entre un guide d’apprentissage de la photo et un livre de photographie qu’il vous faut analyser par vous-même. Ici pas de vulgarisation technique, pas d’illustrations graphiques pour vous présenter un concept, pas de blabla scientifique. Denis Dubesset se prête à une analyse pertinente qui vous permet de bien comprendre comment devenir créatif, que vous ayez un don ou pas, et comment travailler pour créer votre univers.

Contrairement à l’auteur qui admet qu’il est possible de devenir photographe sans avoir de style (je vous renvoie à l’introduction), je pense au contraire que sans style vous resterez un preneur d’images mais ne deviendrez pas photographe. Il n’y a pas de honte à être un preneur d’images, j’en suis un bien souvent, mais si vous voulez montrer autre chose que les photos que font les autres dans les mêmes conditions, alors il vous faut donner à vos images un caractère plus personnel.

C’est cela « développer votre style en photographie » et Denis Dubesset vous l’explique de fort belle façon dans ce livre. Les 23 euros qu’il va vous en coûter pour l’étudier (le lire ne suffit pas) vous seront largement remboursés quand vous montrerez vos photos lors d’une exposition ou au travers d’un livre !

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Les livres pour apprendre la photo se suivent et se ressemblent souvent beaucoup. La petite encyclopédie  de la photo numérique, guide avancé de David Taylor, complète le précédent livre pour les plus débutants avec comme différenciateur principal une mise en page faisant la part belle aux illustrations.

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Petite encyclopédie de la photo numérique, guide avancé pour progresser en photographie

Je ne compte plus les livres pour apprendre la photo parus ces dernières années. Bien que les contenus finissent par se ressembler, c’est assez logique, chaque auteur fait la différence avec une approche personnelle, une méthode particulière, une mise en page spécifique ou un subtil mélange de tout ça.

David Taylor a fait le choix des illustrations pour ce nouveau livre qui complète celui de Chris Gatclum La petite encyclopédie de la photo numérique – la photo pour les débutants – parue précédemment. Egalement auteur de La photo comment ça marche en 70 infographies, il faut dire que l’homme a pour lui un parcours d’infographiste avant de devenir photographe professionnel et formateur, ça aide.

Des notions avancées

Cette petite encyclopédie de la photo numérique s’adresse aux photographes connaissant déjà les bases de la photographie. Vous savez ce que sont les termes exposition, mise au point autofocus, cadrage, composition … et vous connaissez les différentes gammes d’objectifs ? Vous pouvez donc faire des photos quel que soit votre équipement. Mais savez-vous comment aller plus loin ? Faire des photos dans toutes les situations ? 

C’est le but de l’auteur que de vous passer des informations complémentaires pour vous aider à appréhender des sujets plus complexes. Vous pouvez par exemple découvrir :

• quand utiliser le format JPG et le format RAW selon les photos que vous faites,
• comment choisir un point de vue,
• ajuster l’exposition et utiliser le bracketing,
• utiliser l’autofocus à la demande,
• quelle perspective attendre d’une focale particulière,
• la différence entre bonnettes macro, tubes allonge et objectifs macro,
• …

La liste des sujets abordée est longue, l’ensemble étant réparti en huit chapitres :

• équipement
• composition
• exposition
• mise au point
• objectifs
• filtres
• flash
• retouche d’images

Chaque double page propose un texte d’introduction, des encarts pour préciser certaines notions et plusieurs photos illustrant le sujet concerné. De très nombreuses illustrations montrant les menus, les réglages, les pictogrammes des appareils photo (dont les reflex Nikon) vous permettent de faire le lien avec votre appareil photo.

Le dernier chapitre sur la retouche d’images que j’aurais volontiers nommé « traitement et opérations avancées » plus que retouche, vous montre comment utiliser Lightroom et Photoshop pour donner à vos photos le rendu qu’elles méritent comme créer des panoramiques et autres opérations.

A qui s’adresse ce livre

Cette petite encyclopédie de la photo numérique va vous intéresser si vous connaissez déjà un peu la photographie, que vous ne souhaitez pas un énième ouvrage sur les bases de la photo mais que vous préférez découvrir des sujets plus experts.

Il vous faut pour cela être intéressé par les illustrations plus que les longs textes, comme être capable de creuser certains points par vous-même quand le sujet vous intéresse mais que les explications fournies vous paraissent insuffisantes.

Ce livre va vous intéresser aussi si vous ne savez pas encore quel domaine photographique vous intéresse plus particulièrement, ce sera l’occasion d’expérimenter pour découvrir ce qui vous plaît avant de passer à des livres plus spécifiques comme ceux de la série « Les secrets de …« .

Ce livre ne vous plaira pas si vous aimez une approche plus méthodique, ordonnée, les longues explications et des détails nombreux sur un sujet particulier.

Il n’en reste pas moins que pour 19,90 euros, ce livre est un ouvrage intéressant par ses nombreuses illustrations très accessibles. Elles permettent d’avancer plus vite que la lecture de plus longs textes. Si vous avez aimé les 70 infographies du même auteur, n’hésitez pas.

En savoir plus sur l’auteur, David Taylor

Le site des Editions Eyrolles

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Vous vous êtes déjà posé la question de savoir ce qu’est une bonne photo et vous n’avez jamais vraiment trouvé la réponse ? Et si vous vous demandiez plutôt « Pourquoi j’aime cette photo plutôt qu’une autre » ?

C’est l’objectif de ce livre que de décortiquer pour vous les éléments conscients comme inconscients qui font qu’une photo touche son public ou non.

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Pourquoi j’aime cette photo, présentation du livre

J’avoue que quand j’ai vu arriver ce livre, avec son petit format et sa couverture à bordure rose, j’ai eu quelques doutes car cette présentation est atypique, bien que les éditions Eyrolles aient repris la couverture rigide que l’on trouve sur leurs derniers ouvrages et que j’apprécie.

Ne connaissant pas non plus, l’auteur, Brian Dilg, j’ai pris le temps de découvrir le livre, à mon rythme, comme je le fais pour de nombreux ouvrages.

Un livre bien imprimé, sur un papier qui rend bien les différentes couleurs de la maquette et des photos d’illustration (de nombreux photographes célèbres sont à l’honneur), la qualité perçue est là. Restait à savoir ce que le texte pouvait bien apporter à notre développement personnel.

En effet la question la plus souvent posée par les photographes amateurs est « Qu’est-ce qu’une bonne photo ? » alors que se poser la question de savoir pourquoi ils aiment une photo est moins courante. Il n’y a qu’à lire les échanges sur les sites de critique photo pour s’en rendre compte. A bien y réfléchir c’est pourtant assez logique, une bonne photo ne serait-elle pas une photo qui nous plaît et nous fait réagir ?

Ce livre va vous aider à trouver des réponses, sans que l’auteur ne se perde dans des considérations trop philosophiques, contrairement à ce que le sommaire pourrait vous laisser penser. Le livre est organisé autour d’une structure en quatre sections :

• Voir
• Attirer le regard
• Penser
• Pour finir

Cette structure peut vous paraître abstraite, pourtant en parcourant l’ouvrage elle s’avère pleine de bon sens.

Notre homme ne se contente pas de réflexions personnelles sur sa vision de la photographie et « ce qu’il faut penser ou non » mais a aussi interrogé plusieurs experts parmi lesquels (c’est atypique mais vous allez voir que c’est pertinent) :

• un spécialiste de la vision,
• un chercheur en neurosciences cognitives,
• un psychologue,
• une conservatrice,
• un consultant en photographie.

Si vous aimez les livres qui ne parlent que de technique photo, arrêtez-vous ici, celui-ci n’est pas pour vous.

Si par contre vous vous intéressez à la créativité en photographie, au développement de votre démarche personnelle, à l’art en général et à l’art photographique en particulier alors lisez la suite.

Voir, l’homme et l’appareil photo

Dans ce premier chapitre l’auteur s’interroge sur la relation entre le photographe et le regard, et sur la différence entre regarder et voir.

Classique me direz-vous mais vous êtes vous posé la question quand vous faites des photos de savoir ce qui vous a attiré ou ce que vous avez vu dans la scène concernée (ou pas vu, c’est souvent là que se trouvent les meilleures photos).

Vous allez trouver dans ce premier chapitre des notions de cadrage, de composition, de plans mais aussi des réflexions sur la plage dynamique d’une image comme les tonalités et la perception des couleurs.

L’idée n’est pas de vous dire comment régler votre appareil photo, mais plutôt de décortiquer l’influence qu’a chacun des réglages sur votre perception de l’image finale.

La présentation de l’importance du temps de pose et du mouvement, par exemple, que Christophe Audebert a détaillée dans Les secrets de la photo de mouvement, vous intéressera si vous aimez photographier avec des temps de pose courts pour révéler des formes invisibles à l’œil nu.

Attirer le regard

Dans ce second chapitre vous allez découvrir les principes de la construction photographique :

• l’importance du placement du sujet dans le cadre,
• l’importance de la taille du sujet par rapport au cadre,
• comment la mise au point ou les lignes (réelles comme implicites) peuvent attirer ou non le regard du spectateur.

Nous sommes ici non plus dans les réglages techniques et leur influence, mais dans tout ce qui concerne la composition, l’expression, l’attention. Ce sont les notions les plus complexes à comprendre et à mémoriser car elles ne font pas appel à des règles techniques mais à votre propre regard. 

« Nous croyons percevoir tout ce qui nous entoure, mais nous ne percevons consciemment que très peu de choses. »

-Jay Friedenberg, psychologue

Je ne vous cacherai pas que c’est le chapitre sur lequel j’ai passé le plus de temps et je n’ai pas fini d’en passer car une seule lecture ne suffit pas.

Penser

L’auteur aborde ici une nouvelle dimension, qui consiste à décoder les photos que nous voyons.

Avez-vous déjà réalisé que l’appareil photo ne peut pas enregistrer les pensées du photographe à la prise de vue ? Il n’enregistre que la lumière. Comment alors faire en sorte que le spectateur devine ce que le photographe a voulu exprimer ?

Sont ici traitées les notions d’omission, d’imagination, d’attention comme de point de vue. Vous allez comprendre l’importance de décrypter les photos pour en comprendre le sens, l’importance de savoir construire un récit pour raconter une histoire, comme de trouver l’inspiration dans tout ce qui vous tend la main : lumière, contexte, couleur, … (en savoir plus sur l’inspiration).

Pour finir

Pour finir… il n’y à rien. Cette dernière section est étonnante car elle ne comporte rien d’autre que la conclusion de l’auteur et cette citation qui ouvre la page :

« Tout le monde s’améliore avec de la pratique.

Il n’y a pas de raccourcis. »

Peut-être se suffit-elle à elle-même finalement, non ?

Mon avis sur « Pourquoi j’aime cette photo »

Je parcours tellement de livres sur la photographie que je finis par avoir du mal à trouver des ouvrages qui sortent des sentiers battus. Avec celui-ci c’est le cas, et bien qu’il s’adresse en priorité aux photographes désireux de comprendre comment devenir plus créatifs, il peut tout aussi bien vous intéresser si vous débutez et êtes peu enclin à penser technique photo au quotidien.

Le tarif modéré de 19,90 euros, le petit format à glisser dans un sac (à main ou photo), et l’intérêt des sujets abordés font que je ne peux que vous recommander de prendre du temps vous-aussi pour tenter de répondre à la question « Pourquoi j’aime cette photo ».

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Faire de la photographie de paysage, c’est apprendre à être patient. Mais aussi à bien préparer vos séances. La lumière, élément essentiel d’une photographie de paysage, change d’heure en heure, le type de photo que vous pouvez faire aussi.

Dans ce guide à la présentation originale, vous allez découvrir quelles photos faire à quel moment de la journée, comment vous préparer, quel matériel utiliser et comment finaliser le rendu de vos photos.

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La photographie de paysage, heure par heure : présentation

Les livres sur la photographie de paysage ne manquent pas, j’en ai déjà présenté plusieurs dont Les secrets de la photo de paysage ou encore Photos de paysage. Ces guides vous permettent de savoir comment faire des photos de paysage en fonction du lieu dans lequel vous vous trouvez : plaine, montagne, bord de mer, …

Le livre de Ross Hodddinott et Mark Bauer, deux photographes de paysages britanniques dont vous pouvez découvrir les photos souvent primées sur leurs sites respectifs, vous propose une approche différente.

Le livre est organisé non pas autour du lieu mais autour de l’heure de la journée à laquelle vous prévoyez de faire vos photos de paysages.

Pourquoi cela change tout ?

Parce qu’entre la lumière du matin, celle de midi, celle de fin d’après-midi ou celle du soir il y a une très grande différence.

Parce qu’au final ce n’est pas le lieu qui fait la complexité de l’exercice, mais la gestion de la lumière.

Cette approche est pleine de bon sens et j’avoue que j’ai adhéré très vite au découpage du livre tel qu’il est proposé :

• l’aube
• le matin
• le midi
• l’après-midi
• le soir
• le crépuscule
• la nuit.

L’autre centre d’intérêt de ce livre, outre le fait qu’il présente de magnifiques photographies de paysage, est la façon qu’ont les deux auteurs de traiter leur sujet.

Plutôt que de découper les différentes phases (préparation, prise de vue, sélection, traitement) en autant de chapitres, ils ont pris le parti de détailler la conception de chaque photo de A à Z.

Si vous vous intéressez à la photographie de paysage le matin, par exemple, vous allez découvrir dans le chapitre du même nom (page 64 et suivantes) :

• des explications sur les particularités de la lumière matinale,
• comment trouver des opportunités de photos le matin (sujets, approche),
• des conseils sur le matériel (par exemple objectifs) le plus adapté,
• des encarts « gros plan sur …« , par exemple le mouvement intentionnel (voir aussi Les Secrets du mouvement),
• la composition des images, comment cadrer, que mettre en avant,
• le post-traitement, d’une photo, étape par étapes,
• la présentation commentée de la photo finale.

J’aime beaucoup cette approche, elle présente l’avantage de regrouper toute la démarche, de la préparation au traitement, sans vous forcer à passer de chapitres en chapitres. La lecture est plus agréable et l’apprentissage aussi.

Vous voulez plus d’informations sur les photographies de paysage que vous voyez dans le livre ? L’annexe finale regroupe toutes les photos avec les données EXIF correspondantes.

Vous y trouverez aussi les références et adresses des accessoires et applications citées dans le livre, ainsi qu’un glossaire des principaux termes photographiques utilisés et à connaître.

Mon avis sur ce livre

Voici un ouvrage qui a le mérite de proposer une nouvelle organisation de son contenu, avec une logique plus proche de celle du lecteur photographe qui souhaite comprendre comment est composée une photo de A à Z.

Les photos des deux auteurs sont magnifiques et sources d’inspiration si vous cherchez des idées et que vous voulez savoir quelles photos sont faisables à quels endroits. Elles sont toutes documentées, tant dans leur réalisation que par leurs données techniques.

Le texte qui accompagne chaque chapitre, et les photos qui vont avec, est complet. Le ton narratif utilisé pour introduire chaque situation de prise de vue est attirant, il donne envie de connaître la suite … et de voir le résultat final.

Le livre en lui-même est agréable à consulter, l’impression des photos est qualitative, même si la tenue en main du papier pourrait être plus agréable avec un grammage supérieur.

Proposé au tarif public de 23 euros, ce livre va vous intéresser si la photographie de paysage vous intéresse, et vous séduire si ce n’est pas encore le cas.

De quoi vous mettre au paysage à votre tour ?

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« Je suis fait de tout ce que j’ai vu« , cette citation d’Henri Matisse ouvre la quatrième de couverture du livre « L’inspiration en photographie » de Gildas Lepetit-Castel et résume à elle seule ce que va vous apporter cet ouvrage.

Vous pensez être trop technicien, pas assez créatif ? Vous n’avez pas d’idées pour trouver des sujets ? Vous pensez manquer de « ce petit quelque chose » que les autres ont et pas vous ? Vous vous trompez, Gildas Lepetit-Castel vous explique pourquoi.

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L’inspiration en photographie, Gildas Lepetit-Castel

Comment ce petit livre pourrait me permettre de trouver l’inspiration en photographie ? Je suis plus habitué à parcourir des ouvrages conséquents comme 50 pistes créatives de Michael Freeman quand il s’agit de chercher des idées. Alors un petit format, 122 pages à peine dont des photos pleine page, ça questionne quand on découvre l’ouvrage.

Je connais Gildas Lepetit-Castel pour ses précédents ouvrages Photo argentique : démarche, matériel, développement, tirage et Les secrets de la photo de rue : approche, pratique et editing. Pour avoir animé récemment une table ronde sur la photo de rue à laquelle il participait, je sais combien l’homme est entier et honnête quand il nous parle de photographie (lisez l’Interview de Gildas, c’est passionnant). Ce livre ne pouvait donc pas être un ouvrage au rabais.

Quelques heures plus tard j’ai fini la lecture et le doute est levé, ce livre rejoint ma bibliothèque au rayon « A relire souvent ».

Je pourrais vous parler du sommaire, vous présenter les différents chapitres du livre comme je le fais pour d’autres. Mais tout comme pour L’âme d’une image de David duChemin, je passerais à côté de ce qui fait l’intérêt de ce livre.

Ce n’est pas un « guide de photographie« , ce n’est pas non plus un « cours d’inspiration » à suivre de la première à la dernière page pour progresser.

Ce livre est avant tout un travail d’analyse personnelle de l’auteur sur son propre parcours, ce qui l’a nourrit et le nourrit encore quand il s’agit de photographie. Vous ne trouverez  – heureusement – pas dans ce livre une liste de sujets « qui marchent à tous les coups » ni de « recettes pour des photos Instagrammables » qui vendent du Like à tour de bras. Ce n’est pas le propos de l’auteur.

Vous y trouverez par contre la présentation de sa démarche et comment il l’a construite au fil des années, de sa plus tendre enfance à aujourd’hui.

Votre démarche photo se nourrit de votre parcours personnel

Gildas Lepetit-Castel ose se mettre à nu dès les premières pages du livre quand il nous raconte son adolescence. Passionné par le cinéma et le dessin, c’est dans son labo argentique au temps du lycée qu’il développe sa pratique photo. Et qu’il comprend petit à petit « qu’il faut apprendre à décloisonner les choses, à les faire fusionner » pour développer une démarche photographique personnelle.

Vous avez vous-aussi un parcours personnel, des expériences de vie, vous avez fait des rencontres, vécu des moments forts, tout cela doit participer à votre quête de l’inspiration en photographie.

Pour l’auteur, tous les arts nourrissent notre démarche. Nous écoutons tous de la musique, lisons tous des livres, regardons tous des films, et certains d’entre vous sont peut-être même dessinateurs, peintres ou sculpteurs. Ce regard que nous portons sur notre monde doit nous servir à trouver les idées. Retenez d’ailleurs que « il n’y a pas de mauvais sujet, il n’y a que des mauvais regards« .

Pourquoi il faut savoir choisir

La pratique de la photographie vous force à faire des choix. De matériel, de sujet, de domaines, de distances, d’environnement … Faire des choix est souvent ce qui bloque l’apprenti photographe qui cherche « l’objectif à tout faire« , veut « garder toutes ses photos« , veut « couvrir tous les sujets« . C’est en faisant des choix que vous affinerez votre démarche.

Le cœur du livre vous permet de vous poser les bonnes questions :

• quelle distance adopter face au sujet (pas uniquement en mètres !),
• quels moyens mettre en oeuvre pour arriver à vos fins,
• quel matériel utiliser,
• quel rendu adopter,
• quelles sélections faire,
• quels mots pour accompagner vos photos,
• quelles formes de publications privilégier.

En abordant chacun de ces sujets et en les reliant à sa pratique personnelle, Gildas Lepetit-Castel vous incite à faire de même.

Pour finir, quelques exercices ?

Le petit cahier d’exercices concluant ce livre vous permettra de préciser vos affinités, de développer des idées, de les tester, ce que nous ne faisons jamais assez.

Pourquoi « L’inspiration en photographie » a changé ma vision

Après avoir lu ce livre, vous ne vous poserez plus la question de savoir comment trouver les bons sujets puisque vous réaliserez qu’ils sont déjà en vous et que vous venez de les lister (conseil, prenez des notes en cours de lecture).

Vous réaliserez que ne pas avoir une grande culture photographique n’est pas un handicap pour vous lancer, que tout ce que vous avez fait, vu ou entendu va vous servir et compenser.

A trop vouloir « penser photographie » pour développer ma propre démarche, j’en arrive à omettre parfois tout ce qui fait mon environnement personnel. Ce livre m’a remis les idées en place, m’a rassuré sur certains choix fait comme à faire, m’a fait imaginer des possibilités auxquelles je ne pensais pas.

Rien que pour cela il mérite largement les 15 euros et les quelques heures nécessaires à sa lecture.

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L’art du photographe est un livre de Bruce Barnbaum, photographe et formateur américain spécialisé dans la photographie de paysage et d’architecture.

A mi-chemin entre guide pratique et beau livre de photographie, cet ouvrage imposant est illustré de près de 200 photographies qui permettent à l’auteur de développer son sujet. Une nouvelle approche de la photographie que j’ai particulièrement appréciée.

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L’art du photographe, chronique du livre de Bruce Barnbaum

Parmi les livres traitant de la photographie je distingue deux catégories : les guides pratiques (par exemple la série Les Secrets de …) et les Beaux Livres de Photographie (par exemple 6 beaux livres de photographie).

Les uns vous présentent des informations vous aidant à développer votre maîtrise du matériel et de la prise de vue tandis que les autres sont des recueils de photographies proposés par des auteurs photographes.

Quand j’ai reçu le livre L’art du photographe de Bruce Barnbaum, j’ai tout de suite pensé au Beau Livre. Un ouvrage imposant, de nombreuses et très belles photos, une « classe » qui n’est pas le propre des guides pratiques même si certains sont de beau objets.

En ouvrant le livre pour en prendre connaissance (je fais toujours cela au début, pendant quelques jours), j’ai fait un autre constat : il était question d’apprentissage. Avec de belles photos, mais des notions concrètes de photo.

En lisant ce livre avec plus d’attention, afin de préparer cette chronique, j’ai fait un autre constat encore : l’art du photographe de Bruce Barnbaum est autre chose. Un subtil mélange des deux catégories ci-dessus.

Ce n’est pas un guide pratique, au sens premier du terme. Ce n’est pas un Beau Livre de photographie non plus puisqu’il y est question d’apprentissage.

C’est un livre dans lequel, grâce à ses photos mais aussi son expérience, l’auteur utilise en permanence l’opposition entre technique et art pour nous montrer qu’au final ce n’est ni l’un ni l’autre qui sont importants, c’est ce que vous avez envie de représenter au travers de vos images.

Il s’agit d’un ouvrage qui rompt avec la notion de catégorie, et comme au final je me moque un peu des catégories, l’important est le message.

Communiquer par la photographie, l’avis de Bruce Barnbaum

Comment ne pas être d’accord avec Bruce Barnbaum quand il nous dit « Une photographie dit tout. Inutile d’y rajouter quoi que ce soit. »

En introduction, Bruce Barnbaum nous livre une thèse bien personnelle.

En tant qu’outil de communication non verbale, la photographie permet au photographe de transmettre sa vision au spectateur. Elle transmet son message quand bien même son auteur n’est pas présent.

J’aime particulièrement cette question :

Quelles réactions suscitent vos centres d’intérêt, et comment les traduire photographiquement ? »

S’en suit un exposé sur la passion, censée être à la base de votre pratique, et les réactions qui doivent être les vôtres pour traduire vos sentiments en images.

Loin d’être le discours philosophique auquel nous pourrions nous attendre, cette première partie du guide se veut plutôt un guide de questionnement personnel. Et ça fait drôlement du bien de s’éloigner de la technique pour en revenir aux fondamentaux : qu’est-ce qui fait que nous photographions et que cherchons nous à montrer ?

Parce que la composante « apprentissage » n’est jamais très loin, Bruce Barnbaum ne passe pas à côté de la notion de composition, vous pousse à vous intéresser à votre façon de voir et d’exprimer votre point de vue. Là-aussi une approche décalée qui s’avère très pertinente.

Les photos d’illustration servent à l’auteur à expliquer :

• pourquoi il n’a pas cherché à renforcer les ombres sur cette photo d’un parc parce que la composition s’appuie sur les tons moyens,
• pourquoi il n’a pas éclairci le ciel de cette autre image au ciel gris prédominant,
• pourquoi un contraste élevé guide le regard,
• comment un arbre déraciné peut créer un mouvement puissant dans la composition de la photo page 33,
• …

Cette section du livre est une des plus intéressantes : s’appuyant sur autant d’exemples puisés dans sa propre collection, l’auteur détaille sa démarche. Pourquoi il a fait ses photos, avec quelle idée en tête et qu’est-ce qui l’a attiré ? Les amateurs de paysages en noir et blanc ne verront plus la nature de la même façon.

C’est aussi ici que vous apprendrez à intégrer dans votre démarche des notions comme la profondeur de champ ou la focale, sans qu’il ne s’agisse jamais de rentrer dans le détail de notions techniques. Ces outils sont là pour servir votre démarche, sachez les identifier et les utiliser, c’est le message.

La vision, concept philosophique ou rapport de communication ?

La réponse à la question tient en une phrase :

« Nous montrons nos images à d’autres, dont nous attendons une réaction en retour. Cette simple constatation confirme que nous sommes bien dans un rapport de communication. »

Cette seconde partie du livre vous permet d’appréhender les cinq notions relatives à la vision du photographe, un concept cher à Michael Freeman aussi :

• regarder et voir de manière photographique,
• composer une image,
• imaginer la photo finale,
• suggérer une technique à ceux qui rencontrent des difficultés à imaginer la photo finale,
• établir une stratégie pour établir l’image finale.

La lumière

Cette phrase à elle-seule donne le ton de cette nouvelle partie :

La lumière doit être envisagée comme un moyen pour le photographe de guider l’œil du spectateur sur l’image.

Découvrez comment chercher la lumière, en apprécier la qualité, et aussi pourquoi la lumière perçue par votre œil n’est pas celle que voit votre capteur ou votre film.

Cette prise de conscience devrait vous aider à penser « sensations » plus que « scène », et à attirer le spectateur autrement. Les exercices proposés page 82 vous y aideront.

La couleur, parce que c’est un concept aussi

Vous savez ce qu’est la couleur, et vous savez qu’elle se gère dès la prise de vue comme en post-traitement. Mais avez-vous conscience que la couleur est un élément déterminant de la composition ?

C’est l’objet de cette section que d’entrer dans le détail. Depuis l’argentique, un domaine cher à l’auteur, jusqu’au numérique, la gestion de la couleur a bien changé. 

Réfléchissons donc un peu encore : pourquoi vous photographiez en couleur ou en noir et blanc ? Pourquoi ne changez-vous jamais si c’est le cas ?

Grâce à quelques photos présentées en couleur et en noir et blanc, découvrez ce que vous pouvez espérer produire vous-aussi. Et essayez.

Mais aussi … 

Bruce Barnbaum a longtemps vécu la photographie sous le signe de l’argentique, il est passé au numérique pour la couleur uniquement, fidèle à ses films pour le noir et blanc.

Dans une longue partie, un bon tiers du livre, il développe différents concepts qui nous viennent de l’argentique et qu’il est possible d’appliquer au numérique.

Pour l’argentique citons le zone system avec les négatifs noir et blanc (chapitres 8 et 9), le tirage (chapitre 10) dont la numérisation des négatifs.

Pour le numérique c’est au chapitre 11 que vous trouverez comment utiliser le zone system et comment convertir vos fichiers RAW, comment retoucher vos images avec les les outils numériques (chapitre 12) pour leur donner le rendu souhaité.

Le chapitre 13 m’a particulièrement intéressé puisqu’il y est question du choix entre argentique et numérique. Cela ne va pas intéresser tout le monde, mais pour qui a connu la période argentique, il y a matière à réfléchir à notre pratique actuelle aussi. 

Dépasser les mythes photographiques

S’il y a un chapitre du livre à garder en tête c’est bien celui-ci.

« Un certain nombre d’idées manifestement erronées perdurent encore aujourd’hui, certains mythes doivent être dépassés car ils entraînent souvent les photographes dans la mauvaise direction ».

Attention, amateurs d’idées reçues et de contre-vérités, vous pourriez tomber de haut. Dix mythes photographiques sont analysés avec pertinence pour vous montrer que les idées reçues, parfois, ne sont pas toutes à gober.

Si plusieurs concernent l’argentique, le numérique n’est pas en reste, mais la trame de fond est bien la déconstruction de croyances comme le fait de vouloir à tout prix respecter les règles de composition (mythe numéro 10), un sujet que j’ai traité dans une vidéo ayant entraîné bon nombre de réactions houleuses.

« Finir le travail en photographie c’est présenter vos images ». Ce dont l’auteur nous parle au chapitre 15 avant de passer, un peu rapidement je trouve, à d’autres thèmes comme l’abstraction (chapitre 16), l’approche intuitive (chapitre 17), la philosophie personnelle (chapitre 18).

Mon avis sur l’art de la photographie de Bruce Barnbaum

Comme je le disais en introduction, il s’agit d’un ouvrage à part dans la production actuelle. Ce livre interpelle, fait réfléchir. Intégrer tout ce que l’auteur présente prend du temps, il est important d’y revenir souvent. Je n’en ai d’ailleurs pas fini avec certains sujets.

S’appuyant sur une expérience personnelle impressionnante, mêlant habilement notions techniques et notions créatives, Bruce Barnbaum nous propose un ensemble solide et fort bien illustré.

L’argentique y tient une place non négligeable, le poids des années, et l’on sent que l’auteur a du travailler son approche personnelle pour réussir sa reconversion en numérique. Reconversion toute relative puisqu’il nous avoue utiliser encore le film. 

Cet ouvrage s’adresse aux photographes amateurs passionnés par l’image, comme aux plus experts, qui ont vécu la grande époque de l’argentique et cherchent leur voie dans le monde du numérique. C’est une source d’inspiration, un outil de travail qui vous permettra de voir la photographie sous un autre angle. Il livre des clefs pour comprendre comment les outils à votre disposition, qu’ils soient conceptuels comme physiques, peuvent vous aider à produire des images plus fortes et attirantes.

Bien qu’il soit déjà lourd, l’ouvrage aurait mérité une belle couverture cartonnée – c’est mon attirance personnelle pour l’objet livre – et s’avère, au tarif public de 34,95 euros une nouvelle référence venant compléter les livres d’auteurs plus médiatisés comme Michael Freeman ou David duChemin, une belle découverte à apprécier sur la durée.

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Vous ne savez pas comment utiliser le D-Lighting actif sur votre Nikon ? Savez-vous qu’il existe deux réglages D-Lighting qui n’ont pas le même usage bien que leur nom soit presque identique ?

Qu’est-ce que le D-Lighting et le D-Lighting actif ? Voici ce qu’il vous faut savoir pour améliorer le rendu de vos photos immédiatement.

Qu’est-ce que le D-Lighting  ? Utilisations possibles

Avez-vous déjà rencontré cette situation ? Vous êtes face à votre sujet qui se trouve à contre-jour (il est éclairé de l’arrière) et le premier-plan se trouve dans l’ombre. Ou bien vous avez en face de vous une scène très contrastée avec des hautes et des basses lumières très prononcées.

Si le sujet est un visage (par exemple pour un portrait), il apparaît noir ou très sombre sur la photo alors que l’arrière-plan est correctement exposé.

En réaction, vous avez modifié l’exposition et cela a provoqué l’effet inverse : le visage est correctement exposé mais l’arrière-plan se retrouve très clair voire brûlé.

D-Lighting désactivé : notez le contraste important entre les zones très claires et les zones très sombres
les livres du haut n’apparaissent pratiquement pas

D-Lighting position élevée : notez l’écart de contraste réduit entre les zones claires et sombres
les livres du haut apparaissent plus distinctement

Ces situations à fort contraste imposent une grande maîtrise de l’exposition pour donner des résultats satisfaisants, il arrive même qu’il ne soit pas possible d’obtenir le bon rendu car le capteur de votre appareil photo atteint ses limites en terme de dynamique.

Ce capteur est de plus en plus performant, son électronique encode les données sur 14 bits et non plus 12 uniquement, mais il n’est pas encore l’égal de vos yeux. Sa dynamique (capacité à capturer sur une même photo des zones très lumineuses et d’autres très sombres) reste inférieure à celle de la vision humaine. Il vous impose donc un choix : exposer pour les hautes lumières ou pour les basses lumières, mais pas pour les deux en même temps.

Le capteur a aussi d’autres limites : il détecte mieux les différences de niveaux dans la partie centrale de l’histogramme (les tons moyens) qu’il ne le fait dans les zones latérales (les noirs et les blancs).

Il existe des techniques pour augmenter la dynamique apparente, comme le HDR (High Dynamic Range) ou l’exposition à droite (en référence à l’histogramme) sans brûler les hautes lumières tout en gardant du détail dans les ombres. Mais elles ne sont pas toujours aisément utilisables (voir Comment régler un reflex en basse lumière).

Pour en savoir plus sur ce sujet si vous vous intéressez à la technique photo je vous conseille le guide « Les secrets de l’exposition » qui vous donne tous les détails à connaître.

Les fabricants d’appareils photo cherchent des parades en attendant que la dynamique des capteurs progresse. Chez Nikon la parade s’appelle D-Lighting pour Dynamic Lighting ou éclairage/exposition dynamique.

Le D-Lighting a pour objectif de réduire la perte des détails dans les hautes comme dans les basses lumières pour compenser les faiblesses du capteur, à la prise de vue. C’est l’appareil photo qui agit à votre place sur l’exposition pour préserver un contraste satisfaisant sur l’image.

Utiliser le D-Lighting permet de récupérer des informations dans les basses lumières, et de mettre ainsi en valeur ces zones particulières de la scène.

Il peut s’agir d’un choix créatif aussi, conserver un écart de contraste important sert à mettre en valeur des zones différentes si la photo s’y prête.

D-Lighting désactivé : les zones sombres sont bouchées tandis que la façade des bâtiments apparaît plutôt claire.
L’image finale a du relief.

D-Lighting réglage élevé : l’écart de contraste est réduit,
les zones sombres dans la pelouse sont moins denses, la façade moins lumineuse.
L’image finale est plus plate, moins intéressante.

Les deux types de D-Lighting Nikon

La fonction D-Lighting propose deux modes de mise en oeuvre :

• le D-Lighting actif adapte l’exposition à la prise de vue pour réduire le contraste et préserver hautes et basses lumières en fonction des réglages d’exposition choisis,
• le D-Lighting « tout court » ou « passif » traite la photo après la prise de vue, dans le boîtier, pour réaliser une correction proche de ce qu’aurait fait le D-Lighting actif si vous l’aviez utilisé.

Comment utiliser le D-Lighting actif

La fonction D-Lighting actif est accessible depuis le menu Prise de Vue de votre Nikon.

D-Lighting actif Nikon : les 4 niveaux d’intensité et le réglage automatique

Cette fonction vous permet de régler l’intensité de l’effet, de faible à élevé. Nikon recommande l’utilisation du mode de mesure de lumière matriciel avec le D-Lighting actif pour que le boîtier puisse tenir compte de l’ensemble des données de la scène.

Cet effet agit sur la luminosité des zones sombres (sous-exposées) dans l’image en ayant tendance à exposer pour rattraper les basses lumières. Elle applique également un contrôle localisé des tons et des hautes lumières ayant pour but d’étendre la dynamique de l’image résultante.

D-Lighting désactivé : les tuiles au premier plan sont peu visibles, la façade de gauche est très lumineuse, le tronc de l’arbre est sombre.

D-Lighting valeur élevée : les tuiles du premier plan sont plus visibles, la façade de gauche est moins claire, plus agréable, le tronc de l’arbre est débouché. L’image est plus équilibrée.

L’intensité de l’effet à appliquer dépend de la scène et du rendu souhaité : plus la scène est contrastée et plus vous voulez atténuer le contraste, plus il faut augmenter l’intensité du D-Lighting actif (par exemple ‘élevé’).

A l’inverse pour une scène moins contrastée ou pour laquelle vous voulez conserver du contraste, utilisez des valeurs plus faibles.

Dans le doute utilisez la valeur Automatique, c’est l’appareil photo qui va décider par lui-même quelle valeur appliquer pour chaque photo.

Notez qu’il est possible de voir apparaître du bruit numérique additionnel lorsque le D-Lighting actif est utilisé avec des valeurs de sensibilité ISO élevées. Faites quelques tests pour voir comment réagit votre boîtier.

Comment utiliser le D-Lighting (passif)

La fonction D-Lighting « passif » est accessible depuis le menu Retouche de votre Nikon.

D-Lighting Nikon : accessible dans le menu Retouche

Cette fonction s’applique sur une photo déjà faite, elle ne peut donc modifier l’exposition comme le fait le D-Lighting actif. Cette fonction tient compte des données contenues dans le fichier pour générer une nouvelle image dont le contraste et la luminosité sont modifiés en fonction de la scène initiale.

Différence entre D-Lighting actif et D-Lighting

Les deux types de D-Lighting sont des fonctions indépendantes, vous pouvez utiliser l’une ou l’autre mais cumuler les deux ne sert à rien.

Le résultat sur l’image diffère : le D-Lighting actif est plus performant car il agit sur la prise de vue directement tandis que l’autre fonction ne peut intervenir que sur une image déjà exposée, avec moins de souplesse.

Cette dernière fonction est à réserver aux photos déjà prises et que vous souhaitez améliorer en post-traitement sans utiliser un logiciel spécialisé (c’est le rôle du menu Retouche).

D-Lighting actif et post-traitement RAW

La fonction D-Lighting actif des Nikon est propre à la marque et elle ne peut être modifiée en post-traitement (par exemple pour changer l’intensité) qu’avec les logiciels Nikon (comme Nikon NX Studio), Nikon ne proposant pas l’accès à ce réglage aux autres éditeurs de logiciels.

Si vous utilisez le format JPG la question du post-traitement logiciel est secondaire, adaptez le D-Lighting actif selon vos besoins pour produire des JPG satisfaisants.

Si vous utilisez le format RAW vous noterez une différence plus ou moins sensible d’exposition sur le fichier RAW selon la valeur de D-Lighting utilisée, ce qui vous facilitera le traitement dans un logiciel autre que Nikon mais vous ne pourrez pas modifier la valeur du réglage.

Les avis divergent sur la nécessité d’utiliser ou non le D-Lighting actif en RAW quand vous faites du post-traitement. Nikon ne communique pas d’informations techniques sur les traitements véritablement appliqués aux images, ce qui ne facilite pas la compréhension fine de cette fonction.

Le D-Lighting actif agissant sur l’exposition à la prise de vue, il génère des fichiers RAW qui portent des informations différentes de celles que vous obtiendriez sans D-Lighting actif. En ce sens il paraît judicieux de l’utiliser.

Vous pouvez toutefois rattraper des écarts d’exposition importants sur un fichier RAW (de -2 à +2 Ev) avec un logiciel de traitement des fichiers RAW disposant d’outils de traitement locaux (voir ma présentation des outils de retouche locale – vidéo 2 de la série).

Quand la sensibilité ISO est élevée, en photographie pose longue ou de nuit, il vaut mieux désactiver le D-Lighting actif car il risque de générer du bruit supplémentaire sur vos images.

Différence entre D-Lighting actif et HDR

La différence principale entre D-Lighting actif et HDR tient en la technique de génération de l’image finale :

• le D-Lighting actif agit sur la prise de vue pour fournir une image unique à la dynamique étendue,
• le HDR nécessite plusieurs prises de vues à des expositions différentes pour permettre ensuite leur fusion et la génération d’une image HDR à l’aide d’un logiciel approprié.

L’approche diffère, le HDR nécessite un traitement logiciel plus lourd à l’aide d’un logiciel spécialisé.

Le résultat n’est pas le même non plus, les images HDR sont générées à partir de plusieurs images RAW et une plage dynamique bien plus élevée (par exemple +/-10Ev pour 5 images) tandis que les images D-Lighting actif le sont à partir d’une exposition classique (+/_2Ev de latitude maximale). Pour en savoir plus sur le HDR, je vous conseille l’ouvrage présenté ici.

En conclusion

Obtenir le résultat attendu est plus que jamais une question de réflexion lorsque vous faites des photos. Si la plupart des scènes photographiées sont correctement exposées avec les systèmes de mesure matricielle actuels, il n’en reste pas moins que certaines peuvent piéger ces systèmes.

Reflets, contre-jour, surfaces brillantes, soleil direct sont autant de situations qui appellent une exposition particulière.

Le D-Lighting actif est une réponse à la prise de vue, le D-Lighting « passif » un moyen de récupérer des photos en mode retouche, mais il ne remplace pas une bonne compréhension de ce qu’est l’exposition pour éviter d’avoir à multiplier les vues ou à les traiter dans un logiciel dédié.